La colosal saga galáctica de ‘Dune’ busca su adaptación definitiva

CARLES RULL

  • Denis Villeneuve empezará a rodar en febrero de 2019 una nueva adaptación de la obra de Frank Herbert.
  • La versión más conocida hasta el momento es la que se estrenó en 1984 dirigida por David Lynch.

Dune (1984)

Un par de miniseries, en 2000 y 2003, una superproducción de los años 80 y un fallido proyecto en los 70 que, de haberse logrado materializar, prometía haber sido una psicodélica excentricidad. La monumental Dune de Frank Herbert, posiblemente la saga literaria galáctica más influyente de toda la historia, sigue intentando tener las películas que hagan justicia a su universo. La responsabilidad, ahora mismo, está en manos del director canadiense Denis Villeneuve.

La primera novela publicada en 1965 se convirtió en una trilogía, pero Herbert prosiguió hasta completar, en los ochenta, tres libros más. Fallecido el autor en 1986, su hijo Brian en colaboración con el escritor especializado en ciencia-ficción Kevin J. Anderson, creó dos trilogías a modo de precuela. Pero no acabo allí.

Ambos se pusieron manos a la obra, sin la calma de, por ejemplo, un George R.R. Martin en las entregas de Juego de tronos, y en un par de años, 2006 y 2007, habían terminado dos novelas más: Cazadores de Dune y Gusanos de arena de Dune, con las que proseguían la saga principal y aseguraron haberse basado en las notas dejadas por el mismo Frank Herbert. En total, catorce libros.

Todo ello conforma un material con multitud de personajes, una trama compleja y repleta de elementos espirituales y filosóficos, aunque la historia orbitaba en torno al control del desértico planeta Arrakis, también conocido como Dune. El único lugar en el que, durante milenios, ha podido encontrarse la especia denominada melange, producida por unos gusanos gigantes.

La melange es una droga con múltiples propiedades, entre ellas aumentar la esperanza de vida o los conocimientos, otorgar poderes proféticos o permitir realizar largos viajes espaciales. Los encargados de la custodia de esta codiciada riqueza de Dune son los integrantes de la noble Casa de Atreides.

Teniendo en cuenta la densidad de la obra y los numerosos fans que ha ido atrayendo, Denis Villeneuve no lo tiene precisamente fácil, aunque ha estado a la altura en los dos recientes largometrajes de ciencia-ficción que ha dirigido: La llegada y la secuela de Blade Runner (Blade Runner 2049). El rodaje está previsto que empiece en febrero de 2019 con vistas a su estreno en 2020, y el argumento abarcaría la mitad de la primera novela.

Todavía quedan muchos detalles por concretar, pero ya se ha anunciado que será el joven Timothée Chalamet, nominado al Óscar por Call Me by Your Name, quien encarne a Paul Atreides, el personaje central de la saga. Rebecca Ferguson, la principal protagonista femenina de las dos más recientes entregas de Misión: Imposible, podría interpretar a Lady Jessica, la concubina del duque Leto Atreides I y madre de Paul.

Una superproducción que se estrelló en taquilla

Antes, en los ochenta, el avispado productor Dino de Laurentiis, creó encontrar un auténtico filón con la adaptación de la novela original. La guerra de las galaxias y El imperio contraataca habían arrasado en los cines, y el público estaba especialmente receptivo a las aventuras fantásticas en planetas imaginarios. La dirigió David Lynch y Kyle MacLachlan fue su protagonista, el primero en encarnar a Paul Atreides.

Dune 1984

La superproducción de De Laurentiis brindó escenas y detalles geniales (imposible olvidar al cantante Sting en el personaje de Feyd Rautha) junto a otros más irregulares, al son de una magnífica banda sonora compuesta por la banda de rock norteamericana Toto más una pieza, Profecy Theme, de Brian Eno, el ex integrante de Roxy Music. Tampoco se escatimaron medios en cuanto a efectos especiales, vestuario y decorados.

Parecía que nada podía fallar, sin embargo, su costosa producción de 40 millones de dólares fue un sonado fracaso en cines cuando se estrenó en 1984. Ni David Lynch ni Kyle MacLachlan encontraron su particular melange que les proporcionara reconocimiento, pese a que se ha ido convirtiendo en un título de culto.

Lynch tuvo que esperar dos años, al estreno de Terciopelo azul (Blue Velvet, 1986), también protagonizada por MacLachlan, para ser encumbrado por la crítica. El gran momento para ambos llegaría después, con la mítica serie Twin Peaks (1990-1991).

La película más famosa de entre las que jamás fueron rodadas

Con menos medios, especialmente en efectos visuales, John Harrison creó y dirigió dos miniseries, de tres episodios cada una y producidas por la cadena SyFy, Dune, la leyenda (2000) e Hijos de Dune (2993), donde compensó la falta de ingenio y de presupuesto intentando ser fiel a las novelas. Alec Newman fue quien interpretó a Paul Atreides.

Además, Dune tiene el honor de haber concebido la más famosa de las películas que nunca llegaron a realizarse. En 1975, el polifacético artista franco-chileno Alejandro Jodorowsky, y director de culto por títulos como El topo (1970) o La montaña sagrada (1973), puso su mayor empeño en abordar la más ambiciosa de las adaptaciones posibles para la época. Se rodeó de un equipo que incluía el maestro en efectos especiales Dan O'Bannon, el gran artista gráfico H.R. Giger (el diseñador de Alien) y de otro genio, el artista de cómics Jean "Moebius" Giraud.

Jodorowsky's Dune

Entre los intérpertes se barajaron nombres como Orson Welles, David Carradine, el cantante Mick Jagger o el pintor Salvador Dalí (para encarnar al Emperador Galáctico), y en mente tenía a un grupo de la talla de Pink Floyd o la banda francesa Magma, pionera del rock progresivo, para crear la banda sonora.

Jodorowski dedicó cinco años al proyecto, pero requería de una financiación de tal envergadura que no llegó a concretarse. Hasta que los derechos pasaron a manos de De Laurentiis. El Dune de Jodorowski dejó un legado de más de tres mil bocetos y dibujos hechos por Moebius, y su sueño quedó al menos reflejado en un documental de 2013.

Paul McCartney alcanza con ‘Egypt Station’ su primer número 1 en EE UU en 36 años

EFE

  • McCartney no conseguía esta hazaña desde que en 1982 editara 'Tug of war'.
  • 'Egypt Station' ha vendido 153.000 unidades en su primera semana en el mercado.

Paul McCartney

El británico Paul McCartney ha alcanzado el número 1 en ventas en la lista oficial de ventas estadounidense con su último álbum, Egypt Station, hazaña que no conseguía desde que en 1982 editara Tug of war.

La revista Billboard, encargada de fiscalizar y publicar los datos en aquel país, ha desvelado que su decimosexto álbum de estudio en solitario vendió concretamente 153.000 unidades en su primera semana en el mercado.

De ellas, ha destacado el medio, 147.000 fueron despachadas por las vías tradicionales, esto es, las que no se derivan de las escuchas en streaming.

Egypt Station es el primer disco del artista que debuta en esa posición y su octavo número 1 en EE UU, si se incluyen también los alcanzados con Wings, algunos de los cuales se publicaron bajo el alias de Paul McCartney & Wings.

A ellos se suman los éxitos alcanzados junto a The Beatles, que siguen ostentando el récord de 19 números 1 en Norteamérica.

Slash: «Disfruto a tope de mis dos facetas como músico»

PURI CARO

  • El guitarrista atronó en julio Madrid y Barcelona durante la triunfal gira de reencuentro de los Guns N' Roses.
  • En marzo, Slash regresará a España con su banda en solitario, con la que presenta nuevo disco: 'Living the dream'.

Slash, Guns N' Roses

Los incondicionales del guitarrista Slash que no se quedaron del todo saciados de sus recientes actuaciones en España junto al vocalista Axl Rose y al bajista original del grupo, Duff McKagan, tendrán la oportunidad de volver a disfrutar de este genio de las seis cuerdas en Barcelona y Madrid los días 12 y 13 de marzo de 2019, respectivamente. Slash volverá de la mano de Myles Kennedy & The Conspirators para presentar su nuevo disco en solitario, Living the dream, aprovechando un parón de una gira con los Guns N' Roses que arrancó en 2016.

