Pearl Jam ilumina un Mad Cool empañado por el caos organizativo

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JAVIER HERRERO / PEPI CARDENETE (EFE) / VÍDEO: ATLAS

Eddie Vedder

El arranque de Mad Cool 2018, con el ansiado retorno a la capital de Pearl Jam y el traslado a un nuevo recinto a la altura de las grandes citas mundiales, se pintaba de partida como un día para la historia que, al final, ha empañado el caos de una organización ineficaz para una apuesta tan gigante.

En las primeras horas de la jornada, que aspiraba a recibir a 80.000 personas con todos los abonos y entradas agotados desde hace meses, los protagonistas de las charlas y las redes no eran las actuaciones de Eels o Fleet Foxes, sino quejas por las caminatas e imágenes de largas colas de varios kilómetros al sol en julio, en competencia con atascos de más de una hora para acceder al párking.

Una vez dentro, las críticas no cesaron por molestias derivadas de la movilidad en algunos puntos de este recinto pese a sus 200.000 metros cuadrados de extensión, el mejunje de sonidos simultáneos de varios conciertos, fallos en las cobertura de datos (incluso en la sala de prensa) y más esperas interminables en los puestos de comida, hasta en las zonas VIP.

Conforme transcurrieron las horas, el alcohol y la música, con agentes balsámicos como Eels, Leon Bridges o Tame Impala, el espíritu de festival y las ganas de disfrutar terminaron imponiéndose a tiempo para que a las 23.25 horas arrancara el concierto estrella: Pearl Jam.

Viaje al corazón del 'grunge'

Los de Seattle han llegado a Madrid once años después de su última visita a la región, concretamente al Festimad de 2007 en Móstoles, que coronaron a su vez un año después de recalar en la capital con un concierto en el Palacio de los Deportes.

En una gira en la que alternan grandes espacios con festivales, en Mad Cool ofrecieron un menú diferente a aquellos que asistieron hace solo dos días al Palau Sant Jordi de Barcelona, algo más concentrado en número de platos (con 24 cortes y dos horas de música frente a los 30 de la Ciudad Condal) pero igual de potente en sabor.

Porque el concierto, que arrancó con Release y Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town, en penumbra y con la inconfundible voz de Eddie Vedder en su tesitura más reflexiva, se explayó en los trabajos de su eclosión junto a Nirvana como grandes embajadores del grunge, con especial incidencia en el seminal Ten (1991), del que se dejaron poco por tocar.

Entre bellos planos de cámara que incluyeron perspectivas cenitales y contrapicados, a la altura de su leyenda, el grupo ofreció un completo viaje con momentos de pura exaltación roquera, como Do The Evolution, la aplaudida Corduroy, o Around the Bend, que hpuso al público a botar, y otros para el recogimiento, como Sirens, de su último disco.

"Me encanta España, adoro la locura"

En todos ellos, la expresión de Vedder reflejaba un aparente empeño por dar lo máximo, ya fuese articulando las cuerdas o la garganta, y su empeño por chapurrear el español se ganó del todo a la concurrencia cuando, botella en mano, lanzó "un brindis por la primera noche de festival" para celebrar que, como le habían adelantado, "habría mucha gente loca" con ellos. "Eso espero, porque me encanta España y yo adoro la locura. ¡Un gran abrazo a vosotros, mis amigos locos!", exclamó entre vítores.

Espoleados por el músculo de la batería de Matt Cameron, fue también esta una noche de guitarras, con Mike McCready en estado de gracia y disputándole el protagonismo al mismísimo Vedder, como este señaló. "Esta canción (por Even flow) la tocamos aquí hace años en la sala Revólver. Si no le visteis hacerlo entonces, no sabéis cómo la toca ahora", anticipó.

Entre todo ese material inveterado cupo también lo primero que graba la banda desde Lightning Bolt (2013), el recientísimo Can't Deny Me, alegato contra Donald Trump que dedicaron a "todas las mujeres fuertes del público que van a cambiar el mundo".

Mensaje feminista

Como refuerzo a ese mensaje feminista, el cantante dio paso a un vídeo de sus "amigos Javier [Bardem] y Luis [Tosar]", en el que subrayaron lo que se ha hecho máxima estos días en titulares y manifestaciones populares: "Si dicen no es no y si no te dicen que sí, también es no".

Con proclamas a favor de la música y contra todos aquellos que convierten en un problema la raza, el género o la orientación sexual ("¡Que les den!", gritó el cantante), el show llegó a su final, redondeado con la imprescindible Alive y, como sorpresa, con una versión de Rockin' In The Free World, de Neil Young, hito sonoro de la primera edición del festival.

A su término aún quedaba más música con Kasabian, MGMT y Justice, entre otros, música que continuará este viernes, de nuevo con todo el aforo completo y expectación tanto por los conciertos de Jack White, Arctic Monkeys, Alice In Chains y Massive Attack, como por resolver una pregunta que muchos se hicieron en alto en esta jornada: "¿Y mañana, cómo venimos?".

Manolo García: «Yo me siento fuera de lugar en este mundo industrial y tecnológico»

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DANIEL G. APARICIO

  • Manolo García acaba de publicar 'Geometría del rayo', el séptimo disco de su carrera en solitario.
  • El cantante y compositor ha hablado con '20minutos' sobre su pasión por la cultura y las artes.

Manolo García

Justo cuando cumple dos décadas de trayectoria en solitario, el cantautor catalán Manolo García lanza Geometría del rayo, un nuevo disco compuesto por 16 canciones dedicadas "a todos aquellos que no pueden vivir sin arte en cualquiera de sus manifestaciones o modalidades, y que no se quieren conformar con la cultura del entretenimiento fácil de nuestro tiempo".

El lanzamiento del disco ha coincidido casi con el incio de una nueva gira que comienza el 6 de abril en Girona y que llevará al cantante, compositor, poeta y pintor por toda España.

¿A qué se refiere cuando habla de entretenimiento fácil?
A ver, yo creo que los entretenimientos deben ser fáciles pero han de ser útiles también, han de servir para que tú llegues a un estado de calma, de placidez, de no ego.

¿Por qué Geometría del rayo?
Es una licencia poética por mi afán, recalcitrante a veces, de encontrar el lirismo, de buscar la poesía a todo. Y mira que nos lo ponen difícil, porque la sociedad está siempre convulsa, sufriendo, pero yo busco la pequeña cosa esa que te salva el día. Es una necesidad de sacar cabeza, de no asfixiarte, porque si te descuidas es un machaque total.

Hay que vivir y hay que luchar denodadamente para que los espíritus salgan a flote y tiren para arriba y no estar siempre contra las cuerdas. La música, el arte en general, es una buena herramienta para ello. A veces pienso el ser humano sin cultura, sin arte, no es ser humano, es humano, sin más, que se dedica a comer cada día, a sobrevivir como puede, la cultura nos da el ser. Sin eso, nuestra vida consiste en ganarnos el sustento y con mucho sufrimiento, porque todo lo organizan para que todo sea más difícil cada vez en vez de más fácil.

Parece que no le gusta lo que ve a su alrededor.
En un mundo donde el dinero es el principal motor tiene que haber para todos, no ya en forma de dinero sino de vida digna. Y el empeño parece que es el contrario, machacar a la gran mayoría para que una minoría viva cada vez mejor.

Además, irónicamente, ahora cada vez es más difícil acceder a cierta cultura que está en las catacumbas. Parece que volvemos a tener que hurgar en rincones recónditos para sacar la cultura del pensamiento, la cultura donde se busca lo importante, la libertad. La cultura y el arte son el vehículo perfecto para ser libres.

