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Bunbury confirma conciertos en  Málaga, Madrid y Cádiz

EUROPA PRESS

  • El cantante participará en dos festivales en Andalucía y uno en la capital.
  • El primero será el Weekend Beach Festival de Málaga del 4 al 7 de julio.

Enrique Bunbury

Acaba de terminar el primer tramo en España de la gira de presentación de su disco Expectativas, pero Enrique Bunbury anuncia ya su regreso a España para el próximo verano en dos festivales andaluces y otro madrileño.

El primero de ellos será el Weekend Beach Festival, que se celebrará en Torre del Mar (Málaga) del 4 al 7 de julio. El aragonés se suma a un cartel que ya tenía a The Offspring, IZAL, Jimmy Cliff o Adam Bayer, entre otros.

Además, Bunbury volverá a Madrid para actuar en esta ocasión en el festival Río Babel, que tendrá lugar los días 6 y 7 de julio en IFEMA – Feria de Madrid. Por ahora es el primer artista confirmado.

Bunbury también se incorpora al cartel del festival No Sin Música, que tendrá lugar del 19 al 21 de julio en el Puerto de Cádiz, también con Residente, IZAL, La M.O.D.A., Marky Ramone, Sidecars, We the Lion, Antílopez, Rufus T. Firefly y muchos más.

La película española ‘Verano 1993’ se queda fuera de la carrera a los Óscar

EFE

  • El filme, rodado en catalán, está dirigido por Carla Simón y aspiraba a ser nominado en el apartado de mejor película en lengua extranjera.
  • Había sido elegido como representante español tras competir con '1898. Los últimos de Filipinas' y 'Abracadabra'.
  • La única cinta aspirante en lengua española preseleccionada por Hollywood ha sido la chilena 'Una mujer fantástica', de Sebastián Lelio.

 'Verano 1993'

La película española Verano 1993, de Carla Simón, se quedó este jueves fuera de la carrera de los premios Óscar a la mejor película en lengua extranjera, a la que sí opta la cinta chilena Una mujer fantástica, de Sebastián Lelio, el único largometraje latino.

La Academia de Hollywood informó en un comunicado de que el resto de las nueve precandidatas al Óscar a la mejor película en lengua extranjera también incluye a In the Fade (Alemania), On Body and Soul (Hungría), Foxtrot (Israel), The Insult (Líbano) y Loveless (Rusia). Completan la relación de semifinalistas a la estatuilla las películas Félicité (Senegal), The Wound (Sudáfrica) y The Square (Suecia).

Este año se habían presentado 92 largometrajes en esta categoría de los Óscar, entre los que, además de Verano 1993, figuraban aspirantes en lengua española como Zama (Argentina), Tempestad (México) o Pariente (Colombia) que finalmente tampoco pasaron el corte.

De las nueve semifinalistas desveladas este jueves serán elegidas las cinco que aspirarán al premio. Será el 23 de enero, cuando se den a conocer todas las nominaciones para los Óscar.

Esta preselección para los premios más importantes del cine supone para Una mujer fantástica un nuevo triunfo en su aclamado recorrido comercial y de festivales, que llega apenas una semana después de que lograra la candidatura para los Globos de Oro en el apartado de mejor película extranjera.

La película española, de la catalana Carla Simó, es un delicado retrato autobiográfico del duelo infantil ambientado en Girona y filmado en catalán, y se había impuesto a las otras dos finalistas: Abracadabra, de Pablo Berger, y 1898. Los últimos de Filipinas, de Salvador Calvo.

La 90 edición de los Óscar se celebrará el próximo 4 de marzo en el teatro Dolby de Los Ángeles.

De Will Smith a Scorsese: estos son los próximos grandes estrenos de Netflix

CARLES RULL

  • La compañía de 'streaming' tiene previsto estrenar 80 largometrajes en su plataforma a lo largo de 2018.
  • Destacan títulos como 'The Irisman' de Scorsese o 'Mute' de Duncan Jones. Y 'Bright', con Will Smith, este mismo año.
  • Su modelo de exhibición está suscitando debate por la ruptura con el estreno tradicional en las grandes salas.

Bright

Will Smith es uno de los protagonistas de Bright, un thriller policíaco de corte fantástico, mientras que el director Martin Scorsese prepara The Irishman que volverá a reunir a dos auténticas leyendas vivas del cine, Robert de Niro y Al Pacino. Dos películas que no tendrían nada en común, a parte de su elevado presupuesto, 90 millones de dólares —más de 77 millones en euros— la primera y 125 millones la segunda, si no fuera porque ambas forman parte de los proyectos más ambiciosos de Netflix.

Dos superproducciones con reputados cineastas y estrellas que, en estos momentos de cambios revolucionarios en la distribución y exhibición de largometrajes, no se estrenarán como poco tiempo atrás hubiera parecido más lógico en las grandes pantallas sino directamente en streaming, a través de la plataforma digital de Netflix. Aunque en el caso de The Irishman se está planteando si se estrenará antes en cines. Además está el caso de la comedia de Borja Cobeaga Fe de etarras, ya disponible desde octubre en su catálogo, pero que aún así llegará también a la gran pantalla el 7 de diciembre.

Netflix anunció recientemente que para el año que viene planeaba estrenar 80 películas. El lote incluye producciones propias y también aquellas de las que va adquiriendo los derechos de distribución. En cifras, una inversión de 6.000 millones de dólares este 2017 y que pasará a incrementarse en torno a los 8.0000 en 2018.

El director de Bright, David Ayer, que el pasado año estrenó Escuadrón Suicida, la ha definido como un cruce de Día entrenamiento (Training day), de la que fue guionista, con El señor de los anillos. No es para menos, la acción nos introducirá en una realidad paralela en la que los humanos cohabitan con personajes de fábula como elfos, orcos y hadas. Will Smith será un agente de policía de Los Angeles al que se le asigna un nuevo compañero, un orco (Joel Edgerton). El estreno, online, está fijado para fechas muy cercanas a Navidad, el 22 de diciembre.