Califica los conciertos que ofreció en julio con Guns N' Roses en España como los mejores de toda la gira.
Me quedo con la energía de los estadios en Barcelona y Madrid y de nosotros tres encima del escenario. Fue increíble. Los españoles siempre sois una audiencia muy apasionada. Sigo creyendo que los shows en ambas ciudades han sido de los mejores de toda la gira porque el público estaba realmente hambriento y ávido de nuestra música. Sois nuestro combustible.

¿Cómo está siendo el reencuentro con Axl y con Duff sobre el escenario después de más de 20 años separados?
Estoy disfrutando a tope el regreso. Desde el primer momento en que nos reunimos y empezamos a trabajar juntos de nuevo se generó la misma energía y química de los inicios de la banda. Está siendo un reencuentro de lo más natural.

Pero la maquinaria musical de Slash no para. Aprovecha el descanso del tour con Guns N'Roses para presentar su nuevo disco con su banda, Myles Kennedy & The Conspirators, en España, en marzo de 2019.
Girar con dos bandas a la vez es un sueño hecho realidad para mí. Es fantástico volver con mis chicos porque la reunión de los Guns N' Roses se produjo justo al final de la última gira con The Conspirators, en la que aprovechamos para escribir algunos de los nuevos temas del disco (Living the dream, a la venta a partir del 21 de septiembre) y para hacer parte del proceso de preproducción. Eso me ha permitido estar preparado para centrarme en este nuevo proyecto y gira con The Conspirators desde ya. En enero también tuvimos la oportunidad de juntarnos y de poner en común viejos y nuevos temas. Fue fantástico.

¿Qué le aporta de diferente cada una de las formaciones?
Estoy enamorado de The Conspirators y adoro hacer con ellos una especie de rock a pequeña escala y despojado de artificios, mientras que con Guns N' Roses es todo a lo grande. En este momento estoy disfrutando a tope de mis dos facetas como músico aunque reconozco que sobrellevar ambas a la vez es como hacer malabarismo (ríe).

¿La gira con Guns N' Roses le está aportando oportunidades para reivindicarse como guitarrista solista?
Por supuesto. Estoy encontrando momentos en los que puedo improvisar en escena a pesar de ser conciertos más grandes y extensos que con mi banda. Cuando actúo con ella vamos encadenando canciones del repertorio y quizás únicamente un par de solos míos.

¿Tiene alguna guitarra favorita al estilo de Lucille de su admirado B.B. King?
Probablemente tenga más de 200 guitarras y luego tengo otras pocas que diseñé junto a Gibson y que son las que me llevo de gira. Son nuevas y son las que me llevo de tour porque trabajo duro con ellas y no me gusta actuar con las viejas porque se me podrían romper en pleno directo. También me reservo ciertas guitarras para interpretar unos temas en concreto. Y luego, en el estudio siempre tengo conmigo una guitarra hecha artesanalmente que es básicamente una copia de una Gibson Les Paul, aunque obviamente use otras más en las grabaciones. Y sí, tengo una guitarra con nombre propio. Se llama Jessica. Es la única a la que he bautizado y la estoy usando con Guns N' Roses. La conservo desde 1988.

Es conocido por haber hecho multitud de colaboraciones, algunas sorprendentes. Aún recordamos la que protagonizó junto a Marta Sánchez ¿Cuáles le han marcado más?
Desde Chris Cornell (el malogrado líder de Soundgarden) a Ozzy Osbourne, Lenny Kravitz, Michael Jackson (en el año 1995), B.B. King (en el Royal Albert Hall de Londres en 2011). Para mí es siempre un honor colaborar con gente a la que admiras y respetas por su trabajo. Además, estoy abierto a escuchar todo tipo de música siempre que me remueva el alma y sea buena.

‘Green Book’ y las plataformas ‘online’, los ganadores del Festival de Toronto

JULIO CÉSAR RIVAS (EFE)

  • La película del director Peter Farrelly obtuvo el Premio del Público del TIFF.
  • Servicios como Netflix, YouTube y Amazon reivindicaron la calidad de sus producciones para la pantalla grande.
  • FOTOGALERÍA: Las mejores imágenes del Festival de Toronto.

Linda Cardellini, Mahershala Ali y Viggo Mortensen

La 43 edición del Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) terminó este domingo con dos ganadores: el film Green Book, del director estadounidense Peter Farrelly, y las películas producidas por las plataformas de streaming como Netflix, Amazon y YouTube.

Green Book obtuvo este domingo el Premio del Público del TIFF que, aunque es un festival no competitivo, permite que el público que acude a las proyecciones vote para determinar la película favorita de las audiencias.

Se trata de un galardón que no tiene el relumbrón de los premios que conceden otros festivales de cine, como el León de Oro de la Muestra de Venecia, la Palma de Oro de Cannes o la Concha de Oro de San Sebastián, en parte porque el TIFF no tiene una sección de competición.

No obstante, el Premio del Público tiene un importancia especial para los estudios: en el pasado, el público de Toronto ha anticipado los filmes que serán los más premiados en los Óscar de la Academia de Hollywood, por lo que en el mundo del cine, el TIFF se ha convertido en un barómetro de los filmes que más éxito pueden tener.

La racha del TIFF se inició en 1981, cuando el Premio del Público fue a parar a Carros de fuego, el film de Hugh Hudson que ese año ganó el Óscar a la Mejor Película. Desde entonces, el público de Toronto ha acertado en sus predicciones con American Beatuy (1999), Slumdog Millionaire (2008), El discurso del rey (2010), Argo (2012), 12 años de esclavitud (2013) y Spotlight (2015).

Como a la prensa canadiense le gusta destacar, la correlación entre el Premio del Público del TIFF y el gusto de los miembros de la Academia está a años luz de la de los jurados de Venecia o Cannes. Sólo una película que ganó el León de Oro de Venecia ha ganado el Óscar a la Mejor Película (La forma del agua en 2017).

Un éxito esperado

Antes de llegar al TIFF, Green Book ya se colocaba como una de las películas que podía llegar a las nominaciones de los Óscar, pero tras su estreno mundial en Toronto, las sospechas han quedado confirmadas.

La película se basa en la vida real de Tony Lip, un duro ítalo estadounidense que durante años trabajó proporcionando seguridad en el club Copacabana de Nueva York y que en 1962 se convirtió en el chófer de un destacado pianista negro, Don Shirley, durante su gira por el sur de Estados Unidos.

Esa gira de Shirley, interpretado por el ganador del Óscar al Mejor Actor Secundario de 2017, Mahershala Ali, es el corazón del film.

Green Book no es el único film que ha sido incluido en los candidatos a lo Óscar tras su paso por el TIFF, que concluyó este domingo tras 11 días de proyecciones con el estreno mundial de Jeremiah Terminator LeRoy, una película dirigida por Justin Kelly e interpretada por Kristen Stewart y Laura Dern.

Otros títulos que han gustado al público y la crítica son If Beale Street Could Talk, del estadounidense Barry Jenkins, ROMA, del director mexicano Alfonso Cuarón, First Man, dirigido por Damien Chazelle e interpretado por Ryan Gosling, o The Hate U Give, de Geprge Tillman Jr.

El 'streaming' pide paso

Si Green Book ha conquistado al público de Toronto, los servicios de streaming como Netflix y YouTube han reivindicado la calidad y validez de sus producciones para las pantallas grandes.

Este año, por primera vez en su historia, el film de apertura del TIFF el pasado 6 de septiembre fue un largometraje producido por Netflix, Outlaw King, del director David Mackenzie, e interpretado por Chris Pine.

El film, que se centra en la vida de Roberto I de Escocia, un noble escocés que en 1297 se rebeló contra el rey Eduardo I de Inglaterra, no es el único de Netflix que se ha exhibido en el TIFF. Del total de 254 largometrajes que TIFF seleccionó este año para su 43 edición, un total de ocho eran de Netflix, la mayor cifra en la historia de la muestra canadiense.

La voluntad de Netflix de producir películas de grandes presupuestos ha sido aplaudida por la organización del TIFF, lo que contrasta con la fría recepción, o incluso abierta hostilidad, de las producciones del servicio de streaming en los festivales de Cannes y Venecia.