Según lo define usted, la música y la poesía están muy unidas.
Absolutamente. Me parece genial el Nobel de Dylan por ejemplo. Claro que es un literato, claro que escribe con sabiduría. Y supongo que si ahora mismo viviera, Borges –que a mí Borges poeta me gusta–, no estaría descontento de que un buen músico hiciera con alguno de sus poemas una obra musical. Creo que es un vehículo perfecto para llegar a la gente.

La música popular, que es la que yo hago, está muy bien, es algo sencillo pero que puede llevar la emoción, crear sentimientos en la gente. La música puede poner a las personas en estado de felicidad, por minutos, por horas, y eso es muy bonito, y muy útil, y más en los tiempos que corren, que vivimos casi en la cultura del miedo y de la multa.

En el disco habla mucho sobre el paso del tiempo, ¿piensa mucho en eso?
No, pero siento que el aprendiz que soy tiene menos tiempo para aprender tantas cosas como querría aprender.

Dice en su primer single que nunca es tarde, ¿para qué?
Nunca es tarde para todo, para empezar a vivir, para abrazar a quien tienes que abrazar, para decir lo que tienes que decir, para luchar por tus derechos, para querer a todo el mundo, para no odiar a nadie, para vivir en paz contigo mismo y con los demás, para ser feliz y buscar la dignidad en tu vida, para luchar por la naturaleza y disfrutar de ella.

Y dice también que es mejor reducir las necesidades de uno que tratar de satisfacerlas, ¿usted lo hace?
Sí, siempre. Yo soy una persona bastante austera, con lo que tenga estoy contento, no quiero más. Yo doy gracias de la suerte que he tenido, primero de trabajar en lo que me gusta. Yo a cambio, para cumplir de alguna menera con esas deidades o quien se cuide, lo hago con todas mis ganas. Soy trabajador, soy currante. Ya que trabajo en lo que me gusta, no soy nada haragán.

Y luego, no me gusta ni la ostentación, ni ese tipo de situación en la que alguien apuesta por una posición como de superioridad. Yo hago una cosa siempre en los conciertos, me bajo al público. Sé que lo hacen más músicos, yo lo hago de toda la vida. ¿Por qué? Porque somo iguales, ese es mi mensaje. Somos todos iguales y estamos en el mismo barco.

Cuantas más necesidades te creas o dejas que te creen –el mundo del egoísmo–, peor vas a vivir, más infeliz vas a ser, menos tiempo vas a tener para lo esencial. Todo el mundo dice eso de que con poco se vive, pero luego todos intentamos ir a más. Estamos en esea dicotomía en nuestra sociedad, por eso a veces es bueno volver a la Antigua Grecia.

De esas escasas necesidades, ¿cuál diría que es imprescindible para usted?
Los libros. Yo leo y releo mucho. He releído a Pío Baroja bastante, 2666 de Bolaño lo he leído tres veces, leo mucho a Cormac McCarthy, Faulkner…

Habla mucho sobre los elementos, el mar, el cielo, la Antigüedad… ¿a qué se debe?
A mi amor por la naturaleza. Yo me siento fuera de lugar en este mundo industrial y tecnológico, no me interesa nada. No lo digo para ir de guay. Desde niño me he sentido como alguien que ha llegado demasiado tarde a un planeta demasiado gastado.

Ahora estoy leyendo la vida de Casanova. Venecia, 1700. Quiero eso por favor, quiero ese tiempo y más atrás. De acuerdo, la vida debía de ser dura, pero más pura, más limpia: el aire, las aguas, la naturaleza… Nos la estamos cargando, estamos contaminando a toda máquina. Claro que echo en falta la naturaleza. ¿Quiero que todo vuelva atrás?, ¿soy una persona inmovilista? No, claro que hay que progresar, pero hay que mirar cada centímentro que se va a tocar de la naturaleza, pensárselo muy bien. Si es útil para todos y es necesario y urgente, se hace, pero no es así la cosa, se machaca todo por intereses.

¿En qué época le habría gustado vivir?
El continente americano antes de que llegaran los hombres blancos, lo tengo clarísimo. Grupos tribales, territorio inmenso, naturaleza, comida. ¿Vidas más cortas? Lo acepto, puedo aceptar una vida mucho más corta por vivir en un mundo menos cruel. Yo sería chamán y pintaría, me pasaría el día entero pintando las tiendas con búfalos.

Adora la pintura, ¿qué significa para usted?
Es una conexión mística, cósmica, es un salirse de uno mismo y entrar a un nirvana de calma, de colores, de formas. Es ser un pequeño y ridículo dios que hace mundos, mundos que no sirven para nada, solo a él para viajar en su viaje personal y quizá puedan servir a otros para soñar. Yo pinto por eso, porque necesito salirme, lo que yo llamo hacer vacaciones de mí mismo.

Tengo la idea de que mi yo en 1.100 en América, o en La Coruña, hubiera sido mejor, no hubiera necesitado pintar ni hacer canciones, ya con el vivir le hubiese bastado. Ver el mar, ver una ría, el desierto, caminar… la pureza del planeta. Y la dificultad de sobrevivir, sí, pero hubiera preferido esas dificultades que estas, porque estas son feas, son artificiales. Estamos todo el día trabajando para hacer cacharrería que no necesitamos. Es absurdo, somos esclavos, necesitamos sueldos magros para hacer y comprar cosas que en realidad no necesitamos. Es una perversión total.

Se lleva muy mal con las nuevas tecnologías.
No me interesan. No es que me lleve fatal, es que paso en moto de ellas. Mis libros, mi macuto, mi cabeza, mis ojos, miro, sueño, hablo… Al final voy a coger fama de huraño, pero me da igual. Hay personas que, en la vida de hoy, no pueden vivir sin estar conectadas. Todos mis respetos, nada más lejos de que yo pretenda adoctrinar a nadie o decir "vais mal". Si ellos son felices, van perfecto, todo el mundo va por donde quiere. Yo lo único que pido es ir por donde yo quiero. Esto no me hace mejor que los demás.

Entonces, nada de redes sociales, ¿verdad?
Esto de que cualquier cosa que hagas, millones de personas puedan decir me gusta o no me gusta, no me interesa, porque yo no opino nada sobre nadie. Como mucho en petit comité. Y ni eso, nunca me ha gustado ni hablar del vecino de enfrente. Allá cada cual con su vida. Yo no soy un correveidile ni soy una persona que le interese la vida de los demás, ni explicar la mía. Siempre he sido una persona muy discreta, porque creo que hay que respetar a todo el mundo y dejar a todo el mundo libre, que haga lo que quiera, que sea feliz, en cualquier dirección. Siempre que no le haga daño a nadie, él decide. Todo esto es tan de cajón…

Se le ve un hombre culto y habla mucho de arte pero, ¿se atreve a reconocer algún placer culpable?
El chocolate, como demasiado.

Eso no es malo.
Si te comes siete tabletas al día es horrible (risas).

¿Algún placer culpable cultural?
Me gusta Torrente (risas). Es un tío infame, machista, cabrón, mala persona, casposo, pero mira, me he visto todas las pelis. Me mola. El personaje gusta a todos pero repugna por igual. Ahora Santiago Segura ha hecho una de chicas, ¿no? Voy a ir a verla.