Este mismo año, junto con Bright, otro de sus títulos estrella será Mudbound, en streaming a partir del viernes 17. Segundo largometraje de la directora afroamericana Dee Rees, Mudbound cosechó excelentes críticas a su paso por festivales como Sundance, Toronto o Londres. Dos jóvenes, uno negro y el otro blanco, regresan a casa después de haber combatido en la II Guerra Mundial. Lo que les espera de nuevo en sus respectivos hogares, en Mississippi, es un entorno rural y racista que acogerá de manera muy distinta a cada uno de ellos.

Aún no tiene fecha de estreno The Irishman, el regreso de Scorsese al cine de gangsters y un rodaje que empezó en agosto pasado, pero será en 2019. Scorsese no ha tenido reparo alguno en explicar que había aceptado dirigir para Netflix por las facilidades que ésta le ofrecía en cuanto a una financiación que le cuesta encontrar en los grandes estudios. Es la adaptación de la novela I Heard You Paint Houses de Charles Brandt que recoge la biografía de Frank Sheeran, un sicario que realizaba distintos trabajos para la mafia, especializado en hacer desaparecer cuerpos y pruebas criminales incriminatorias. Fue uno de los involucrados en la desaprición de Jimmy Hoffa, uno de los más controvertidos líderes sindicalistas de los 70. En el reparto dos actores también emblemáticos, Joe Pesci y Harvey Keitel.

Los principales proyectos para 2018

En este nuevo modelo de producción, distribución y exhibición que abandera Netflix, los cineastas no han dudado en alabar la libertad creativa para abordar sus proyectos. The Meyerowitz Stories, de Noah Baumbach, el terror vertiente más adolescente de The Babysitter o un par de relatos de Stephen King, 1922 y El juego de Gerald, han sido algunos de los ejemplos más recientes. Al igual que Okja, de Bong Joon-jo, que tuvo el honor, en una decisión salpicada por la polémica, que el pasado Festival de Cannes, baluarte del cine de autor, la admitiera entre las películas a competición junto con el filme de Baumbach. La del director surcorenao ha sido también una de las producciones más costosas de la compañía, 50 millones de dólares.

De entre las 80 películas anunciadas por Netflix, entre las que producirá o ha comprado los derechos de distribución, destacarán títulos como Mute, la nueva propuesta de ciencia-ficción de Duncan Jones —el director de Moon—; Hold the Dark, la historia de un cazador que intentará rescatar a un niño secuestrado por una manada de lobos en una remota aldea de Alaska, dirigida por Jeremy Saulnier —que ha llamado la atención de los cinéfilos por títulos como Green Room—; o la comedia The Week of en torno a un tema tan querido por los norteamericanos como son las comedias de bodas. Adam Sandler y Chris Rock serán los respectivos, y atribulados, padres de los novios.

También sobresalen la comedia de acción Game Over, Man!; el thriller How It Ends, salpicado de elementos apocalípticos y protagonizado por Forest Whitaker; o una de zombis titulada Cargo, con Martin Freeman —popular por El Hobbit o encarnar al doctor Watson en la televisiva Sherlock Holmes—. Incluso los hermanos Coen se han animado a trabajar para Netflix, en una miniserie de seis episodios: The Ballad of Buster Scruggs. Prácticamente como si se tratara de un largometraje de casi seis horas.

El cofundador de Netflix: «Con más mujeres en la cima no habría abusos sexuales»

EFE

The Crown

"Con más mujeres en la cima no habría abusos sexuales", asegura en una entrevista Mitch Lowe, cofundador de Netflix, en relación con los escándalos de acoso en Hollywood. "El problema es que hay muchos hombres blancos que cubren lo que otros hombres blancos hacen", sostiene.

Desde que salió a la luz el caso de Harvey Weinstein a comienzos de octubre, la oleada de denuncias por abuso y acoso sexual en Hollywood no ha parado de crecer, salpicando a cineastas como Brett Ratner y a actores como Dustin Hoffman.

Esos y otros casos no habrían estado ocultos durante años ni se habrían llegado a producir, según Lowe, si hubiese habido más "diversidad" en puestos de liderazgo, ya que las mujeres denunciarían "de forma inmediata".

"Es increíble cómo la gente puede aprovecharse de su puesto. Hollywood es uno de los lugares en los que ocurre, pero pasa en todos lados", dice el estadounidense, que, aunque recalca que ya no trabaja en Netflix, no ha dudado en hablar sobre las acusaciones que recaen, entre otros, sobre el actor Kevin Spacey, protagonista de House of Cards, una de las series estrella de la plataforma.

"Yo nunca había escuchado que Spacey haya abusado de jóvenes, pero es curioso que todo el mundo en Hollywood sabía desde hace muchos años que es homosexual", dice el empresario, que no cree que el escándalo pueda afectar al prestigio de la plataforma audiovisual -que ha suspendido el rodaje de la sexta temporada de la serie– porque "la gente sabe que estas cosas ocurren".

La industria del cine y, en general, la del mundo audiovisual tiene "numerosos desafíos" pendientes, en opinión del empresario, a quien se considera como uno de los grandes visionarios del sector.

Actualmente, Lowe es director ejecutivo de MoviePass, una compañía que ofrece una "tarifa plana" para ir al cine cualquier día de la semana por una cuota de 9,95 dólares al mes y que está teniendo "gran éxito" en Estados Unidos, afirma.

El sistema, basado en un modelo empresarial muy arraigado hoy día -el de la suscripción- nació con el objetivo de llevar más espectadores a las butacas de las salas de cine.

"La gente ha aprendido que no quiere asumir el riesgo de pagar para ver una película que puede ser mala, sobre todo ahora que las entradas de cine son tan caras", señala Lowe, que espera que MoviePass pueda llegar pronto a España.

Las series: ¿un arte secundario?