El espaldarazo del TIFF a los servicios de streaming se complementa con el estreno en el TIFF de Homecoming, una película de Julia Roberts producida por Amazon, y Museo, interpretada por Gael García Bernal y que es la primera película en español de YouTube para su servicio Originals.

Rosalía anuncia su nuevo disco en las pantallas de Times Square

EUROPA PRESS

  • El segundo álbum de la cantante se estrena el 2 de noviembre.
  • Sony Music ha confirmado la fecha de lanzamiento después de que se anunciara en las pantallas de Times Square.

Rosalía anuncia su nuevo disco en las pantallas de Times Square

El segundo álbum de Rosalía, El mal querer, verá la luz el próximo 2 de noviembre tras el éxito internacional de los dos singles de adelanto, Malamente y Pienso En Tu Mirá.

Sony Music confirma el lanzamiento después de que se anunciara en las pantallas gigantes de Times Square en Nueva York, tal y como ha compartido Rosalía en sus redes sociales en un par de vídeos.

Compuesto por Rosalía, y coproducido por la joven artista junto a El Guincho, el álbum ya es considerado uno de los lanzamientos más esperados e influyentes de este otoño.

Con una nominación al Latin Grammy como Mejor nueva artista por su álbum debut Los Ángeles, Rosalía ha ido un paso más allá y ha desarrollado un sonido distintivo y único que mezcla las influencias del flamenco clásico de su herencia con sonidos urbanos modernos.

El resultado es una nueva fusión de sonidos que, combinada con el estilo único de Rosalía y sus innovadores videoclips, ha llevado rápidamente a la compositora y vocalista de 24 años a convertirse en la voz artística principal de una nueva generación.

Un factor importante en esta explosión cultural durante el verano ha sido el lanzamiento como avance de los 'capítulos' (singles y vídeos) Malamente y Pienso En Tu Mirá, que no han tardado en recibir elogios por su deslumbrante cinematografía.

Al descubrir estos adelantos, incluso otros músicos como Pharrell Williams, Khalid, J Balvin, Juanes, Dua Lipa y Romeo Santos, entre muchos otros, se han lanzado a sus redes sociales para expresar su apoyo a Rosalía, que incluso debutará como actriz en la próxima película de Pedro Almodóvar, Dolor y gloria.

"El Mal Querer es mi forma de entender lo flamenco, aquí y ahora. En este proyecto he volcado dos años de mi vida, construyéndolo sin prisa. Me ha permitido crecer como músico, compositora y productora, y me siento muy agradecida por ello. Mi ilusión es compartir mi música con la gente. Estas son canciones hechas para todo el mundo", explica Rosalía en comunicado.

Maluma se pone a prueba en Barcelona como icono latino

P.C.

  • El nuevo fenómeno del reggaetton pasa el próximo sábado por el Palau Sant Jordi dentro de la gira 'F.A.M.E.'
  • Lo hace ajeno a las críticas por la imagen que da de la mujer en sus letras y videoclips.

Maluma conquista Madrid y se entrega incondicionalmente a sus fans.

El cantante colombiano del momento, Maluma, visita seis ciudades españolas dentro de su gira F.A.M.E. Tour. La última parada de este polémico artista (por la imagen machista que da de la mujer en sus canciones y apariciones públicas) es en Barcelona el próximo sábado.

Antes ha pasado por Palencia, Madrid, Málaga, Sevilla y València. Con solo 24 años, este artista latino goza de una de las mayores proyecciones internacionales dentro del género del reggaetton.

En la última edición de los premios musicales Video Music Awards (VMAs 2018) se convirtió en el primer artista invitado en interpretar una canción en la gala toda ella en castellano.

Algunos colectivos feministas le acusan de cosificar a la mujer en sus letras y han recogido firmas en la plataforma digital Change.org para que en sus directos en España no cantara ciertas letras que consideran denigrantes por su carga misógina.

Lejos de afectarle las críticas, Maluma ha seguido rodeándose de explosivas mujeres ligeras de ropa en sus actuaciones y también en su último videoclip, Mala Mía, con más de 59,5 millones de visualizaciones en YouTube.

En él aparece en la cama rodeado de chicas en ropa interior y canta "Así es mi vida, es solo mía" y "en el fondo me quieren y por eso me imitan". Y sigue coleccionando seguidores: más de 30 millones de personas en Instagram, 23,2 millones en Facebook, 16,8 millones de oyentes mensuales en Spotify, 12 millones en YouTube y 5,6 millones en Twitter.

Palau Sant Jordi de Barcelona. Passeig Olímpic, 5-7. El sábado 15 de septiembre a partir de las 21.3o horas. Precio: a partir de 36,66 euros.

40 años de ‘La escopeta nacional’, aún un clásico imprescindible del cine español

CARLES RULL

  • La película de Luis García Berlanga llegó a los cines el 14 de septiembre de 1978.
  • Fue un divertido sainete en el que retrató las miserias de las clases gobernantes y dio lugar a una trilogía.

La escopeta nacional 1978

Nada de comidas de negocios. No había nada comparable a organizar una buena cacería para intentar hacer amigos poderosos, acercarse a personas influyentes y cerrar tratos. Así retrataba Luis García Berlanga la España de los últimos años del franquismo, a finales de 1972, en La escopeta nacional. Políticos, eclesiásticos o aristócratas. aunque fueran en decadencia, manejando el cotarro; y en medio de ellos un empresario ansioso por impulsar su negocio.

La comedia del cineasta valenciano se estrenaba en cines el 14 de septiembre de 1978. Una jocosa pieza sobre el estado de la nación a través de los que gobernaban y en la que sus personajes, gags y situaciones eran tan reconocibles que hicieron las delicias del público de la época. El guion, escrito por Rafael Azcona y el mismo Berlanga, incluía referencias aún tan de actualidad como los chanchullos de los que gobiernan, la especulación y la burbuja inmobiliaria que estaba por venir o a los "separatistas" catalanes.

Más de dos millones de espectadores pasaron por taquilla y todavía está considerada como una de las mejores comedias de nuestra cinematográfia. Un reconocimiento más para el cineasta autor de títulos tan memorables como ¡Bienvenido. Mr. Marshall! (1953), Plácido (1961) o El verdugo (1963).

La escopeta nacional

El gran cómico José Sazatornil, "Saza", fallecido hace tres años, interpretó a Jaume Canivell, el emprendedor catalán que costeaba una cacería de perdices en una propiedad de los (ficticios) marqueses de Leguineche con el objetivo de impulsar su empresa de fabricación de porteros automáticos. Para ello nada mejor que procurar arrancar de un ministro la obligatoriedad de instalar sus artilugios en los edificios de nueva construcción.

En esa finca de "Los Tejadillos" se codearía con Álvaro, el ministro de industria (Antonio Ferrandis); el Padre Calvo, el sacerdote del lugar y franquista acérrimo (Agustín González); Don José, el marqués de Leguineche (Luis Escobar); su hijo Luis José (José Luis López Vázquez) o Castanys, un tecnócrata del Opus Dei (Pedro el Río).

Superada la censura, los años de la Transición abrieron de repente una permisividad total para desgranar, sin necesidad de recurrir a rodeos o metáforas, la crítica social más descarnada o mostrar desnudos y escenas de fuerte carga sexual en pantalla.

Jaume Canivell iba acompañado de su secretaria y amante (Mónica Randall), y el ministro de industria por una actriz predispuesta a quitarse fácilmente la ropa (Bárbara Rey) de la que también se encaprichaba, y raptaba, el hijo del marqués, aficionado a las prácticas onanistas. Mientras, su padre tenía manías tan curiosas como coleccionar, guardados cuidadosamente en frascos, pelos de pubis femeninos.

Un perdigonazo en la nalgas de la hija de Franco

Después de varios líos embarazosos y situaciones grotescas, finalmente al empresario Canivell le salía el tiro por la culata. La película de Berlanga, de quien Franco, según los cronistas, decía que "no es comunista, es peor. Es un mal español", se cerraba con un sentenciador rótulo final: "Y ni fueron felices ni comieron perdices… desgracia habitual mientras existan ministros y administrados".