¿Nota el ambiente enrarecido en su tierra, en Cataluña?
Lo que noto allí, igual que aquí, es que la gente lo que quiere es que se acaben las injusticias, trabajar, que todo sea más fácil, que no nos machaquen por todos lados. Por encima de la política, la gente lo que quiere es respirar. Luego ya cada cual tiene sus ideas, y son todas respetables.

Un tema de Gloria Estefan o la música de ‘Sonrisas y lágrimas’, tesoros de EE UU

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EFE

  • 25 nuevas entradas elevan a 500 el número de piezas musicales del Registro Nacional de Grabaciones de EE UU.
  • Los títulos seleccionados deben tener al menos 10 años de antigüedad.

Gloria Estefan en los premios Kennedy Center Honors durante diciembre de 2017.

El tema latino Rhythm is Gonna Get You, de Gloria Estefan y Miami Sound Machine, la banda sonora del filme Sonrisas y lágrimas o el clásico My Girl de The Temptations, son algunos de los nuevos tesoros que el Congreso de EE UU ha introducido este miércoles en su Registro Nacional de Grabaciones.

En total 25 nuevas entradas, lo que eleva a 500 el número de piezas musicales o sonoras que el Congreso considera como "tesoros merecedores de conservación".

También se incluyen este año temas míticos como I Left My Heart in San Francisco, de Tony Bennett, o Footlose, de Jenny Loggins, tema principal de la película homónima.

Los conciertos para violoncello y orquesta grabados por Yo-Yo Ma en 1996; el álbum Rumours, de Flettwood Mac; Calypso, de Harry Belafonte, o la cobertura de radio del nacimiento de Naciones Unidas también se consideran esenciales "por su importancia cultural, histórica y estética en el paisaje sonoro estadounidense".

Entre las 25 nuevas entradas está también un tema popular latinoamericano que data de 1930, Lamento Borricano, de los puertorriqueños Canario y su grupo, que ha sido versionado por artistas como Plácido Domingo y Marc Anthony.

Celebración del sonido grabado

"Esta celebración anual de sonido grabado nos recuerda nuestra variada y notable experiencia estadounidense", dijo en un comunicado la bibliotecaria del Congreso, Carla Hayden.

"La trinidad única de significado histórico, cultural y estético reflejada en el Registro Nacional de Grabaciones cada año es una oportunidad para reflexionar sobre momentos importantes, culturas diversas y recuerdos compartidos, todo reflejado en nuestro paisaje sonoro grabado", agregó.

Según la Ley de Conservación de la Grabación Nacional de 2000, el bibliotecario del Congreso, asesorado por la Junta Nacional de Conservación de la Grabación, debe seleccionar cada año 25 títulos que sean "cultural, histórica o estéticamente significativos" y que tengan al menos diez años de antigüedad.

Este año se han unido además Sitting on Top of the World, de Mississippi Sheiks; las sonatas completas de Beethoven por Artur Schnabel; (We're Gonna) Rock Around the Clock, de Bill Haley y los cometas; Alice's Restaurant Massacree, de Arlo Guthrie, o el álbum An Evening with Groucho, de Groucho Marx.

Otras obras

Se unen así a una lista compuesta por 500 piezas de todo tipo, entre las que están desde la grabación de la llegada a la Luna de Neil Armstrong al discurso de Woodrow Wilson del Día del Armisticio.

Además de canciones de Johnny Cash, Benny Goodman, Celia Cruz, Ella Fitzgerald, Paul Simon, Glorya Gaynor, Joan Baez, Judy Garland, Metallica, Nirvana, Radiohead, los Ramones, Frank Sinatra, la banda sonora de La guerra de las galaxias o la grabación del programa radiofónico La guerra de los mundos, de Orson Welles.

National Geographic estrena este domingo un documental sobre la vida de la primatóloga Jane Goodall

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EFE

  • Con 26 años abandonó Reino Unido para ir a la selva de Gombe a estudiar el comportamiento de los primates.
  • Goodall descubrió que los primates, como los humanos, utilizan herramientas para conseguir sus objetivos.

Gombe, Tanzania - Jane Goodall and infant chimpanzee Flint reach out to touch ea

National Geographic estrena este domingo Jane, un documental dirigido por Brett Morgen que estuvo nominado a los BAFTA y que recoge más de cien horas de imágenes inéditas de la vida de la primatóloga Jane Goodall y su increíble labor de investigación llevada a cabo durante años en la selva de Gombe, Tanzania.

Amante de los animales desde su niñez, Goodall abandonó Reino Unido con 23 años y comenzó a vivir su sueño. Se fue a Kenia, donde trabajó con el famoso antropólogo Louis Leakey, pionero en los hallazgos relativos a la evolución de los homínidos. Éste fue quien, tres años más tarde, en 1960, enviaría a la joven Goodall a la selva de Gombe para vivir entre los chimpancés y estudiar su comportamiento.

Ella sólo tenía 26 años y carecía de formación científica, pero poseía unos prismáticos, una gran paciencia y capacidad de observación y registró una valiosa información en sus cuadernos. Goodall no estaba al corriente de los protocolos de investigación tradicionales y personalizó sus investigaciones, estableciendo un vínculo emocional con sus sujetos de estudio, lo que le permitió ganarse su confianza.

Realizó un descubrimiento asombroso cuando observó que uno de los chimpancés, al que ella llama David Barba Gris, usó un palo para extraer hormigas de un hormiguero subterráneo. Envió un telegrama a su mentor, el famoso paleontólogo Louis Leakey, y se convirtió en la mujer que demostró que, además de los seres humanos, los primates también utilizan herramientas para lograr sus objetivos.

Morgen, nominado a los Óscar y los Emmy, se ha zambullido en más de cien horas de grabaciones registradas en los archivos de National Geographic y redescubiertas en 2014, que han arrojado nueva luz sobre las investigaciones de Goodall. Esas imágenes fueron grabadas en 1962 por el realizador holandés experto en temas de naturaleza Hugo van Lawick, que acabó contrayendo matrimonio con Goodall y estableciéndose con ella en África. Además, el documental estará acompañado por la música de Philip Glass, considerado uno de los compositores vivos más importantes del mundo.

Utilizando las imágenes de la vida salvaje capturadas por Van Lawick y entrevistas exclusivas con Goodall, además de material visual proporcionado por Jane Goodall Institute y vídeos familiares de la conservacionista, Morgen ofrece un retrato íntimo e inédito de una mujer pionera que sobrevivió momentos difíciles para convertirse en una de las investigadoras de la naturaleza más admiradas del mundo.

Morgen es autor de documentales como Kurt Cobain: Montage of Heck, sobre los últimos días de la vida del cantante de Nirvana, y otros sobre el magnate del cine Robert Evans o los Rolling Stones.

Dua Lipa y Stormzy brillan en una reivindicativa gala de los premios británicos de la música

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MANUEL SÁNCHEZ GÓMEZ (EFE)

  • Dua Lipa logró los Brit a mejor artista británica y mejor artista revelación.
  • Stormzy se hizo con los de mejor artista británico y mejor álbum.
  • Muchas llevaron rosas blancas por la igualdad de la mujer y Damon Albarn cargó contra el 'brexit'.

Dua Lipa

La cantante Dua Lipa, que se llevó los Brit a mejor artista británica y mejor artista revelación, y el músico de hip hop Stormzy, que se hizo con los de mejor artista británico y mejor álbum, se alzaron este miércoles como los grandes ganadores de la 38 edición de los Premios Brit.