Entre las tendencias que marcarán el futuro del entretenimiento, el empresario intuye que estará el consumo de contenido audiovisual en "pequeñas dosis", porque los periodos de atención de los espectadores son "cada vez más cortos", y una clara apuesta por las "buenas historias", que prevalecerán sobre los efectos especiales debido a un uso "cada vez mayor" de la pequeña pantalla.

Además, no cree que la televisión convencional termine relegada solo al divertimento de unos pocos, por mucho que evolucione la ciencia, y está plenamente convencido de que el boom de las series no cesará.

"Es el mismo arte que el cine, el de contar historias, y la verdad es que hay un cierto egoísmo en los cineastas a la hora de creer que la televisión es un arte secundario. Las series son mucho mejores a la hora de desarrollar personajes", opina Lowe, de visita en España para participar en la reunión de antiguos alumnos de EAE Business School.

Por eso, no solo ve como factible que producciones como Juego de Tronosse puedan seguir pronto en la gran pantalla, sino que considera que deberían participar en festivales de cine, como el de Cannes que, en su pasada edición, abrió la veda para que participaran Netflix.

Esa decisión del concurso desató una gran polémica entre quienes apoyan la apertura a las nuevas plataformas y quienes, como el cineasta Pedro Almodóvar, consideran que no deben competir en festivales aquellos filmes que no se proyectan en cines.

"La industria del cine cree que empresas como Netflix están dañando a su negocio y la están castigando", opina Lowe, que precisa que Netflix sí quiere llegar a las salas, pero que son los cines los que "rechazan reproducir su contenido porque también lo ven como competencia".

"Estamos en un periodo de cinco o diez años en el que hay un poco de amargor. Todos están siendo egoístas y luchan entre ellos", afirma el estadounidense, convencido de que los modelos tradicionales y los novedosos pueden y deben "coexistir".

Guns n’ Roses anuncian dos nuevos conciertos en España para 2018

EUROPA PRESS

  • Guns n' Roses seguirán aprovechando el tirón de su gira mundial de reunión en 2018 y darán dos nuevos conciertos en España.
  • El primero de ellos será como cabeza de cartel del Download Festival Madrid el 29 de junio en La Caja Mágica.
  • El segundo concierto tendrá lugar el 1 de julio en el Estadio Olímpico Lluis Companys de Barcelona.

Guns n' Roses

Tras girar con gran éxito de público por todo el mundo durante los dos últimos años, Guns n' Roses seguirán aprovechando el tirón de su gira mundial de reunión durante 2018.

Y tras pasar la pasada primavera por Bilbao y Madrid, la banda californiana anuncia ahora su regreso a nuestro país con dos conciertos.

El primero de ellos será como cabeza de cartel del Download Festival Madrid el 29 de junio en La Caja Mágica. Y el segundo se realizará el 1 de julio en el Estadio Olímpico Lluis Companys de Barcelona.

Tras vender más de un millón de entradas el año pasado, Guns n' Roses amplían su Not in this lifetime tour añadiendo 13 nuevos conciertos en estadios europeos y encabezando los carteles de 5 festivales.

Axl, Slash y compañía se suman a un cartel que ya tenía a Ozzy, Avenged Sevenfold, Judas Priest, Marilyn Manson, A Perfect Circle, Bullet for my Valentine, Rise Against, Clutch, Tesseract y Galactic Empire. A lo largo de las próximas semanas se irá desvelando el resto del cartel.

Agotados los primeros 10.000 abonos en tiempo record, los siguientes 10.000 abonos para el festival madrileño están ya a la venta al precio de 150 € (+ gastos). Pueden adquirirse a través de www.downloadfestival.es, www.livenation.es y www.ticketmaster.es

Las entradas para el concierto barcelonés se podrán adquirir en preventa en livenation.es desde las 10 horas del 22 de noviembre. Y la venta general comenzará el viernes 24 de noviembre.

El SEFF acoge el documental ‘Murillo, el último viaje’ sobre la trayectoria del pintor

EUROPA PRESS

  • 'Murillo, el último viaje' abrirá la programación del Año Murillo en Sevilla.
  • El proyecto tiene como argumento el viaje de su obra 'El joven mendigo'.
  • Tras su estreno, la película pasará por otros festivales internacionales.

Murillo

La directora de Cultura, Isabel Ojeda, ha presentado este lunes en el marco del Festival de Cine Europeo de Sevilla (SEFF), Murillo, el último viaje, el primer documental que aborda la trayectoria vital y artística del maestro sevillano y que se estrena esta noche en el Teatro Lope de Vega.

La película, que cuenta con la colaboración de Canal Sur, forma parte del programa oficial del Año Murillo, que dará comienzo el próximo 28 de noviembre. El acto, celebrado en el Hotel Hesperia, ha estado protagonizado también por José Manuel Gómez Vidal, director del documental, Bernabé Rico, su productor, y Benito Navarrete, profesor de la Universidad de Sevilla y uno de los comisarios de la efeméride.

El proyecto tiene como hilo argumental el viaje de ida y vuelta de una de las pinturas más célebres de Murillo, El joven mendigo, que regresó a su lugar de origen, el Hospital de los Venerables, para la muestra 'Murillo y Velázquez', organizada por la Fundación Focus en 2017.

Tras el estreno en el SEFF, Murillo, el último viaje pasará por otros festivales como el de Cine Iberoamericano de Huelva. También se proyectará en el Cine Cervantes de Sevilla los próximos 17, 18 y 19 de noviembre.

Crítica de ‘La gran enfermedad del amor’: Aire fresco para la comedia romántica

DIEGO G. MORENO

  • Este viernes llega a los cines la película dirigida por Michael Showalter.
  • Basada en una historia real, muestra los complicados inicios de una relación.
  • La cinta es previsible y todo el mundo sabe su final, pero… ¿a quién le importa?