La escopeta nacional

Berlanga explicaría que en el origen de esa idea de la cacería se hallaba una anécdota relacionada con Manuel Fraga. Por entonces, el que llegaría a ser presidente de la Junta de Galicia por el PP (1990-2005), acababa de ser nombrado ministro de información y turismo. En febrero de 1961 fue invitado a una partida de caza en la finca La Encomienda, en Santa Cruz de Mudela (Ciudad Real), en la que también estaría Franco.

Su condición de novato en esas prácticas le provocó un bochornoso incidente: accidentalmente le pegó un perdigonazo en el trasero de la hija del caudillo, Carmen Franco. "Aquel día tuve la desgracia de darle un plomazo en salva sea la parte a la marquesa de Villaverde. Una perdiz baja, que pasó entre los dos, dio lugar al monumental error" relataba Fraga en su biografía Memoria breve de una vida pública (1980).

La película de Berlanga dio lugar a una trilogía, con los marqueses de Leguineche, formada por Patrimonio nacional (1981) y Nacional III (1982), con la restauración de la democracia y la llegada del PSOE al gobierno español. Con más de tres millones y medio de espectadores, es la sexta saga más taquillera del cine español.

Quedó pendiente una cuarta entrega ¡Viva Rusia!, para inicios de los 90, y que no llegó a realizarse tras la muerte de Luis Escobar y la falta de financiación pública.

Y así era la cartelera de cine español hace 40 años

Toby

'Tobi', o los niños siempre caen en gracia. Antonio Mercero, el inolvidable creador de series como Verano azul o Farmacia de guardia, se apuntó en la gran pantalla dos taquillazos seguidos. Un año antes con La guerra de Papá había logrado atraer a los espectadores en masa, y repitió con su joven protagonista, Lolo García, de tan solo 7 años y la clave del éxito de ambas películas. Tobi era la insólita historia de un angelical niño al que le salían unas alas.

Pepito piscinas

De Fernando Esteso a Paco Martínez Soria. La comedia popular registró títulos como Pepito Piscinas, con un Fernando Esteso obsesionado con el ligue; Paco Martínez Soria era un valor seguro y un filón inagotable, lo siguió demostrando con ¡Vaya par de gemelos!; Carmen Maura, a punto de sar el salto con Almodóvar, destacaba en ¿Qué hace una chica como tú en un lugar como éste?; y Manolo Escobar (recordando sus taquillazos de los 60) triunfaba con Donde hay patrón… de Mariano Ozores.

La orgía

El auge del cine erótico. Las películas clasificadas "S" por su fuerte contenido explícito de violencia y sobre todo sexual (pero no pornográfico), proliferaban en la cartelera. Con pocos medios y presupuesto, su reclamo de desnudos era infalible. Propició títulos, y algunos de gran éxito, como La orgía, Las eróticas vacaciones de Stela, Los violadores del amanecer o Jill, y también comedias eróticas más ligeras del tipo El fascista, la beata y su hija desvirgada.

Un hombre llamado flor de otoño

Homosexualidad y temas tabú. De reputado abogado de día a travestí en un cabaret de noche, Un hombre llamado flor de otoño de Pedro Olea plasmó también una de las mejores interpretaciones de José Sacristán. Otro de los cineastas transgresores fue Eloy de la Iglesia con El diputado, de nuevo con José Sacristán, aquí un político de izquierdas chantajeado por la extrema derecha por su condición de gay. De la Iglesia también estrenaría El sacerdote, con un Simón Andreu tentado por los placeres carnales.

Las palabras de Max

Premios internacionales. Tras esos años inmediatamente posteriores al Franquismo, la crítica europea centró buena parte de su mirada en las películas que se hacían en España. El interés benefició a Las palabras de Max de Emilio Martínez-Lázaro, un documento sobre la madurez, y Las truchas de José Luis García Sánchez, una comedia que mezclaba gastronomía con la sátira social de la Transición. Ambas ganaron el Oso de Oro en el Festival de Berlín.

Arriba Hazaña

Ilustres principiantes, con éxito o no. Bigas Luna mostraba su espíritu a contracorriente y fetichismo erótico con Bilbao, su segundo largometraje y un thriller de malsana atmosfera en la que un psicópata se enamora de una stripper y prostituta. José Mª Gutiérrez Santos poco más llegaría a dirigir, pero también triunfó en su segunda película, 'Arriba Hazaña! (con Fernando Fernán Gómez y Héctor Alterio) ambientado en un internado de rígida educación católica. Y aunque pasó desapercibido, Almodóvar realizó su primer y provocador largo: Folle… folle… ¡fólleme Kim!, rodada en super-8 y ya con Carmen Maura.

(Imágenes de las películas, de arriba a abajo: 'Toby', 'Pepito Piscinas', 'La orgía', 'Un hombre llamado flor de otoño', 'Las palabras de Max' y 'Arriba Hazaña')

El cine español se pone las pilas con los estrenos hasta finales de año

CARLES RULL

  • Más de cuarenta largometrajes, entre ficción y documental, se estrenarán entre septiembre y diciembre.
  • 'Todos lo saben', 'El reino', 'La sombra de la ley' o 'Superlópez' serán algunos de los títulos más destacados.

Cine español

El viernes llegaron a nuestros cines cuatro producciones españolas. Entre las más destacadas Carmen y Lola de la directora bilbaína Arantxa Echevarría, presentada en el pasado Festival de Cannes y tratando un tema delicado, una historia de amor entre mujeres en el contexto de la etnia gitana.

También de una directora, la barcelonesa Elena Trapé, Las distancias traía una inmejorable carta de presentación como gran ganadora del Festival de Málaga: mejor película, dirección y actriz (Alexandra Jiménez).

Junto con la intriga de Cuando los ángeles duermen, de Gonzalo Bendala, y El pomo azul, codirigida por Montse Bodas y Raquel Troyano, completaban un cuarteto que era solo la avanzadilla. De aquí hasta finales de año, y contando las películas de ficción y documentales, se estrenarán más de cuarenta largometrajes de producción española. Algunos de los más esperados aprovecharán el escaparate del próximo Festival de San Sebastián, que empieza el viernes 21 de septiembre, para tomar impulso.

Habrá dramas y comedias, pero también intrigas, gánsteres, historias con elementos fantásticos e incluso superhéroes patrios, aunque no estén para salvar el mundo. Sobre la Guerra Civil, poco o nada, pero sí una dolorosa incursión en el infierno de los campos de concentración durante la Segunda Guerra Mundial.

La cantidad de estrenos refleja el estado de creatividad de nuestra cinematografía en la que no faltan las coproducciones internacionales como Todos lo saben de Asghar Farhadi y que inauguró Cannes.

El director iraní, con la hazaña de haber logrado que dos de sus obras, Nader y Simin. Una separación y El viajante, hayan sido reconocidas con el Óscar a la mejor película de habla no inglesa, ha elegido pareja protagonista española, Penélope Cruz y Javier Bardem, acompañados del argentino Ricardo Darín, y rodaje en nuestras tierras.

Todos lo saben se estrena este viernes 14 y no vendrá sola. Cuatro títulos más de distintos realizadores españoles la acompañarán en su debut: la desmadrada comedia juvenil Contigo no, bicho de Miguel Ángel Jiménez; Marisa en los bosques de Antonio Morales; Los amores cobardes de Carmen Blanco y Penélope de Eva Vila, película de bajo presupuesto y muy personal coproducida con Polonia.

Precisamente, entre las coproducciones sobresalen dos con argentina. El Ángel (2 de noviembre), dirigida por Luis Ortega y ambientada en los años 70, narra la historia del criminal más famoso de aquel país, Carlitos alias "El ángel de la muerte", y en ella ha participado El Deseo, la productora de los hermanos Almodóvar. Mientras que Mi obra maestra (16 de noviembre) es lo nuevo de Gastón Duprat, que triunfó hace un par de años con El ciudadano ilustre.

En su intento por plasmar historias distintas, con títulos como Magical Girl o Diamond Flash, el madrileño Carlos Vermut ya se ha labrado una buena reputación. Su nuevo trabajo es Quién te cantará, con Najwa Nimri como una ídolo de la canción de los 90 intentando recuperar su memoria perdida a causa de un accidente.