Stormzy y Dua Lipa brillaron por encima de la gran decepción de la noche, el músico británico Ed Sheeran, que pese a estar nominado a cuatro entorchados se tuvo que conformar solo con el de mejor éxito global.

La nota reivindicativa la pusieron todos los artistas que llevaron una rosa blanca en sus vestidos para luchar por la igualdad de la mujer, y el exlíder de Blur, Damon Albarn, que criticó duramente el brexit.

El espectáculo lo abrió el cantante y actor estadounidense Justin Timberlake al ritmo de Say Something, interpretada junto al guitarrista, también de Estados Unidos, Chris Stapleton y acompañados por un coro y un grupo de bailarines.

Timberlake, ataviado con un gorro y una guitarra acústica arrancó la ronda de actuaciones que también contó con la presencia de Jorja Smith, Dua Lipa y su éxito New Rules y Sam Smith, entre otros.

El actor británico Jack Whitehall llevó el peso como presentador y se encargó de dar la nota cómica durante las más de dos horas que se alargó el show. También mostró una rosa blanca en su traje, en apoyo a los movimientos "Time's Up" y "Me Too", llamados a luchar por la igualdad de la mujer.

La iniciativa estuvo apoyada por la mayoría de artistas presentes en la gala, enseñando muchos de ellos, como Ed Sheeran o Dua Lipa, la icónica rosa blanca durante la alfombra roja y la ceremonia.

A todas las mujeres

El primer premio de la noche, correspondiente a la categoría de mejor artista británica, cayó en las manos de Dua Lipa. El galardón fue entregado por Kylie Minogue y Millie Bobby Brown, conocida por su actuación en Stranger Things en el papel de Eleven, y recogido por la propia Dua Lipa, quien vestida con un largo vestido decorado con lentejuelas, aseguró sentirse "encantada con este honor".

"Quiero agradecérselo a cada mujer que ha estado en este escenario antes que yo, por conseguir grandes logros, no solo en la música, también en la sociedad", expresó la ganadora de dos Brit, ya que sumó también el de mejor artista revelación.

La primera sorpresa de la velada no se hizo esperar y Stormzy se hizo con el galardón a mejor artista británico por delante de los favoritos Ed Sheeran y Liam Gallagher.

No sorprendió, sin embargo la victoria de Foo Fighters en la categoría de mejor grupo internacional. El carismático Dave Grohl, exbatería de Nirvana y líder de Foo Fighters, no dudó en tomar el micrófono y dedicó el premio a "todos lo músicos que se suben a un escenario y tocan rock 'n' roll".

A mitad de la noche, Ed Sheeran endulzó la velada con una cuidada interpretación de su canción Supermarket Flowers, la cual, acompañada de la iluminación y el público, logró un ambiente intimista en el 02 Arena.

A la nostalgia de Ed Sheeran le prosiguió el rock de Foo Fighters, que apoyados en una aparatosa puesta en escena, encendieron la noche al ritmo de The Sky is a Neighbourhood, dejando claro que el rock 'n' roll más puro también tiene su espacio en estas galas.

Recuerdo a las víctimas de Manchester

Liam Gallagher, que optaba al premio de mejor artista británico, tocó el tema de Oasis Live Forever en recuerdo a las 22 víctimas del atentado del Manchester Arena, ocurrido en mayo de 2017.

Las reminiscencias del 'britpop' de los años 90 no cesaron ahí, ya que tras la actuación de Liam, Damon Albarn apareció en la gala para recoger el premio a mejor grupo británico por su formación Gorillaz.

Albarn, exlíder de Blur, dejó un profundo mensaje, claramente dirigido hacia el brexit, en el ambiente, y explicó que el Reino Unido es una parte "bella" de un mundo "precioso" e instó a que los británicos no se "dejasen aislar". "Considerando nuestro tamaño, hemos hecho cosas increíbles en la música, no dejéis que la política acabe con esto", puntualizó el compositor.

Los premios de mejor canción británica y mejor videoclip británico recayeron en Rag 'n' Bone Man, por Human, y en Harry Styles, por Sign Of The Times, respectivamente, en tanto que la estrella del Tottenham Harry Kane entregó el Brit a mejor artista internacional masculino al rapero estadounidense Kendrick Lamar y Lorde se hizo con el de mejor artista internacional femenina.

Entre los acordes de It's Only Rock and Roll (But I Like It), Ron Wood, miembro de los Rolling Stones, entregó a Ed Sheeran el galardón a mejor éxito global del año, instantes antes de que el británico se llevara la segunda decepción de la noche al no hacerse con el Brit a mejor álbum.

Paul McCartney tocará la batería en el nuevo disco de Foo Fighters

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20MINUTOS.ES

  • El noveno disco, 'Concrete and Gold', se lanzará el próximo 15 de septiembre.
  • No obstante, McCartney no es la misteriosa estrella que cantará con ellos una de los temas más importantes del grupo.
  • Grohl se ha apresurado a desmentir que Adele o Taylor Swift fuesen a participar en el álbum.

El grupo Foo Fighters regresará el próximo 15 de septiembre con nuevo disco, Concrete and Gold, para el que han reclutado a Paul McCartney.

Para esta colaboración especial, el ex Beatle tocará la batería en una de las canciones del que será el noveno album de Foo Figthers.

Durante una nueva entrevista con ET Canada, la banda explicó que la colaboración entre ellos y McCartney fluyó muy rápido. "Es el hombre más maravilloso del mundo",dijo el líder del grupo Dave Grohl.

Como anecdota la banda comentó que McCartney llegó al estudio sin ni siquiera haber escuchado previamente la canción. "Se sentó en una batería especial que le preparamos y Taylor Hawkins hizo una pista de percusión con él", comentaron.

McCartney anteriormente había colaborador con Grohl y otros dos miembros supervivientes de Nirvana (el bajista Krist Novoselic y el actual guitarrista de Foo Fighters Pat Smear) en Cut Me Some Slack, una canción original grabada para la película de Grohl en 2013, Sound City.

El misterio continúa

Grohl aclaró que McCartney no es la misteriosa pop star de la que tanto se ha hablado y que colaboraría con ellos.

El pasado mes de junio, el cantante desveló en un programa radiofónico de la BBC que una estrella del pop participaría en una de las canciones más importantes del disco, pero que no le habían dicho a nadie de quien se trataba.

No obstante, en una reciente entrevista con la revista Rolling Stone, Grohl quiso aclarar que el famoso en cuestión es "más que una estrella del pop". Además, explicaron que la colaboración no estaba prevista. Ellos se encontraban grabando el final del álbum y, al parecer, esta persona se les acercó comentándoles su interés por participar.

Por otro lado, Grohl se apresuró a negar que Adele o Taylor Swift fuesen a participar en el álbum.

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Canciones míticas que nos deja Chris Cornell tras su fallecimiento

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20MINUTOS.ES

El cantante de rock Chris Cornell, fallecido este miércoles de manera inesperada en Detroit a los 52 años, fue uno de los máximos exponentes del grunge en Seattle, durante la década de los 90, junto a Kurt Cobain (Nirvana) o Eddie Vedder (Pearl Jam), entre otros muchos grupos, y ha dejado para la historia multitud de canciones que coparon gran parte de las listas de éxitos a lo largo y ancho del planeta.

Líder de las famosas bandas Soundgarden, Audioslave o Temple of the dog, siempre será recordado por su potente y característica voz. Aquí un pequeño homenaje a su larga trayectoria de más de 33 años.