'La gran enfermedad del amor'

El género de la comedia romántica es parte fundamental de la historia del cine, tanto como las películas de vaqueros, las bíblicas o las basadas en mundos futuristas y distópicos. Alabadas y denostadas a partes iguales, este tipo de películas han sabido huir de calificativos como naíf o previsible y evolucionar hacia verdaderas obras de arte: Una cuestión de tiempo, 500 días juntos o Midnight in Paris son algunos ejemplos que demuestran que se puede contar una historia de amor con humor sin caer en los tópicos. Y, de paso, meterse en el bolsillo a toda la audiencia del cine independiente más hípster.

Este es el caso de La gran enfermedad del amor, escrita por los protagonistas de la historia en la que se basa la película, Kumail Nanjiani (Sillicon Valley) y Emily V. Gordon, y protagonizada por el propio Nanjiani.

La película cuenta el complicado comienzo de una relación –¿acaso alguna no lo es?– desde el punto de vista de dos millennials en Chicago. Kumail se intenta ganar la vida como cómico de stand-up (los clásicos monólogos) mientras comparte piso y va a comer los domingos a casa de sus padres. Cuando conoce a Emily en un bar, su vida cambiará para siempre.

A pesar de que lo mejor es saber poco de la trama del filme, La gran enfermedad del amor gira en torno a, como no podía ser de otra manera, una enfermedad.

La dolencia que padece uno de los miembros de la pareja saca a relucir sentimientos enfrentados: la lucha del protagonista masculino contra las convicciones tradicionales de su familia pakistaní, por un lado; y unos padres sobreprotectores que culpan de todos los males al novio de su hija, por el otro. Holly Hunter, Ray Romano, Anupam Kher y Zenobia Shroff interpretan a los cuatro progenitores, que cargan con gran parte de la comedia.

Nuevo relevo generacional

Precisamente esta comedia se deja ver poco a lo largo de la historia, gracias a un guion dramático de los de soltar una lágrima de vez en cuando. Al igual que en las relaciones reales, las risas se acaban cuando llegan los problemas. Y también, como en las discusiones sin libreto, nadie tiene toda la razón y quizás los malos no lo son tanto si descubres sus motivos.

Todo esto se adapta a la perfección con los nuevos tiempos de Uber, Tinder y ghosting. Imposible no pensar en esta cinta como un relevo generacional de películas de Judd Apatow (productor del filme) como Lío embarazoso, Hazme reír o Y de repente tú, que ya hicieron temblar los cimientos de la comedia romántica hace unos años.

Evidentemente, la película tiende a ser previsible y no hay nadie en la sala de cine que no se espere el final, pero… ¿a quién le importa? Con una trama que te mantiene en vilo, no solo logramos profundizar en la compleja personalidad de los protagonistas, también nos hacemos preguntas sobre las aparentemente insalvables diferencias culturales entre países, un tema que en EE UU está más candente que nunca y que este filme enfrenta sin miedo y con buenas dosis de humor.

Aclamada en festivales como Sundance o San Sebastián, La gran enfermedad del amor desarrolla el manido arquetipo de ‘chico conoce chica’ para crear una historia divertida, moderna y con la que se empatiza desde el primer minuto. Porque, ¿a quién no le ha pasado conocer a alguien, separarte y pelearte con tus suegros mientras te ganas la vida haciendo monólogos en Chicago?

Carlos Saura: «Estuve a punto de dejar de hacer películas por las malas críticas»

DANIEL G. APARICIO

  • Este viernes se estrena el documental 'Saura(s)', de Félix Viscarret.
  • En la película, a modo de homenaje, se dibuja la figura del director español Carlos Saura a través de conversaciones con sus hijos.
  • A sus 85 años, Saura no ha dejado de trabajar jamás.

Carlos Saura

Autor de clásicos como La caza, Cría cuervos y ¡Ay, carmela!, Carlos Saura es indiscutiblemente uno de los grandes directores de la historia de la cinematografía española. Ahora, gracias a otro cineasta, Félix Viscarret, el maestro es también el protagonista de un documental homenaje que llega este viernes a los cines. En Saura(s), Viscarret dibuja al aclamado realizador a través de charlas entre este y sus hijos (tiene siete de cuatro mujeres diferentes).

Saura asegura que ha disfrutado del proyecto y de charlar con sus hijos, con los que se lleva estupendamente. Aunque tiene 85 años, habla y se desenvuelve como si tuviera 25 menos. Sin embargo, se muestra inquieto cuando tiene que atender a la prensa y ve que, tras horas de hablar con periodistas, aún le quedan al menos cuatro entrevistas más. Viscarret comenta que la promoción es una parte importante, pero su veterano compañero no parece estar muy de acuerdo.

¿No está de acuerdo con Félix?
No. Lo que pasa es que él es muy educado. Es una persona que está preparando su futuro y tiene que quedar bien con los medios, porque si no el día mañana no le van a distribuir (risas). Yo daría cualquier cosa por no hacer nunca una entrevista ni ir nunca a ningún festival una vez que acabo una película. Me gustaría tener un productor que me dijera: "mira, vas a hacer una película al año y, una vez que la hagas, desapareces para ir preparando la siguiente".

Pero no puede negar que la prensa es importante.
Es verdad que, si te dicen que una película tuya ha gustado mucho, te pones muy contento. En cambio, si te dicen que es un desastre, que te han machacado, te puede destruir. Yo, cuando hice Cría cuervos, en España tuve las peores críticas que he tenido nunca. Me fui a Canadá, lo recuerdo perfectamente, con Geraldine, con la idea de que ya nunca más iba a hacer una película. Pero de repente la seleccionaron para el Festival de Cannes, le dieron un premio allí y ahora todo el mundo dice que es una obra maestra.

¿Qué conclusión sacó de eso?
En ese sentido he aprendido que, desgraciadamente, todo es muy volátil. La opinión de los críticos puede cambiar y, en un momento determinado, por lo que sea, se puede volver contra ti. Y en otros momentos se ponen a favor, nunca sabes por qué, es un misterio. Entonces tienes que estar a las buenas y a las malas, pero la única forma de estar a las buenas y a las malas es estar retirado, un poco fuera. Que hay una película que gusta, qué maravilla, qué suerte, pues estupendo. Que no gusta, ¿qué le vamos a hacer? No voy a dejar por eso de hacer cine, pero ya te digo que estuve a punto de hacerlo.