También atípica será la libre adaptación del clásico de Lorca La casa de Bernarda Alba que nos ofrecerá Emilio Ruiz Barrachina; se trata de Bernarda, ambientada en un prostíbulo de lujo regentado por Assumpta Serna. Ambas propuestas tienen previsto estrenarse el 26 de octubre.

Más cine de autor o de directores de prestigio con Petra, de Jaime Rosales (19 de octubre), El árbol de la sangre de Julio Medem (1 de noviembre) o Tu hijo de Miguel Ángel Vivas (9 de noviembre); o de directores que empiezan como Caye Casas y Albert Pintó con Matar a Dios (21 de septiembre), una comedia que ganó el premio del público en el Festival de Sitges del pasado año.

Y al igual que los filmes de Rosales o Vermut, en San Sebastián se presentarán Entre dos aguas de Isaki Lacuesta (30 de noviembre), Yuli de Icíar Bollaín (14 de diciembre), el documental Dantza (21 de diciembre) de Telmo Esnal y Tiempo después de José Luis Cuerda (28 de diciembre), una surrealista sátira que transcurre en el año 9177.

Seis propuestas para encandilar al público

El reino. Rodrigo Sorogoyen se está convirtiendo en todo un especialista en thrillers. En esta ocasión, y con la ayuda de Antonio de la Torre o Mónica López, nos involucrará en un tema demasiado de actualidad, el de la corrupción política. Forma parte de la sección oficial del 66ª Festival de San Sebastián. Estreno previsto: 28 de septiembre.

Ola de crímenes. Gracia Querejeta se pasa a la comedia negra con un reparto encabezado por Maribel Verdú, una madre que intentará proteger a su hijo por haber matado a su exesposo durante un ataque de ira. Será el inicio de una serie de encubrimientos y situaciones que conducirán a más asesinatos. En el reparto también veremos a Luis Tosar y Paula Echevarría. Estreno previsto: 5 de octubre.

Ola de crímenes

La sombra de la ley. En 1921, y en un entorno enturbiado por matones, anarquistas y gánsteres, un agente de la policía (Luis Tosar), investiga el robo de un tren militar. Michelle Jenner y Ernesto Alterio también entre sus protagonistas. Es el segundo largometraje de Dani de la Torre, que ya conoció el éxito comercial con su debut El desconocido (2015). Estreno previsto: 11 de octubre.

El fotógrafo de Mauthausen. La directora Mar Targarona dirige esta biografía de Francisco Boix, un fotógrafo republicano que fue apresado por los alemanes e internado en el campo de concentración de Mauthausen. Tiene el gancho de contar con Mario Casas como protagonista, además de Macarena Gómez o Alain Hernández. Estreno previsto: 26 de octubre.

El fotógrafo de Mauthausen

Superlópez. Adaptación de los famosos cómics creados por el dibujante Jan (Juan López Fernández) hace 45 años. Fue la respuesta cañí a los superhéroes norteamericanos. Dani Rovira es quien ha asumido el reto de enfundarse las mallas del personaje. Dirige Javier Ruiz Caldera (Spanish Movie o 3 bodas de más). Estreno previsto: 23 de noviembre. A Dani Rovira también podremos verlo en Miamor perdido junto con Michelle Jenner, y que se estrena el 14 de diciembre.

Durante la tormenta. Por un incidente espacio-temporal, una mujer (Adriana Ugarte) salvará la vida de un chico que vivió en su casa hace 25 años. Pero su generosa acción provocará un efecto mariposa que afectará decisivamente a su vida personal en el presente. Dirige Oriol Paulo, que ya ha destacado con películas como Contratiempo, El cuerpo o Los ojos de Julia. Estreno previsto: 30 de noviembre.

Y recordando cuatro que ya han sido éxitos de taquilla este año

La producción española más taquillera del año: Campeones de Javier Fesser, con 18,6 millones de euros recaudados hasta el momento y 3,2 millones de espectadores que han pasado por taquilla.

Campeones

La gran revelación veraniega: El mejor verano de mi vida de Dani de la Orden, con 6,6 millones de espectadores y 1,14 millones de espectadores.

También ha logrado superar el millón de espectadores: la comedia La tribu de Fernando Colomo con 6,1 millones de euros con 1.009.802 espectadores, a fecha del 26 de agosto y según datos del Ministerio de Cultura.

La más taquillera entre las películas españolas en cartel: Yucatán de Daniel Monzón fue la más vista en el fin de semana de su debut, del 31 de agosto al 2 de septiembre, con un millón de euros de recaudación.

Paul McCartney presenta su último álbum en un concierto sorpresa

EFE

Paul McCartney

Y Egypt Station resultó estar en Grand Central Terminal, la estación ferroviaria de Manhattan, el lugar escogido finalmente por el legendario Paul McCartney para presentar en un concierto sorpresa entre "commuters" su último álbum, 15 canciones que dan muestra de la madurez del exBeatle.

Opening Station es la canción, o mejor sonido —se basa en el trasiego de una estación—, que introduce este nuevo elepé presentado ante cerca de 300 personas en un lateral de la gran estación del ferrocarril de Nueva York, "la mejor del mundo", según McCartney.

Cerca de las míticas escalinatas de Grand Central, en el Vanderbilt Hall que da a la calle 42, y ante la férrea seguridad de hasta cuatro policías distintas, el grupo de fans privilegiados pudo disfrutar de un concierto en formato videoclip, muy próximo pero a la vez en una atmósfera catedralicia, propia de la piedra marmórea de la mítica estación ferroviaria.

Desde una suerte de altar, solo iluminado por luces blancas, McCartney fue desgranando sus nuevas canciones a cuenta gotas, puesto que sus míticas composiciones de los Beatles han estado muy presentes en las dos horas de concierto.

Rodeado por ocho cámaras para la retransmisión del evento por un canal de Youtube, McCartney fue desgranando durante el concierto bastantes clásicos de los Beatles, como Can't buy me love, Blackbird —la tocó solo entre el público tras interrumpirla dos veces bromeando que se había equivocado—, Love me do… hasta acabar, como no, con un Let it be bajo la luz de las velas eléctricas encendidas por el público.

También tuvo tiempo para tocar algunas composiciones de su época con Wings y de su carrera en solitario.

El exBeatle, con cabello cano y camisa blanca, venía a presentar su nuevo disco pero también a recordar quién es: una leyenda del pop-rock de 76 años.

El nuevo álbum, el primero de estudio desde 2013 —ya son 17—, es una invitación al viaje y a descubrir lo desconocido, y algunas de sus canciones fueron apareciendo en un show musical que por unos momentos bloqueó uno de los laterales de Grand Central, por donde pasan cada día cientos de miles de viajeros de las cercanías de Nueva York, los denominados "commuters", lo que obligó a una actuación a fondo de la policía neoyorquina.

Loving the Beatles for as long as I can remember, I’m still in absolute shock. I never even dreamed I’d get to be in the same building, let alone make eye contact with @PaulMcCartney.
Pinch me, I’m dreaming. pic.twitter.com/uH2DT6uAb5

— Ashley Robyn (@heyashleyrobyn) 8 de septiembre de 2018

McCartney ya llevaba algunos días en la Gran Manzana, apareciendo en algunos programas de televisión y radio, insinuando que algo iba a ocurrir en la ciudad. Pues sucedió y hasta tal punto que el concierto, con 30 minutos de retraso, fue retransmitido en la tarde-noche del viernes por Youtube.

El veterano artista ha llegado a Nueva York una semana después de anunciar las primeras cinco paradas de su gira Freshen Up en Estados Unidos y que comenzó en mayo en Raleigh, Carolina del Norte.

Muchos de los afortunados que pudieron escuchar este viernes en vivo al exBeatle lograron su entrada gracias a un concurso de la empresa de taxis Lyft y no supieron el lugar del concierto hasta pocas horas antes de celebrarse. Muchos se miraban entre ellos sabedores de la suerte que han tenido.

Ya está a la venta el nuevo disco de Paul McCartney, ‘Egypt Station’

20MINUTOS.ES

Paul McCartney en el concierto sorpresa de Times Square, Nueva York

Paul McCartney ha lanzado este viernes su esperado álbum de estudio, Egypt Station, el primero con composiciones nuevas desde 2013 y en el que el ex Beatles intenta transportar a los oyentes a través de 14 canciones a un viaje melódico y caleidoscópico de todas sus influencias.