Black Hole Sun – Soundgarden

Fell on black days – Soundgarden

Hunger Strike – Temple of the dog

Like a Stone – Audioslave

Be yourself – Audioslave

Nearly forgot my broken heart – Chris Cornell en solitario

Preaching The End Of The World – Chris Cornell en solitario

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Muere el cantante Chris Cornell, de Soundgarden, a los 52 años

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AGENCIAS

El cantante estadounidense Chris Cornell, vocalista de los grupos Soundgarden y Audioslave, murió la noche de este miércoles a los 52 años en la ciudad de Detroit, informaron hoy medios locales.

El también vocalista de Temple of the Dog se encontraba en Detroit actuando con Soundgarden, con quien se había embarcado en una gira por Estados Unidos que comenzó el pasado mes de abril, precisó la CNN, que cita un comunicado de su representante, Briam Bumbery.

Según señaló Bumbery a la cadena estadounidense, el fallecimiento del cantante fue "repentino e inesperado".

"Su esposa Vicky y su familia se sorprendieron al enterarse de su fallecimiento repentino e inesperado y trabajarán estrechamente con el médico forense para determinar la causa" de la muerte, dijo Bumbery en la nota.

La familia y el manager del fallecido agradecen a "sus seguidores, el continuo amor y la lealtad" que han mostrado al artista y les piden "que su privacidad se respetada en este momento".

Suicidio por ahorcamiento

La autopsia ha determinado que se ha tratado de un suicidio. "Basándonos en nuestras observaciones, investigamos el suceso como un posible suicidio", indicó al rotativo Michael Woody, el director de comunicaciones de la policía de Detroit, en el estado de Michigan.

"No vamos a comentar específicamente por qué", agregó.

Otro portavoz del departamento de policía de la misma ciudad indicó que el cuerpo del cantante se encontró con una cinta alrededor del cuello.

Cornell nació el 20 de julio de 1964 en Seattle y fue un prolífico guitarrista y cantante estadounidense que llegaría a ser conocido por ser el vocalista de bandas míticas como Soundgarden, Adioslave o Temple of the Dog. Tuvo sus primeros inicios en la industria como batería y según la prestigiosa revista Hit Parade, es una de las mejores voces de la historia del heavy metal y el hard rock.

Soundgarden saltó a la fama con la canción Black Hole Sun de su disco Superunknown de 1994, siendo considerados en aquellos momentos los rivales de Nirvana en el estilo grunge. Su segundo disco como solista, Carry on (2007), incluía la canción You Know My Name, que fue la banda sonora de la película Casino Royale.

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Macaulay Culkin se disfraza de Kurt Cobain crucificado en un videoclip

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20MINUTOS.ES

  • El actor ha aparecido disfrazado del fallecido cantante de Nirvana en el último videoclip de Father John Misty.
  • A lo largo del vídeo aparecen diversas escenas surrealistas.
  • La amistad entre Macaulay Culkin y Paris Jackson es muy estrecha.

El actor Macaulay Culkin pasó de ser un juguete roto de Hollywood a reírse de sí mismo. Es lo que ha ocurrido en el último videoclip del cantante Father John Misty, que lanzó el pasado miércoles.

En él, aparece el intérprete disfrazado del fallecido cantante de Nirvana Kurt Cobain. Además, Culkin está crucificado mientras que diversas escenas surrealistas suceden a su alrededor.

Macaulay Culkin se ha caracterizado en los últimos años por una vida de excesos, aunque ahora parece estar más centrado en su vida profesional. Hace unas semanas descubríamos que su amistad con Paris Jackson, la hija de Michael Jackson, continúa más estrecha que nunca gracias a las fotos de sus redes sociales.

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Una publicación compartida de Paris-Michael K. Jackson (@parisjackson) el21 de Abr de 2017 a la(s) 2:29 PDT

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Se cumplen 25 años de ‘Nevermind’, el disco de Nirvana que cambió el rock

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EFE

  • Este trabajo llevó al estilo 'grunge' a su apogeo a principios de los 90.
  • Con canciones como 'Smells Like Teen Spirit', 'Come As You Are' o 'Lithium', logró desbancar a Michael Jackson en la lista de números 1.
  • Menos de tres años después, Kurt Cobain, líder de la banda, se suicidaría.

La depresión, la rabia y la angustia reventaron las listas de éxitos gracias al grito desesperado de Nirvana en Nevermind, el disco que este sábado cumple 25 años de su lanzamiento y que, con su rock atormentado y herido, llevó el estilo 'grunge' al apogeo de su revolución.

Liderados por un mártir ateo y arrastrados por el huracán de Smells Like Teen Spirit, tal vez la canción más importante e influyente del rock de los años 90, Nirvana volaron muy alto con Nevermind, pero su éxito también encaminó a su cantante Kurt Cobain a un laberinto de autodestrucción del que no saldría con vida.

El origen del grupo se sitúa en 1987, cuando se unen en Aberdeen, una ciudad a unos 180 kilómetros de Seattle, el bajista Krist Novoselic y el vocalista y guitarrista Kurt Cobain, cuya infancia en una conflictiva familia se traduciría en una personalidad frágil y con serios problemas.

En su disco de debut, el crudo y áspero Bleach (1989), todavía no contaban con el batería Dave Grohl, que cerraría la formación clásica de Nirvana y que, tras el fin de la banda, enfocó hábilmente su carrera con Foo Fighters.

Pese a ser el lugar de nacimiento de Jimi Hendrix, Seattle no era, históricamente, un foco emblemático del rock estadounidense.

Sin embargo, las cosas estaban cambiando y desde la segunda mitad de los años 80 surgieron bandas como Melvins, Soundgarden, Mudhoney y Pearl Jam que, bajo el liderazgo de Nirvana, darían forma al 'grunge' como hijos reconocidos del punk y el 'hardcore' y decididos a romper algún tímpano a base de ruidosos guitarrazos.

Momento inmejorable

Nevermind llegó en un momento inmejorable. En los ochenta había arrasado el pop de sintetizadores; Guns N' Roses estaban demasiado ocupados entre peleas y polémicas; y el heavy-metal, pese al fabuloso éxito de Metallica con Black Album (1991), perdía impulso y se enrocaba poco a poco en su propio público.

Entre los jóvenes había hambre de rock y, sobre todo, de autenticidad, de música genuina que les hablara a las entrañas. Inadaptación, problemas de autoestima, soledad, incomprensión, apatía y nihilismo. Nevermind apelaba con cólera a todo eso para conectar con la frustración de una juventud acosada y perdida que describió Michael Azerrad en la biografía Come As You Are: The Story of Nirvana (1993).

"Los veinteañeros buscaban música hecha por ellos mismos, algo que expresara lo que sentían. Un impactante número eran hijos de un divorcio. Sabían que iban a ser la primera generación de EE UU en tener poca esperanza de estar mejor que sus padres, que sufrirían los excesos fiscales de Reagan en los años 80 y pasarían su plenitud sexual bajo la sombra del sida", escribió.

"Se sentían incapaces de rescatar un medioambiente asediado y pasaron la mayor parte de sus vidas con Reagan o Bush (padre) en la Casa Blanca, padeciendo un clima represivo en lo sexual y lo cultural. Se sentían indefensos para afrontar todo eso", añadió.

Pero, al margen de cualquier explicación, Nirvana triunfó gracias a unas canciones incontestables. Smells Like Teen Spirit, que no paró de pasarse por la MTV, tenía un riff arrollador y una letra enigmática, Come As You Are sonaba inquietante e intensa a partes iguales, y Lithium celebraba la extravagancia y el desamor.