¿Ha aprendido a gestionar mejor las críticas?
Cortázar decía una cosa que siempre me ha parecido maravillosa: aprende de tus errores porque esa es tu verdadera personalidad. Es una idea muy bonita. Escribiendo es muy fácil, escribes algo y, si luego no te gusta, lo rompes y ya está. Pero es que al hacer una película estás tan implicado que tienes que correr pocos riesgos en lo posible, aunque siempre los hay, nunca sabes realmente cómo va a ir una película.

Hay una parte que es difícil de predecir, ¿no?
Cuando piensas que una película tuya va a ir al Festival de Cannes porque está perfecta para el festival, pues a lo mejor la rechazan. Me pasó con Ay, Carmela y con La caza. Y luego de repente otra es aceptada en Cannes o en Berlín y esto te da una posibilidad de que tenga una cierta prensa favorable, de que se mueva. Yo creo que no debe de estar uno muy pendiente de la crítica ni de lo que dicen los demás sino de lo que tienes que hacer tú. Es muy difícil, estás siempre presionado y eso hace que las críticas negativas te afecten muchísimo. Yo por eso prefiero no leerlas. Si es buena, te crees que eres un genio, qué bien, qué listo soy. Y si es mal, dices bah, la hemos fastidiado. Es mucho mejor estar en tu mundo.

¿Las críticas positivas hinchan mucho el ego?
Este (Viscarret) dice que soy un genio, pero no lo creo. No, pero con los años pasas por muchas etapas. De repente era una promesa: las primeras películas funcionaron muy bien, iban a los festivales… Después hubo una época en España tremenda en contra de lo que llamaban cine de autor. No sé quién lo promovió. En parte los cines catalanes. Decían que ya bastaba de cine de autor, que había que hacer un cine para el público, más fácil, que todo el mundo lo entendiera. Decían que el cine de Carlos Saura es un cine críptico –que no es verdad–, un cine simbólico, metafórico, que no entiende nadie. Es mentira porque, por ese camino, el cine de Buñuel, el de Bergman, ¿qué son? Esa etapa ha sido muy dura para mí, cuando los críticos estaban muy en contra de lo que yo hacía.

Pero esa etapa pasó.
Sí. Luego ha habido una especie de cambio a lo contrario. Desde hace unos años dicen que mi cine está bien, que es interesante, que sirve para que los jóvenes lo vean y puedan aprender las posibilidades de hacer un cine más creativo, más imaginativo, que es lo que yo he intentado siempre, no quedarnos solo con la epidermis de las cosas sino ir un poco más lejos. Por eso he hecho películas a veces muy en la tierra como Deprisa, deprisa o Los golfos, El séptimo día o La caza, y otras más imaginativas, que es el tema que más me interesa. Pero también de vez en cuando me gusta bajar a la tierra. Estoy hablando demasiado de mí, ¿no?

Lo que más se repite en el documental es que usted es un hombre al que le cuesta expresar sus emociones, ¿es cierto?
Lo que decía yo es que una cosa es hacer un documental y otra cosa es hacer Corazón, corazón. Una cosa son los sentimientos y otra cosa es el sentimentalismo. Félix va más bien ahí a rascar: "y bueno, ¿tu vida con tu mujer?". Y ahí ya no. Pero luego fue muy escrupuloso y no insistió demasiado. Se dio cuenta de que por ahí no había mucho que hacer y entonces fue por otro lado mucho más positivo y mucho más divertido y más bonito.

Otro tema que se repite mucho es la soledad, ¿tan importante es para usted?
Yo creo que sí, siempre lo he dicho. Yo creo que no se puede hacer nada si no trabajas en solitario. No puedes escribir, no puedes pintar. ¿Cómo va a pintar un pintor si está en una sala llena de gente? Puede hacer esquemas, dibujitos, pero si quiere hacer una obra seria tiene que aislarse. Y el escritor igual, puede escribir en un café, pero se aisla del café. Te puedes aislar de muchas maneras. Cuando digo soledad puede ser soledad compartida. Puede ser soledad con mucha gente y estar tú solo pensando en lo que tienes que hacer. Es necesario ese aislamiento más que soledad. Hay que aislarse.

La soledad tiene muy mala prensa, para muchos es casi una tragedia.
Eso es un error. Yo creo que no. Es verdad que la vida social tiene muchos alicientes. Ten en cuenta que, cuando yo hablo de soledad, no hablo de un eremita, no es eso. Yo hablo de la soledad cuando tienes que trabajar y hacer cosas. Luego ya pues viajas, te mueves, ves cosas, hablas con las personas… No es esa soledad absoluta de un místico. Yo no soy ningún místico, pero sí defiendo a muerte que para hacer algo serio en la vida te tienes que aislar, reflexionar sobre ti mismo, sobre lo que quieres hacer.

Es importante reflexionar de otra manera, de una manera constructiva y creativa, desde tu pasado si quieres, aprovechándolo para hacer una cosa diferente, no para hacer lo mismo, no para repetir lo que has hecho ya sino que te sirva un poco de pista para hacer algo nuevo. Muchas ideas surgen de cosas que has hablado con un amigo o que has leído en un periódico. Ese tipo de cosas no están reñidas con la soledad.

Otro de los pilares del documental y de su vida es la fotografía, y la pintura.
La fotografía en ese sentido es estupenda, más antes que ahora, pero ahora también. Tú haces una fotografía en cualquier sitio, en una calle, en una entrevista, en una guerra, pero luego a mí lo que me gusta es no abandonar la fotografía como tantos fotógrafos hacen. La dejan en manos de los periódicos o en manos de una revista y es otra persona la que selecciona las fotos. Eso me parece terrorífico.