El músico, de 75 años, dará un concierto en directo en su canal de Youtube este sábado a las 02:00 horas de la madrugada (20:00 horas en Nueva York) para dar a concoer sus nuevas partituras.

McCartney, quien ha reconocido recientemente que John Lennon hizo bien en romper con el famoso cuarteto de Liverpool, ha asegurado que este disco tiene un espíritu narrativo: "Egypt Station comienza en una estación en la primera canción, cada nuevo tema es como una parada diferente. Nos da una idea para engarzar los temas. Me lo imagino como una localización imaginaria de la que emana la música".

De hecho, esto ya se pudo comprobar en alguno de los adelantos que el cantante ha ido enseñando a lo largo de su promoción, que le ha llevado incluso a retratraerse a su juventud en un Carpool Karaoke muy emotivo junto a James Corden.

Egypt Station fue grabado entre estudios de Los Ángeles, Londres y Sussex, mientras que la producción, a excepción de un tema de Ryan Tedder, ha corrido a cargo de Greg Kurstin (Adele o Foo Fighters).

Esther García, productora de Pedro Almodóvar, Premio Nacional de Cinematografía

EFE

  • Esther García ha desarrollado un modelo de producción asociado a la independencia autoral.
  • El jurado ha detacado también que es muy activa en el impulso de nuevos directores.

Esther García

Esther García, directora de producción de las películas de Pedro Almodóvar, ha sido distinguida este viernes con el Premio Nacional de Cinematografía 2018, ha informado hoy el Ministerio de Cultura y Deporte.

Es la primera vez que se otorga a una mujer productora este galardón, convocado por el ministerio a través del Instituto de Cinematografía y Artes Audiovisuales (ICAA), dotado con 30.000 euros y destinado a recompensar una aportación personal en el ámbito cinematográfico español.

El jurado ha argumentado que García cuenta con una trayectoria de más de 30 años en el ámbito nacional e internacional, ha desarrollado un modelo de producción asociado a la independencia autoral y es muy activa en el impulso de nuevos directores. Igualmente ha destacado en coproducciones, especialmente con Latinoamérica.

Figura esencial en la carrera de Pedro Almodóvar, con quien logró el premio Óscar de la Academia de Hollywood, García ha producido también proyectos de autores como Isabel Coixet, Lucrecia Martel, Pablo Trapero, Guillermo del Toro y otros.

Este último año ha presentado la película El silencio de los otros, de Almudena Carracedo y Robert Bahar, en el Festival Internacional de Berlín y El ángel, de Luis Ortega, en el Festival Internacional de Cannes.

Cuenta en su historial con más de 90 películas y numerosas series de televisión, así como varios premios Goya por trabajos como Acción mutante, Todo sobre mi madre, La vida secreta de las palabras o Relatos salvajes.

El ministro de Cultura, José Guirao, le ha comunicado personalmente la noticia a la premiada, que se encuentra rodando en El Escorial la nueva película de Almodóvar, Dolor y Gloria, protagonizada por Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Penélope Cruz y Julieta Serrano.

García recibirá el premio el próximo 22 de septiembre en un acto que se celebrará, como es habitual, en el marco del Festival de Cine de San Sebastián.

El jurado del premio ha estado presidido por Beatriz Navas, directora general del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) y Jacobo Martín, subdirector general de Promoción y Relaciones Internacionales del ICAA, como vicepresidente.

Como vocales han participado Rafael Portela, a propuesta de la Academia de Cine, la actriz Susi Sánchez por la Unión de Actores; el director y guionista Pablo Berguer por Autores Literarios de Medios Audiovisuales; la directora Patricia Ferreira por la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA), y a propuesta del ICAA la productora Belén Atienza, el director Pablo Llorca y el crítico de cine Jordi Costa.

Arranca el festival de Toronto, marcado por Netflix y Harvey Weinstein

JULIO CÉSAR RIVAS (EFE)

  • El certamen acogió el estreno mundial de 'El rey proscrito', un film de la plataforma digital.
  • La organización ha habilitado una línea telefónica para denunciar abusos de forma confidencial.

Chris Pine

La gran fiesta cinematográfica en Canadá, el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), comienzó este jueves, influida por el escándalo de abusos del productor Harvey Weinstein y con el estreno mundial de El rey proscrito, un film de Netflix.

A lo largo de sus 43 años de historia, el TIFF se ha ganado el prestigio de ser uno de los festivales de cine más importantes del mundo y la plataforma de lanzamiento de muchos de los filmes que aspiran a llegar a las nominaciones para los Óscar. Por ello, al TIFF acuden centenares de los nombres más conocidos del mundo del cine: actores, directores, productores, guionistas y distribuidores.

Este año, por ejemplo, los organizadores anunciaron que alrededor de 500 destacados nombres de la industria pasarán por Toronto hasta el 16 de septiembre para participar en la muestra. Nombres como Ryan Gosling, Susan Sarandon, Melissa McCarthy, Lady Gaga, Jake Gyllenhaal o Javier Bardem.

Tolerancia cero

El TIFF fue uno de los escenarios frecuentados por Harvey Weinstein, el productor estadounidense que durante años fue uno de los más reputados de Hollywood y hoy acusado por decenas de actrices de acoso y abusos sexuales. Precisamente fue en el TIFF donde Weinstein habría acosado a Mira Sorvino, en 1995, y Erika Rosenbaum, según sostienen las dos actrices.

Así que este año los directores del TIFF, Piers Handling y Cameron Bailey, anunciaron que el festival ha advertido de forma expresa a todos los que participan este año en la muestra que "el acoso y el abuso no serán tolerados" y que "habrá repercusiones".

Por primera vez en su historia, el TIFF ha habilitado una línea telefónica para que las posibles víctimas de acoso y abuso puedan denunciar con seguridad y de forma confidencial cualquier incidente.

Además, el TIFF ha lanzado una campaña de recogida de fondos denominada "Share Her Journey", para "aumentar la participación, capacidades y oportunidades para mujeres detrás y frente a las cámaras". Una de las primeras iniciativas de "Share Her Journey" es una manifestación que se llevará a cabo el sábado y en la que participarán, entre otros, la actriz estadounidense Geena Davis y la directora británica Amma Asante.

Siete filmes de Netflix

Además del escándalo de abusos sexuales de Weinstein, la edición de este año del TIFF también muestra más que nunca la creciente importancia de plataformas digitales para el sector. De hecho, este año TIFF proyectará hasta siete filmes "originales" de Netflix.

En este contexto es en el que en la noche de este jueves se estrenó El rey proscrito, la primera vez en la historia de TIFF que una película de Netflix tiene el honor de abrir la muestra canadiense.

El film, del director David Mackenzie (Comanchería) e interpretado por Chris Pine, Aaron Taylor-Johnson y Florence Pugh, se centra en la vida de Robert the Bruce, Roberto I de Escocia, un noble escocés que en 1297 se rebeló contra el rey Eduardo I de Inglaterra.

Tras años de conflicto en los que combatió a los ingleses con una guerra de guerrillas, Roberto I garantizó la independencia de Escocia tras la batalla de Bannockburn en 1314.

342 películas

El rey proscrito es uno de los 342 filmes que el TIFF proyectará este año, 147 de ellos estrenos mundiales, hasta el día del cierre de la muestra, el 16 de septiembre, con el largometraje Jeremiah Terminator LeRoy, en el que participan las actrices Kristen Stewart y Laura Dern, y que ha sido dirigido por Justin Kelly.

El rey proscrito es uno de los filmes que ya está siendo incluido en la lista de películas que pueden aspirar a nominaciones a los Óscar junto con ROMA, del director mexicano Alfonso Cuarón, y 22 de julio, de Paul Greengrass.

Es de destacar que ROMA, que ha sido rodada en película de 65 milímetros y en blanco y negro, se proyectará en el TIFF siete veces, más del doble de lo habitual en el festival de Toronto, donde las cintas se muestran en dos o tres ocasiones.

Otras películas que suenan para el Óscar son la producción de Hollywood First Man (El primer hombre), con el canadiense Rayn Gosling; Ha nacido una estrella, el debut como director de Bradley Cooper y protagonizada por Lady Gaga, y Windows, del director Steve McQueen, con Viola Davis y Colin Farrell.