La urgencia punk de Breed, un canto al hastío, contrastaba con la austeridad de Polly, inspirada en un caso real de violación a una menor y que ejemplificaba el turbio tono lírico del álbum.

"La música me ha dañado físicamente en dos sentidos. Tengo una irritación en el estómago, provocada por la rabia y los gritos", dijo en una ocasión Kurt Cobain, según el libro Yeah! Yeah! Yeah! de Bob Stanley (2013).

"También tengo escoliosis, una desviación de la columna, que se ha agravado con el peso de la guitarra. Siento dolor a todas horas, lo cual contribuye a la rabia de nuestra música. En cierta manera le estoy agradecido", añadió.

"Cuando salió nuestra música, creo que fue una combinación de 'porreros', 'skaters' y chicos abandonados que vieron a un grupo de chicos abandonados tocando música que sonaba como si estuviéramos cabreados. Creo que mucha gente se identificó con eso", apuntó, por su parte, Dave Grohl en el libro Come As You Are.

Nevermind, que vendería millones de copias y en 1992 lograría desbancar del número uno a Dangerous (1991) de Michael Jackson, convirtió a Nirvana en estrellas mundiales y, casi sin querer, en referentes de moda con sus pintas desaliñadas, camisas de leñadores y vaqueros rotos.

Trágicamente, la inestable y quebrada mente de Cobain no estaba preparada para aquel fenómeno de masas.

Nirvana grabó los discos In Utero (1993) y MTV Unplugged in New York (1994), pero los demonios del cantante, sus frecuentes desequilibrios y su adicción a la heroína ganaron finalmente la partida: la gran figura del 'grunge' se suicidó el 5 de abril de 1994.

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Veinte años después de Kurt Cobain

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Su rostro sigue manifestándose en camisetas de algodón, calendarios, posters en 3D,  imanes para la nevera y portadas de libros. Desde allí, Kurt Cobain nos dedica una mirada pensativa salpicada por sombras y mechones lacios. O, bien, ofrece un gesto seráfico, el de un mesías bello y virginal al que las drogas no han conseguido aún derribar los pómulos.

Más allá de ese recordatorio en forma de merchandising, el sonido que aquel autor atormentado expandió por el planeta a principios de los 90, el grunge, ha dejado tras de sí una estela nostálgica y diluida.

Para  Carrie Borzillo, autora del libro Kurt Cobain. La historia de Nirvana (Libros Cúpula), el legado de Cobain y de su formación, Nirvana, sigue presente en aquellas bandas que han mantenido el delirio «por la distorsión» y la valentía de desnudar sus almas y sus credos en las letras.

Junto a ellas, son numerosos los artistas que poco o nada tienen que ver con los postulados de la escena, pero que reconocen haber escuchado y manoseado con pasión, en algún momento, la discografía de Nirvana. Entre estos, figuran nombres tan dispares como los de MIA, The Killers, Lil Wayne, Bloc Party, Evanescence, Snow Patrol y hasta el del rapero Jay-Z, que incluyó unos textos de Cobain en una de sus canciones.

Lejos quedan aquellos años, a finales de los 90, en los que se llegó hablar de una era post grunge  encabezada por los grupos Nickelback, Creed o Stone Temple Pilots.

Actualmente, una fracción del espíritu del movimiento es representado por las formaciones que se gestaron durante su periodo de esplendor y que siguen en activo. Es el caso de  Foo Fighters (capitaneado por el exbatería de Nirvana), Pearl Jam y Mudhoney, así como otras que, como Alice in Chains y Soundgarden, han regresado al panorama musical tras permanecer en silencio durante años

También hay nuevas incorporaciones. Desde Australia, se escuchan nombres como el de Violet Soho; desde Sudáfrica, el de Seether. Y en diversos países, pequeñas agrupaciones de corte alternativo se esfuerzan en el que el grunge no pase al olvido. Sus partidiarios, sin embargo, pertenecen al underground, el lugar de donde un día el líder de Nirvana extrajo ese sonido para transformarlo en un fenómeno internacional.

El grunge, al parecer, ha vuelto a casa. Aunque, esta vez, en vez de en Seattle, tenga hogares repartidos por todas las partes del mundo.

Cobain, el apóstol del grunge

Hace justo dos décadas, el 5 de abril de 1994, con solo 27 años, el cantante de Nirvana puso fin a su vida de un disparo en la cabeza.  Junto a él, una nota de despedida con letra apretada, algunos tachones y una frase inspirada en una canción de Neil Young: «Se me ha acabado la pasión. Y recordad que es mejor quemarse que apagarse lentamente», concluía, antes de despedirse de su mujer, Courtney Love, y de su hija, Frances.

De esta manera, el músico que lamentaba que la prensa le retratara como a un «heroinómano autodestructivo, dispuesto a volarse los sesos en cualquier momento», cumplía las profecías de las plumas menos complacientes. A los tres días, hallaban su cadáver, y su nombre, que en el último lustro había ocupado el trono mundial del grunge, ascendía a otro asiento más imperecedero, el de los anales de la historia de la música, forjado de gloria, respeto y misterio.

Detrás, dejaba frases clarividentes sobre el arte o el tormento de una fama absurda, pesada y repentina. Y, también, declaraciones de sinceridad desconcertante. Por ejemplo, aquella en la que admitía que cuando trataba de componer la canción pop definitiva, lo que hacía en realidad era copiar a los Pixies, una de sus bandas favoritas. O que la técnica que había encumbrado a su formación, y que llegó a aburrirle, se limitaba a un esquema machacón que comenzaba «con un riff suave que, después, se repite con más fuerza, más volumen y distorsión. Siempre igual».

Aquello no impidió que el segundo álbum de la banda, Nevermind, vendiera millones de copias por todo el mundo y que canciones como Smells like teen spirit o Come as you are se convirtieran en los himnos de una generación que comenzó a vestir camisas de cuadros, gorros de montaña y a otear la vida de una forma dolorida a través de mechones de pelo enmarañado, a semejanza de los del cantante de Nirvana.

«Consiguió convertir lo que no era cool (guay), en cool; que lo que no estaba de moda, invadiera las páginas de Vogue, y que una escena alternativa como el grunge emergiera del underground y se convirtiera en un gran éxito comercial», explica Borzillo.

Otros expertos destacan su capacidad para aligerar la dureza del grunge primigenio, nacido poco antes de la mano de grupos como Green River, con una sensibilidad pop y unas melodías más sencillas y pegadizas. Y otros, como Danny Goldberg, manager de Sonic Youth, la intensidad de su puesta en escena. Una intensidad que muchas veces terminó con el escenario, los instrumentos y los miembros de Nirvana magullados.

Kurt Cobain grabó en solitario antes de su muerte

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El líder de Nirvana dejó grabado un álbum en solitario compuesto por canciones inéditas antes de su fallecimiento, según ha afirmado Eric Erlandson, exguitarrista y uno de los fundadores de la banda norteamericana Hole, en declaraciones a la canal de televisión ‘Fuse’.

En palabras de Erlandson, estas canciones podrían haber sido el ‘White album’ del cantante de Nirvana, ya que hacia donde realmente se dirigía Cobain era a «grabar un disco en solitario, era realmente lo que él quería, y no trabajar junto a otras personas».