A mí lo que me parece bonito es seguir la fotografía hasta el final. Yo tenía un laboratorio en mi casa donde revelaba y ampliaba las fotografías yo mismo. Ahora las paso por el ordenador, imprimo las que me gustan… Soy yo el que trabaja en las fotografías porque me parece que es una traición dejar el trabajo en manos de otras personas. Gran parte de ese trabajo fotográfico no es tuyo, está compartido con otra persona. En ese sentido volvemos otra vez al trabajo en solitario. Para hacer eso tienes que estar solo en tu casa con tu impresora, con tu ordenador, con tus negativos…

También repite mucho que no hay que mirar al pasado, casi como si le tuviera fobia.
No es eso. Uno es lo que es a través de la vida que ha tenido y, por lo tanto, huir de ese pasado es imposible. Ya estás en un momento de tu vida donde has dejado atrás un montón de cosas, un montón de recuerdos, de hijos –o no– , de cosas que has creado, de trabajos que has hecho, de viviencias, los países donde has estado… Pero claro, no puedes estar toda la vida pensando en eso. Mi argumento es que no puedes estar pensando continuamente en lo que has hecho en el pasado porque entonces no haces nada en el presente.

Pero ese pasado enriquece el presente.
Exacto. Hay que aprovechar todo eso de una manera a veces consciente y la mayoría de las veces inconsciente. De hecho, no nos damos cuenta y muchas veces nos repetimos a nosotros mismos sin darnos cuenta. Yo a veces he estado escribiendo y me doy cuenta de que es algo que he escrito ya y tengo que tirar para atrás. Es inevitable que aparezcan cosas del pasado, pero lo importante es estar en el presente, trabajar en el presente teniendo en cuenta que hay un pasado que es pasado –la palabra es muy bonita–. En eso la fotografía es mágica.

¿A qué se refiere?
Ahora con las cámaras digitales, en el momento en el que haces una fotografía, cuando disparas, lo que tienes ya es el pasado, que es terrorífico, ¿no? Si te pones a pensarlo, incluso desde el punto de vista metafísico, nunca el hombre ha tenido la posibilidad de tener el pasado de inmediato, ahí mismo, en la mano. Lo cual es una tragedia, igual mañana te atropella un coche y ya no existes. La acumulación de cosas que has vivido es tal, es una cantidad tan enorme que, si tú quisieses escribir una autobiografía exacta deberías escribir cada día todo lo que te ha pasado. Es imposible, entonces haces un resumen de las cosas que te convienen decir. No vas a decir las cosas que no te convienen, sería una tontería. Bueno, a veces puedes ir también al lado negativo. Me enrollo mucho, ¿verdad?

Sergio G. Sánchez y J.A. Bayona: «‘Marrowbone’ es como un puzle para los espectadores»

DANIEL G. APARICIO

  • Este viernes 27 de octubre se estrena 'El secreto de Marrowbone'.
  • Juan Antonio Bayona es el productor ejecutivo de este filme, primer largometraje de Sergio G. Sánchez, guionista de 'El orfanato' y 'Lo imposible.
  • Ambos han hablado con '20minutos' sobre este nuevo proyecto juntos.

Sergio G. Sánchez y Juan Antonio Bayona

El nombre de Sergio G. Sánchez está íntimamente ligado al de Juan Antonio Bayona. Aunque ha dirigido varios cortos, su carrera adquirió una verdadera visibilidad como guionista de El orfanato y Lo imposible. Ahora, Sánchez y Bayona cambian posiciones y este se convierte en productor ejecutivo del primer largometraje de su amigo como director, El secreto de Marrowbone, una película de suspense con toques de terror protagonizada por cuatro jóvenes hermanos.

¿Cuándo comenzó su relación?
Sergio G. Sánchez: Creo que fue el año 2001. Yo estaba paseando por festivales un cortometraje y conocí a J en un certamen de cortos en Alcudia, en Baleares. Él vio mi corto y luego coincidimos en una comida. Yo estaba hablando con alguien sobre la música de John Williams y él levantó las orejas desde el otro lado de la mesa y vino y empezamos a hablar. A raíz de ahí empezamos a intercambiar recomendaciones, a hablar y, poco a poco, cogimos la confianza para trabajar juntos en lo que terminó siendo El orfanato.

¿Cómo llega Bayona a producir Marrowbone?
Juan Antonio Bayona: Cuando hice El orfanato, Guillermo del Toro me dijo que ponía solo una condición para ser productor, que era que yo, si tenía la posibilidad en el futuro, apadrinase a otro director de la misma manera que él me estaba apadrinando a mí, y la opción natural fue Sergio. Yo a Sergio lo conocía ya como director de cine, porque aquel primer cortometraje suyo que vi me llamó mucho la atención, y cuando nos habló de la historia de El secreto de Marrowbone pensamos que era la oportunidad perfecta para debutar los dos, tanto él como director como yo como productor.

¿Qué diferencia ha notado entre dirigir un corto y dirigir un largo?
S.G.S.: Pues todo es mucho más fácil (risas). Digamos que en los cortos trabajas con amigos y familia.Los primero que yo hice eran muy, muy artesanales. Al lado de esto, en el largometraje he tenido un gran aparato de producción, todo un equipo que hacía que todo fuese muy fácil, y la verdad que lo disfruté muchísimo.

¿Guion o dirección?
S.G.S.: Disfruto mucho más la dirección. Escribir es un trabajo solitario que a mí se me hace casi siempre muy tortuoso hasta que llegas a tener el universo completo. Nunca me parece que esté bien del todo, siempre creo que hay algo que mejorar, y esta sensación de que hay un punto en el que tienes que abandonar, que luego retomas o reescribes en rodaje y luego una tercera vez en montaje… Para mí es mucho más placentero el trabajo en equipo que en solitario, con lo cual disfruto mucho más dirigiendo que escribiendo.

¿Cómo se crea la tensión en una película?
J.A.B.: No hay reglas a la hora de crear la tensión. Depende de la historia, que tiene que atraparte, engancharte. Tienes que sentir una empatía con los personajes protagonistas, sufrir con ellos. Es un trabajo difícil, porque realmente no hay una caja de herramientas a la que puedas recurrir, no es todo tan matemático.