Muere el actor Burt Reynolds, uno de los ‘tipos duros’ de Hollywood, a los 82 años

20MINUTOS.ES / VÍDEO: AGENCIA ATLAS

Burt Reynolds

Burt Reynolds, uno de los actores de Hollywood más populares durante la década de los 70 y principios de los 80, murió este jueves en un hospital de Florida, Estados Unidos, según in formaron varios medios estadounidenses.

De acuerdo con el portal TMZ, Reynolds murió de un ataque al corazón. Había sido llevado de urgencia al hospital, donde falleció.

El actor protagonizó verdaderos taquillazos en Hollywood como Smokey and the Bandit (1977, conocida en España como Los caraduras) y Los locos de Canonball (1981). Con el cambio de siglo vivió una segunda época de esplendor, tras cintas como Boogie Nights (1997), de Paul Thomas Anderson, por la que ganó un Globo de Oro y fue nominado al Óscar (la única nominación en su carrera) gracias a su interpretación de un director de cine porno.

La cuenta oficial de los Globos de Oro indica en Twitter que la muerte del actor, al que entregó otro galardón por La familia Newton (1990), se debió a un posible ataque al corazón.

Burt Reynolds passed away in Florida after suffering a suspected heart attack. He was 82. Rest in Peace. pic.twitter.com/bKutBAPK7D

— Golden Globe Awards (@goldenglobes) 6 de septiembre de 2018

El actor, que vivía en Florida, nació en Michigan en 1936. Tras un breve paso por el teatro, Reynolds saltó a la fama con la película Deliverance (1972), de John Boorman, en la que compartió créditos con John Voight. Ello marcó el inicio de una década dorada que incluyó otros filmes como The Longest Yard, conocida en España como El rompehuesos (1974), Semi-Tough (1977), Hooper (1978), y The Best Little Whorehouse in Texas (1982).

En los 90 se refugió en la televisión, en donde protagonizó la comedia La familia Newton (1990–1994). En los últimos años se mantuvo activo con apariciones en películas como Striptease, Los duques de Hazzard y Transformers. Su último filme como protagonista fue The Last Movie Star, el año pasado.

En 1992 se interpretó a sí mismo en el filme de Robert Altman El juego de Hollywood y al año siguiente llegaron títulos como Un policía y pico, película por la que Reynolds recibió el "razzie" al peor intérprete masculino que otorga todos los años la Fundación Golden Rapsberry Award de Hollywood a los peores actores. Este "premio" lo recibió el actor en dos ocasiones más, una en 1996 por Frankenstein y yo y otra en 1997 por Striptease.

El director Quentin Tarantino había fichado al actor para su próximo proyecto, Once Upon a Time in Hollywood, para el que estaban confirmados también Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Tim Roth, Kurt Russell y Michael Madsen.

Tributo de Hollywood

Tras conocerse su muerte, varios actores de Hollywood han expresado su pésame a través de las redes sociales. Uno de ellos ha sido Arnold Schwarzenegger, que lo ha descrito como uno de sus héroes: "Nos enseñó el camino de pasar de ser un atleta a ser el actor mejor pagado, eso siempre me inspiró", ha tuiteado.

Burt Reynolds was one of my heroes. He was a trailblazer. He showed the way to transition from being an athlete to being the highest paid actor, and he always inspired me. He also had a great sense of humor – check out his Tonight Show clips. My thoughts are with his family.

— Arnold (@Schwarzenegger) 6 de septiembre de 2018

Ralph Macchio, la estrella de Karate Kid, lo ha calificado como "uno de los grandes": "Caundo era niño debí ver Los caraduras unas 10 veces en el cine".

As a kid I must have seen Smokey and the Bandit 10 times in the theatre. Met Burt Reynolds a few years back… so glad I did. Deliverance, Boogie Nights… some great ones. RIP

— Ralph Macchio (@ralphmacchio) 6 de septiembre de 2018

El director Kevin Smith le ha llamado "la estrella de cine de mi infancia".

As THE movie star of my childhood, the Bandit stole our hearts for decades. I always loved how Burt Reynolds worked with his friends as often as he could and then showcased the fun of movie-making in the end credits of his flicks. He was true American icon. Hate to see him go… https://t.co/jaMZjJA4e8

— KevinSmith (@ThatKevinSmith) 6 de septiembre de 2018

Reynolds estuvo casado con la actriz Judy Grane, de la que se divorció en 1966 y en 1988 se casó con la también actriz Loni Anderson, con quien adoptó un niño. La pareja se separó en 1993 y tras varios meses de litigio ambos llegaron a un acuerdo por el que el actor tuvo que indemninazarla con dos millones de dólares y una finca.

Muere el actor Burt Reynolds, uno de los ‘tipos duros’ de Hollywood,  a los 82 años de edad

20MINUTOS.ES

Burt Reynolds

Burt Reynolds, uno de los actores de Hollywood más populares durante la década de los 70 y principios de los 80, ha muerto este jueves en un hospital de Florida, Estados Unidos, según han informado varios medios estadounidenses.

De acuerdo con el portal TMZ, Reynolds ha muerto de un ataque al corazón. Había sido llevado de urgencia al hospital, donde falleció.

El actor protagonizó verdaderos taquillazos en Hollywood como Smokey and the Bandit (1977, conocida en España como Los Caraduras) y Los locos de Canonball (1981). Con el cambio de siglo vivió una segunda época de esplendor, en cintas como Boogie Nights (1997),de Paul Thomas Anderson, por la que ganó un Globo de Oro y fue nominado al Óscar (la única en su carrera) gracias a su interpretación de un director de cine porno.

La cuenta oficial de los Globos de Oro indica en Twitter que la muerte del actor, al que entregó otro galardón por La familia Newton (1990), se debió a un posible ataque al corazón.

Burt Reynolds passed away in Florida after suffering a suspected heart attack. He was 82. Rest in Peace. pic.twitter.com/bKutBAPK7D

— Golden Globe Awards (@goldenglobes) 6 de septiembre de 2018

El actor, que vivía en Florida, nació en Michigan en 1936. Tras un brevbe paso por el teatro, Reynolds saltó a la fama con la película Deliverance (1972), de John Boorman, en la que compartió créditos con John Voight. Ello marcó el inicio de una década dorada que incluyó otros filmes como The Longest Yard, comocida en España como El rompehuesos (1974), Semi-Tough (1977), Hooper (1978), y The Best Little Whorehouse in Texas (1982).

En los 90 se refugió en la televisión, en donde protagonizó la comedia La familia Newton (1990–1994). En los últimos años se mantuvo activo con apariciones en películas como Striptease, Los duques de Hazzard y Transformers. Su último filme como protagonista fue The Last Movie Star el año pasado.

Tarantino había fichado al actor para su próximo proyecto, Once Upon a Time in Hollywood, para el que estaban confirmados también Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Tim Roth, Kurt Russell y Michael Madsen.

Tributo de Hollywood

Tras conocerse su muerte, varios actores de Hollywood han expresado su pésame a través de las redes sociales. Uno de ellos ha sido Arnold Schwarzenegger, que lo ha descritos como uno de sus héroes. "Nos enseñó el camino de pasar de ser un atleta a ser el actor mejor pagado, eso siempre me inspiró", ha tuiteado.

Burt Reynolds was one of my heroes. He was a trailblazer. He showed the way to transition from being an athlete to being the highest paid actor, and he always inspired me. He also had a great sense of humor – check out his Tonight Show clips. My thoughts are with his family.

— Arnold (@Schwarzenegger) 6 de septiembre de 2018

Ralph Macchio, la estrella de Karate Kid, lo ha descrito como "uno de los grandes. ""Caundo era niño debí ver Los caraduras unas 10 veces en el cine".

As a kid I must have seen Smokey and the Bandit 10 times in the theatre. Met Burt Reynolds a few years back… so glad I did. Deliverance, Boogie Nights… some great ones. RIP

— Ralph Macchio (@ralphmacchio) 6 de septiembre de 2018

El director Kevin Smith le ha llamado "la estrella de cine de mi infancia".