«Yo estaba realmente emocionado con algunas de las cosas en las que estaba trabajando y quería escucharle en directo, por eso me entristeció tanto su muerte. Su talento se vio interrumpido, se fue pronto… quién sabe lo que habría podido llegar a conseguir en la música», declara Erlandson.

Entre esos temas se incluye una versión cuyo nombre no ha querido revelar, aunque da pistas: «No es sorprendente. Es una canción muy dulce que llega al corazón». «Solo espero que un día se publique para que los fans puedan escucharla, es tan desgarradora», añade.

Erlandson no sabe si algún día estas canciones podrán escucharse y tampoco conoce dónde pueden estar. «Si nadie llega a escuchar esas canciones excepto dos o tres personas, entonces se perderán para siempre. He oído que alguien está trabajando en reunir algunos temas acústicos», revela el músico.

Hoy 9 de septiembre de 2009 se edita por primera vez el catálogo completo de los Beatles remasterizado digitalmente

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Se trata del proyecto de relanzamiento de catálogo más completo, cuidado e importante de la historia de la música

Apple Corps Ltd y EMI Music tienen el placer de anunciar el lanzamiento el 9 de septiembre de 2009 (9-9-09) del catálogo original de los Beatles remasterizado digitalmente por primera vez para todo el mundo. Este mismo día, se editará el videojuego The Beatles: Rock Band. Cada uno de los álbumes será editado en una réplica idéntica al diseño y al arte originales, incluidos los libretos de las primeras ediciones con nuevos textos y fotos inéditas. Durante un periodo limitado, cada CD incluirá un breve documental sobre el álbum. En la misma fecha, se lanzarán dos nuevas cajas con las colecciones de los CD de los Beatles en stereo y en mono.

Los álbumes han sido remasterizados por un equipo de ingenieros en los estudios Abbey Road de EMI a lo largo de cuatro años, utilizando las últimas tecnologías de grabación junto a los antiguos equipos del estudio, manteniendo cuidadosamente la autenticidad y la integridad de las grabaciones analógicas originales. El resultado de este minucioso proceso es la más alta fidelidad al catálogo que se ha conocido desde su edición original.

La colección se compone de los 12 álbumes de los Beatles editados en stereo, con el diseño y la lista de canciones originales aparecidas en el Reino Unido, y el álbum Magical Mistery Tour que pasó a formar parte del corazón del catálogo de los Beatles cuando se lanzó en CD en 1987. Además, las colecciones Past Masters Vol. I y II aparecen juntas en un solo volumen. Esto significará que, por primera vez, los primeros cuatro álbumes de los Beatles estarán disponibles en stereo en CD. Estos 14 álbumes, junto a un DVD con una colección de documentales también se lanzarán en una caja especial.

En el nuevo packaging de cada CD, los libretos incluyen detalladas notas históricas y anotaciones informativas de las grabaciones. Con excepción de los Past Masters, los CD también ofrecen mini documentales rodados durante la realización de cada disco dirigidos por Bob Smeaton, que se incluyen como archivos QuickTime en cada álbum. Estos documentales contienen imágenes de archivo, fotografías raras y conversaciones de los Beatles nunca escuchadas, que ofrecen una versión más personal y única de la atmósfera del estudio.

Además, se publica una segunda caja creada pensando en los coleccionistas. Se trata de The Beatles In Mono, que reúne todas las grabaciones de los Beatles que fueron mezcladas para ediciones en mono. Contiene diez de los álbumes con sus grabaciones mono originales, además del disco Mono Masters que cubre el mismo espectro que las grabaciones stereo Past Masters. Como bonus se ofrecen las mezclas mono de Help! y Rubber Soul junto a las mezclas en stereo de 1965 que no habían sido lanzadas antes en CD. Estos álbumes se publican en réplicas CD de mini vinilos, con todos los detalles originales y los textos de la etiqueta.

THE STEREO ALBUMS (disponibles individualmente y en caja especial stereo)

Los álbumes stereo han sido remasterizados por Guy Massey, Steve Rooke, Sam Okell, con Paul Hicks y Sean Magee. Todos los CD contienen el diseño de los vinilos originales y los textos de la primera edición.

Notas históricas adicionales de Kevin Howlett y Mike Heatley. Notas adicionales sobre la grabación de Allan Rouse y Kevin Howlett. Los CD contienen un mini-documental de cada álbum en QuickTime.

1.Please Please Me (CD debut en stereo)
2.With The Beatles (CD debut en stereo)
3.A Hard Day’s Night (CD debut en stereo)
4.Beatles For Sale (CD debut en stereo)
5.Help!
6.Rubber Soul
7.Revolver
8.Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (con notas de 1987 y nuevo texto de Paul McCartney)
9.Magical Mistery Tour
10.The Beatles
11.Yellow Submarine (incluye las notas originales de la edición en Estados Unidos)
12.Abbey Road
13.Let It Be
14.Past Masters (con nuevos textos de Kevin Howlett)

THE BEATLES IN MONO (sólo se edita en caja especial mono)

Los álbumes mono han sido remasterizados por Paul Hicks, Sean Magee, con Guy Massey y Steve Rooke. Se edita en una caja con un ensayo escrito por Kevin Howlett.

1.Please Please Me
2.With The Beatles
3.A Hard Day’s Night
4.Beatles For Sale
5.Help! (incluye las mezclas originales de 1965 en stereo)
6.Rubber Soul (incluye las mezclas originales de 1965 en stereo)
7.Revolver
8.Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band
9.Magical Mistery Tour
10.The Beatles
11.Mono Masters

Remasterización del catálogo de los Beatles

El proceso de remasterización comenzó con un largo periodo de comprobaciones, test y chequeos antes de transferir las cintas master analógicas a los soportes digitales. Cuando finalizó este proceso, el transfer se realizó utilizando una estación de trabajo Pro Tools, operando a 24 bit y 192kHz de resolución con un convertidor Prism A-D. La transferencia se realizó con el cuidado y la lentitud requeridos, dando a cada pista y a cada canción el tiempo necesario. Aunque las cintas no tenían problemas de pérdida de óxido, se detectó un leve aumento de polvo que fue eliminado de los cabezales y de las cintas en cada canción.

Se acordó que los chasquidos eléctricos, golpes de aire en los micros producidos al cantar, silabeos excesivos y otros problemas, fueran solucionados hasta donde fuera posible, sin afectar a la integridad original de las grabaciones. Además, la tecnología de reducción de ruido ha sido utilizada de manera sutil y moderada. Menos de cinco de los 525 minutos de música de los Beatles ha sido sometida a este proceso. Por otra parte, las técnicas actuales que limitan la amplitud de las frecuencias para aumentar el nivel de sonido sólo se ha usado en las versiones stereo y de manera muy limitada para conservar la dinámica original de las grabaciones.

Cuando todos los álbumes habían sido transferidos, cada canción fue escuchada varias veces para detectar cualquier imperfección. Este proceso fue dirigido por Guy Massey, trabajando junto al ingeniero de restauración de audio Simon Gibson. Después se procedió a comparar el sonido de las cintas originales con los nuevos transfer y cuando se acabó el proceso en cada álbum, se realizó una nueva y profunda escucha en el Estudio 3 (familiar a todos los ingenieros porque todos los últimos proyectos de remezclas y remasterización de los Beatles se han hecho allí) para dar los últimos retoques a la ecualización. Por último, Guy y Steve, Allan Rouse y Mike Heatley comprobaron de nuevo cada remasterización antes de dar la aprobación final. Así sucedió con los 13 álbumes, a los que no se dio el visto bueno hasta contar con la satisfacción de todo el equipo.