El reparto es muy joven, ¿hay mucha diferencia respecto a trabajar con adultos?
S.G.S.: Yo creo que no depende de la edad, depende más de la entrega y del entusiasmo que tengan por la historia. Y ene ste caso, todos los actores de mi película venían en un momento precioso de sus carreras. Estaban empezando a trabajar y tenían muchísima ilusión por seguir creciendo y descubriendo cosas.

Fue muy bonito trabajar con todos ellos, hasta un punto en el que a veces me abrumaba porque todos tenían un nivel de exigencia altísimo y estaban muy impresionados de todo lo que teníamos dentro de la casa. La casa era ya tan creíble que querían que sus interpretaciones estuviesen a la altura. Y sobre todo lo más bonito es que ninguno de ellos estaba defendiendo su personaje individualmente o preocupados de su interpretación, todos estaban pensando en qué podían aportar para el global de la historia.

El rodaje fue en Asturias, pero se supone que transcurre en la América rural, ¿cómo se logra transmitir eso?
S.G.S.: Pues con mucho trabajo y con mucha planificación por parte de nuestro diseñador de producción. Yo quería rodar en una casa de verdad. Para mí era muy importante que la película respirase verdad todo el rato, poder moverme con la cámara dentro y fuera, utilizar luz natural. La historia es tan enrevesada que pensaba que necesitaba anclarlo en algo muy físico, muy real, tanto en las interpretaciones como en el set. Y bueno, básicamente encontramos una casa que era los suficientemnte grande para rodar y la forramos de madera y la decoramos, hicimos algunas reformas, hasta que ya tuvimos el Marrowbone que yo había soñado.

¿No temen que la campaña de marketing, que vende la película como si fuera de terror, confunda a los espectadores?
S.G.S.: Yo me he esforzado mucho en toda la prensa por explicar que es una película que sí que tiene componentes de terror y de suspense pero que transita por varios géneros. Empieza como una fábula, se convierte en un drama familiar, luego ya sí entra un elemento posiblemente sobrenatural… pero creo que uno de los atractivos de la película es precisamente la mezcla de géneros que lleva. Espero que eso sorprenda al público más que descolocarlo. Pero sí, efectivamente yo no pienso que sea una película de terror puro y duro.

J.A.B.: Después de haber asistido a unos cuantos pases ya con el público realmente hemos visto que la gente se mete mucho en la historia y sufre mucho con los personajes protagonistas y sale muy satisfecho de la sala. Esa es la sensación que queda, y luego que la película no sea una película de terror al cien por cien o no sea un drama realista al cien por cien, creo que es parte de lo que la hace tan especial. Es algo que ya nos pasó con El orfanato.

¿Reconoce algún tipo de infuencia en su trabajo?
S.G.S.: Sí, muchas. De pequeño era fanático del cine de suspense. Desde muy pronto era un tipo de cine que me estaba prohibido y por lo tanto me interesaba muchísimo más. Pero más que cinematográficas hay influencias literarias, porque yo tenía más acceso a libros que a películas de pequeño, novelas como Otra vuelta de tuerca, los cuentos de Edgar Allan Poe, los cuentos y las novelas de Shirley Jackson…

En el caso de El secreto de Marrowbone siempre tuve mucho cuidado en que la película tuviera varias lecturas. Puedes acercarte a ella por primera vez como un misterio y seguir la trama y completar el puzle, pero cuando la ves por segunda vez se transforma en otra cosa, es un retrato psicológico y la historia de amor cobra más peso en esa versión.

¿A quién le recomendarían el filme?
S.G.S.: Yo creo que es bastante para todos los públicos en el sentido más amplio. Puede ser especialmente interesante para el espectador que disfruta de componer un puzle, que le guste estar viendo una película no como un elemento pasivo sino estar todo el rato intentando configurar dónde encaja cada cosa. A quien le guste el cine de suspense, a quien le guste el cine clásico…

J.A.B.: Yo creo que es una película perfecta para aquel público que esté dispuesto a ser retado. Es una película que, cuando acaba, el público se enzarza en un debate, intentando atar los cabos y saber exactamente cómo es ese secreto, cómo está elaborado, que realmente es muy brillante, porque Sergio es un guionista muy obsesivo. Cuando uno ve por segunda vez la película se da cuenta de que todo está perfectamente meditado y tiene sentido.

¿Cómo ha logrado escaparse?, ¿no debería estar terminando Jurassic World 2?
J.A.B.: La suerte es que estamos haciendo Jurassic World en Londres, que está cerquita. Me voy escapando de vez en cuando. Y evidentemente tenía que estar aquí para el estreno de Marrowbone.

¿Tendrá toque Bayona?, ¿es posible introducir algo de personalidad a una franquicia tan mastodóntica?
J.A.B.: Hombre, yo espero que sí. Bueno, para empezar, yo creo que eso lo tienen que decir los demás. Está muy feo que uno lo diga de uno mismo, pero la gente que ya ha visto la película –tenemos un primer montaje ya– sí que los primeros comentarios han sido para señalarme que se notaba el estilo respecto a otras películas que he hecho antes.

El secreto de Marrowbone sí que parece tener claramente su toque.
J.A.B.: La cuestión no es si tiene toque Bayona. Lo que mucha gente va a descubrir que las películas que he hecho yo antes tienen un toque de Sergio. Realmente, cuando uno vea esta película, verá cosas de El orfanato, pero son cosas que ya estaban en el primer trabajo como director de cortos de Sergio. Había un cortometraje que se llama 73 37 que era la semilla de aquella peli. Yo creo que eso es quizá la riqueza de Sergio como director, que habiendo hecho tan pocas películas uno ve Marrowbone y puede ver cosas que ya estaban en sus cortos, en El orfanato o incluso en Lo imposible.