As THE movie star of my childhood, the Bandit stole our hearts for decades. I always loved how Burt Reynolds worked with his friends as often as he could and then showcased the fun of movie-making in the end credits of his flicks. He was true American icon. Hate to see him go… https://t.co/jaMZjJA4e8

— KevinSmith (@ThatKevinSmith) 6 de septiembre de 2018

Dolores O’Riordan, cantante de The Cranberries, se ahogó en la bañera a causa de la intoxicación etílica

20MINUTOS.ES

Dolores O'Riordan The Cranberries

La solista de The Cranberries, Dolores O'Riordan, murió en enero ahogándose en la bañera a causa de una intoxicación por alcohol, según datos de la investigación que recoge la BBC News.

La cantante fue encontrada sumergida en la bañera de la habitación del hotel donde se alojaba (el Park Lane Hilton), el 15 de enero a los 46 años de edad.

El forense declaró que no había heridas ni evidencias de daño a sí misma. La investigación sobre su fallecimiento ha señalado que murió "ahogándose a causa de una intoxicación etílica". Así, ha determinado que su muerte fue "un accidente".

La banda irlandesa confirmó en marzo de este año que se publicará un álbum para celebrar el 25º aniversario de su primer disco Everybody else is doing it so why can't we, un proyecto que fue suspendido tras la muerte de la cantante.

Los componentes del grupo decidieron concluir el disco para conmemorar la muerte de Dolores.

La cantante Dolores O’Riordan se ahogó a causa de la intoxicación etílica

20MINUTOS.ES

Dolores O'Riordan The Cranberries

La solista de The Cranberries, Dolores O'Riordan, murió en enero ahogándose en la bañera a causa de una intoxicación por alcohol, según datos de la investigación que recoge la BBC News.

La cantante fue encontrada sumergida en la bañera de la habitación del hotel donde se alojaba (el Park Lane Hilton), el 15 de enero a los 46 años de edad.

El forense declaró que no había heridas ni evidencias de daño a sí misma. La investigación sobre su fallecimiento ha señalado que murió "ahogándose a causa de una intoxicación etílica". Así, ha determinado que su muerte fue "un accidente".

La banda irlandesa confirmó en marzo de este año que se publicará un álbum para celebrar el 25º aniversario de su primer disco Everybody else is doing it so why can't we, un proyecto que fue suspendido tras la muerte de la cantante.

Los componentes del grupo decidieron concluir el disco para conmemorar la muerte de Dolores.

El fallecido cantante británico Freddie Mercury habría cumplido hoy 72 años

EFE / VÍDEO: AGENCIA ATLAS

Freddie Mercury

Este jueves Freddie Mercury habría cumplido 72 años. El cantante extravagante, bigotudo y genial que falleció a los 45 años en Londres, un día después de confesar que padecía el sida.
Un 24 de noviembre de 1991 moría en su casa de la lujosa calle de Knighsbridge el solista de la influyente banda de rock británica Queen, lejos de los flashes y la atención mediática que lo persiguieron en los multitudinarios conciertos ofrecidos en vida.
"Freddie Mercury falleció pacíficamente esta noche en su casa de Kensington, en Londres. Su muerte es resultado de una bronconeumonía causada por el sida", informó entonces su representante en un escueto comunicado.
Este hijo del Imperio británico, nacido en Tanzania y criado en la India, dejó atrás himnos como I Want To Break Free, Don't Stop Me Now o Bohemian Rhapsody, cantados con su voz única, con un registro de varias octavas, e interpretadas de forma teatral y operística, hasta crear un estilo imposible de imitar.
Algunos han copiado a Freddie Mercury, pero nadie ha sido capaz de emular la personalidad arrebatadora y carismática en escena de este "showman" de grandes dientes, que se convirtió en uno de los iconos de los 80 pese a que, según el mismo aseguraba, era bastante tímido.
En este aniversario del cantante de The Great Pretender (el gran imitador) la foto más recurrente es la de un Mercury con capa de armiño y corona, como una "reina" británica -alusión tanto al nombre del grupo como a su homosexualidad-, durante una actuación en el estadio londinense de Wembley en julio de 1986.
Con sus espectaculares puestas en escena, Queen transformó la escena musical de los años 70 y 80, y vendió en total más de 300 millones de discos, la mayoría después de la muerte de su cantante, quien había nacido el 5 de septiembre de 1946 en Zanzíbar, hijo de un funcionario británico, con el nombre de Farrokh Bulsara. En sus tiempos mozos cambió ese nombre difícil de pronunciar por el de Freddie y, cuando ya se dedicaba profesionalmente a la música, sustituyó su apellido por Mercury (Mercurio, mensajero de los dioses).
La carrera de Freddie Mercury, un hombre culto que adoraba la ópera y estudió dibujo y diseño, estuvo siempre unida al guitarrista Brian May y al batería Roger Taylor, con los que formó la banda Smile en 1967, y al bajista John Deacon.
Los cuatro músicos crearon en 1971 Queen y grabaron doce álbumes de estudio, entre ellos los primerizos y aclamados Sheer Heart Attack (1974) y A Night at the Opera (1975), con un sonido que conjugaba rock, heavy metal y glam, dominado por la guitarra de May y sobre todo por la imponente voz de Mercury. Aunque algunos critican un toque "kitsch", los conciertos del cuarteto eran antológicos y sus canciones han sido coreadas por millones de personas durante décadas en innumerables conciertos y fiestas.
Desde su We Will Rock You -nombre también del musical dedicado al grupo- al Under Pressure con David Bowie, pasando por el We Are The Champions, creado para homenajear al Manchester United y que hoy se canta en los estadios de fútbol de todo el mundo para celebrar las gestas del equipo local.
Dos décadas después de la muerte de Freddie Mercury, sus fans no podrán prestar mañana tributo en ningún cementerio, ya que el cuerpo del cantante fue incinerado en Londres y las cenizas fueron esparcidas en un lago suizo pocos días después.
El día de su entierro su ataúd llevaba una rosa roja encima y en la ceremonia se escuchó la canción Barcelona, grabada en 1987 por el músico británico con su admirada Montserrat Caballé y que se convirtió en el himno de los Juegos Olímpicos de 1992, cuando Mercury ya había fallecido.

Dolly Parton recibirá el premio Persona del Año en los Grammy

EFE

  • La entrega del galardón tendrá lugar el 8 de febrero, dos días antes de la gala de los Grammy.
  • "Estoy deseando escuchar a todos esos grandes artistas cantando mi música", ha dicho Parton.

Dolly Parton

La leyenda del country Dolly Parton recibirá el galardón Persona del Año durante un acto previo a la 61ª edición de los premios Grammy, anunció la Academia de la Grabación por medio de una nota de prensa.

Este galardón honorífico, que cuenta con el patrocinio de la fundación MusiCares, reconoce los méritos artísticos y filantrópicos de estrellas de la música y, en anteriores ediciones, premió a figuras como Fleetwood Mac, Tom Petty, Bob Dylan, Barbra Streisand, Bruce Springsteen y Gloria Estefan, entre otros.

"Dolly Parton siempre ha sido y continúa siendo una valiente pionera y una indomable inspiración para creadores y artistas", dijo el presidente de la Academia de la Grabación, Neil Portnow, quien destacó además la oportunidad que supone para esta institución poder rendir homenaje "a un verdadero pilar de fortaleza" y a una persona "con un talento legendario".

Por su parte, Dolly Parton dijo sentirse "muy emocionada" y aseguró que es aún más especial recibir un homenaje así, sabiendo que se trata de una gala en la que se destinan todos los beneficios a causas caritativas.

"Estoy deseando escuchar a todos esos grandes artistas cantando mi música", añadió Parton sobre una velada en la que diferentes figuras de la canción se suben al escenario como tributo a la persona homenajeada.

Muy conocida por canciones como Jolene o Coat of Many Colors, Parton también ha tenido una notable carrera en el cine gracias a cintas como Cómo matar a su jefe (1980) o Magnolias de acero (1989).

A través de la Fundación Dollywood, la cantante ha desarrollado programas como Imagination Library, una iniciativa de fomento a la lectura que proporciona libros de manera gratuita a niños de entre cero y cinco años.

La entrega del galardón Persona del Año tendrá lugar el 8 de febrero de 2019 en Los Ángeles (Estados Unidos), dos días antes de que el Staples Center de la ciudad californiana acoja la 61ª edición de los premios Grammy, los reconocimientos más importantes de la industria musical.