Equipo de documentalistas

Kevin Howlett (textos históricos y de las grabaciones)

Durante tres décadas, Kevin Howlett ha hecho su carrera en la radio. Sus programas musicales en la BBC han tratado numerosas veces sobre los Beatles, entre ellos el documental The Beeb’s Lost Beatles Tapes. Ha recibido una nominación al Grammy por su trabajo en el álbum de los Beatles Live At The BBC y en 2003 produjo Fly On The Wall para Let It Be… Naked.

Mike Heatley (textos históricos)

Entró en la música en 1970 a través de las tiendas HMV y después pasó a trabajar en los departamentos de internacional y marketing estratégico de EMI. Durante su carrera ha trabajado con artistas como Pink Floyd, Queen, Kate Bush o Iron Maiden. Además, durante 30 años ha mantenido una estrecha relación con Apple, colaborando en el catálogo de los Beatles y en los lanzamientos en solitario de John, Paul, George y Ringo.

Bob Smeaton (director mini-documentales)

Ha sido el director y guionista en 1995 de la serie de televisión Beatles Anthology, ganadora de un Grammy. En 1998 recibió su segundo Grammy por el documental Jimi Hendrix: Band of Gypsys. Ha realizado documentales para artistas como The Who, Pink Floyd, The Doors, Elton John, Nirvana y las Spice Girls.

Julian Caiden (editor mini-documentales)

Ha trabajado con Bob Smeaton en numerosos documentales musicales, entre ellos Jimi Hendrix: Band of Gypsys y la serie Classic Albums (The Who, Pink Floyd, The Doors, Nirvana…). Además ha realizado documentales de Dr. John y Herbie Hancock y grabaciones en directo de New York Dolls y Club Tropicana.

El equipo de Abbey Road

Allan Rouse (coordinador del proyecto)

Allan comenzó en EMI en 1971, trabajando como ingeniero asistente en el estudio de maquetas. Durante este tiempo, colaboró estrechamente con Norman “Hurricane” Smith, el primer ingeniero de grabación de los Beatles. En 1991 realizó los masters digitales (mono, stereo, 4 pistas y 8 pistas) de los Beatles y después trabajó durante cuatro años con Sir George Martin como asistente y coordinador del documental de televisión The Making of Sgt, Pepper y de los CD Live at the BBC y The Anthology. En 1997 preparó el relanzamiento de la película Yellow Submarine y mezcló la banda sonora en 5.1 surround y stereo. Dos años después, colaboró en las mezclas experimentales stereo y surround de Imagine de John Lennon, con el ingeniero Peter Cobbin, para remezclar en stereo el álbum homónimo y el filme Gimme Some Truth, ganador de un Grammy. También remasterizó el DVD Lennon Legend, remezclándolo en 5.1 surround y en nuevo stereo. Entre otros proyectos de los Beatles, ha colaborado en Anthology, The First US Visit, el DVD Help! y los álbumes Let It Be… Naked y Love y con George Harrison en el DVD y álbum Concert for Bangla Desh.

Guy Massey (ingeniero de grabación)

Comenzó en Abbey Road en 1994 y cinco años después trabajó en las remezclas surround de la película Yellow Submarine. Colaboró con Paul Hicks y Allan Rousse en Anthology y Let It Be… Naked y, ya como ingeniero independiente, fue el responsable de las nuevas mezclas del DVD Hepl!

Steve Rooke (ingeniero de masterización)

Comenzó en Abbey Road en 1983 y es ahora su ingeniero senior de mastering. Está involucrado en todos los proyectos de los Beatles desde 1999 y es también el responsable de las masterizaciones de los relanzamientos de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr.

Paul Hicks (ingeniero de grabación)

Comenzó a trabajar en Abbey Road en 1994 y su primer acercamiento a los Beatles fue como asistente de Geoff Emerick en los álbumes Anthology. Después colaboró en la banda sonora de Yellow Submarine, el DVD Anthology y Let It Be… Naked. Ya como freelance, ha sido el responsable de las mezclas surround del DVD Paul McCartney Years y de Love.

Sean Magee (ingeniero de masterización)

En Abbey Road desde 1995. Especialista en masterización analógica y digital, ha trabajado durante mucho tiempo con Paul Hicks en remasterizaciones mono.

Sam Okell (ingeniero de grabación)

En 2006 fue el asistente de Paul Hicks del DVD The McCartney Years y responsable con Steve Rooke de la remasterización del CD Living In The Material World de George Harrison. También ha trabajado en la restauración del filme Help! y en este proyecto ha realizado las remasterizaciones de With The Beatles y Let It Be.

Simon Gibson (ingeniero restaurador de audio)

Comenzó en Abbey Road en 1990. Especializado en la restauración de audio, ha trabajado en Living In The Material World de George Harrison, Lennon Legend’s, Love y la banda sonora de Help!

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Nirvana, Live At Reading en DVD

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El legendario concierto de Nirvana en el festival de Reading 1992, nunca antes editado, se publicará por vez primera en Noviembre

Votado como en Nº#1 de la Revista  Kerrang dentro de la categoría «100 Gigs That Shook The World» (los 100 conciertos que convulsionaron al mundo) «El momento Nº#1 DE Nirvana» según  las apuestas de los fans de NME, el histórico concierto del  30 de Agosto de 1992 como cabeza de cartel del festival británico de Reading es uno de los conciertos más pirateados de los anales de rock’n’roll. Ahora los fans tendrán la oportunidad de poseer una copia inmaculada de la actuación completa, en formato video, extraída de la filmación orginal , con el color mejorado y el sonido de los masters multipistas originales. Nirvana Live At Reading se editará en  una versión limitada de lujo en CD+DVD además de DVD y CD por separado el 3 de Noviembre del 2009, seguida por una versión en  LP  doble el 17 de Noviembre del 2009.

Aunque la mayor parte de la actuación recoge la interpretación del álbum Nevermind al completo, también se incluyen las primeras interpretaciones en directo de temas entonces aún no grabados, como las canciones que se incluyeron dos años después en el álbum In Utero: «All Apologies,» «Dumb,» y la primera interpretación en público de «tourette’s.» La lista del espectacular repertorio realizado en el concierto también incluye incursiones a los principios de la carera de la banda llegando a 1989 y su álbum de debut con Sub Pop, Bleach, con canciones como «Blew,» «About A Girl,» «School,» «Negative Creep» y el primer single «Love Buzz,» llegando incluso más allá con el tema de mediados de los 80 «Spank Thru.» Otras canciones incluidas en el repertorio del concierto de Reading aparecieron en versiones de estudio en la recopilación Incesticide publicada a finales de ese año: «Aneurysm,» «Been A Son» y «Sliver.» Además la banda interpretó un par de versiones  muy queridas de dos grupos que ayudaron a establecer el sonido de Nirvana — «The Money Will Roll Right In» de Fang y «D-7» de The Wipers.

Solamente 2 temas de los 25 incluídos en el DVD habían sido editados con anterioridad.

Nirvana Live At Reading DVD:

Breed
Drain You
Aneurysm
School
Sliver
In Bloom
Come As You Are
Lithium
About A Girl
tourette’s
Polly
Lounge Act
Smells Like Teen Spirit
On A Plain
Negative Creep
Been A Son
All Apologies
Blew
Dumb
Stay Away
Spank Thru
Love Buzz *
The Money Will Roll Right In
D-7
Territorial Pissings

* no incluída en CD

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