Pregunta obligada por actualidad, ¿usted era consciente de la existencia de acoso sexual en Hollywood?
J.A.B.: Yo realmente, todo lo que ha sucedido con Harvey Weinstein, todo lo que tiene que ver con los abusos sexuales, es algo que desconocía pero en la industria siempre se han hablado muchas historias alrededor de este hombre, de la manera autoritaria con la que él dirigía los proyectos donde estaba involucrado. Son historias que tú oyes, no sabes cuáles son verdad y cuáles son mentira. Yo creo que solo me he reunido una vez en una entrevista con él, fue después de El orfanato y nunca llegamos a colaborar. No soy la persona a la que preguntar porque, primero, tampoco estoy tan en contacto con la industria de Hollywood y porque las historias que han salido en la prensa realmente me han pillado por sorpresa.

¿Saben si en España han sucedido o suceden cosas parecidas?
S.G.S.: Me sorprende. Sí que lo veo de repente en comentarios de gente que conozco, por ejemplo Leticia Dolera, que está muy concienciada con el feminismo. Yo intento rodearme en la medida de lo posible de cuantas más mujeres mejor. En mi película tenemos un caso creo que bastante raro y especial en el que el pilar básico son dos mujeres. Creo que hay algo siempre muy interesante de intentar equilibrar los equipos y tener siempre esos dos puntos de vista. En mis equipos ha habido tantas mujeres que no lo he notado, que no quiere decir que no exista.

J.A.B.: Es cierto que en nuestras películas hay muchas mujeres, pero también es verdad que es una anomalía. Cuando tú te sientas en reuniones de trabajo, lo que ves por ahí es que realmente el número de mujeres trabajando es muy inferior al de los hombres, y eso es una anomalía que ha de ser corregida. Espero que este tipo de cosas que están saliendo ahora a la luz sirvan para que todos nos concienciemos un poquito y que se produzca una igualdad que estamos todos esperando.

S.G.S.: Lo que sí siento como algo esperanzador es que, cuando yo iba a la escuela de cine, el ratio de chicas contra chicos en la clase era muy bestia, a lo mejor había una o dos chicas por cada diez chicos. Y ahora, cuando me toca ir a una escuela de cine, a impartir una clase o a presentar una película, creo que ya empieza a equilibrarse. Espero que esta tendencia se consolide y dentro de poco haya tantas mujeres directoras como chicos.

J.A.B.: Sobre todo hay que establecer modelos. Es muy difícil para una chica decir "quiero ser directora de cine" si no hay oportunidades para las mujeres para dirigir cine. Yo creo que la gente vaya a ver esta película y lea que la productora es una mujer, que la directora de producción, que es la que organiza todo el equipo, es una mujer… es algo positivo, que haya más modelos para que realmente las chicas que están interesadas en hacer cine puedan querer ser como esas personas.

¿Se imaginan rodando una película sobre lo que está pasando en Cataluña?
S.G.S.: Como no sé lo que va a pasar en Cataluña, creo que no lo sabe nadie, pues ya veremos. Como te contaba antes, yo me crie en Asturias, luego me mudé a EE UU, he vivido en muchos países, en muchos sitios distintos y ahora he tenido la oportunidad de rodar una película en Asturias con reparto británico y equipo mayoritariamente catalán. Creo que el cine no tiene banderas y a mí me gustaría poder seguir trabajando con gente de todo el mundo. Creo que siempre en la mezcla está la riqueza.

J.A.B.: (Resopla) Pues realmente es muy complicado responder ahora mismo sobre lo que está sucediendo en Cataluña. La opinión que pueda dar yo es la de un ciudadano que simplemente está cansado, agotado, que sigue las cosas con preocupación y con rabia, con tristeza, y puede ser muy parecida a la de mucha gente que realmente lo que está esperando es que haya un paso atrás o un paso adelante de alguna de las dos partes y se decidan a hablar, a dialogar, que hagan política, que es la razón por la que les estamos pagando, y que realmente intente solucionar algo. L que está haciendo es cierto que afecta mucho a las vidas de los ciudadanos y esperamos de ellos, que son los que nos han metido en este lío, nos saquen de él.

Sergio G. Sánchez y J.A.. Bayona: «‘Marrowbone’ es como un puzle para los espectadores»

DANIEL G. APARICIO

  • Este viernes 27 de octubre se estrena 'El secreto de Marrowbone'.
  • Juan Antonio Bayona es el productor ejecutivo de este filme, primer largometraje de Sergio G. Sánchez, guionista de 'El orfanato' y 'Lo imposible.
  • Ambos han hablado con '20minutos' sobre este nuevo proyecto juntos.

Sergio G. Sánchez y Juan Antonio Bayona

El nombre de Sergio G. Sánchez está íntimamente ligado al de Juan Antonio Bayona. Aunque ha dirigido varios cortos, su carrera adquirió una verdadera visibilidad como guionista de El orfanato y Lo imposible. Ahora, Sánchez y Bayona cambian posiciones y este se convierte en productor ejecutivo del primer largometraje de su amigo como director, El secreto de Marrowbone, una película de suspense con toques de terror protagonizada por cuatro jóvenes hermanos.

¿Cuándo comenzó su relación?
Sergio G. Sánchez: Creo que fue el año 2001. Yo estaba paseando por festivales un cortometraje y conocí a J en un certamen de cortos en Alcudia, en Baleares. Él vio mi corto y luego coincidimos en una comida. Yo estaba hablando con alguien sobre la música de John Williams y él levantó las orejas desde el otro lado de la mesa y vino y empezamos a hablar. A raíz de ahí empezamos a intercambiar recomendaciones, a hablar y, poco a poco, cogimos la confianza para trabajar juntos en lo que terminó siendo El orfanato.

¿Cómo llega Bayona a producir Marrowbone?
Juan Antonio Bayona: Cuando hice El orfanato, Guillermo del Toro me dijo que ponía solo una condición para ser productor, que era que yo, si tenía la posibilidad en el futuro, apadrinase a otro director de la misma manera que él me estaba apadrinando a mí, y la opción natural fue Sergio. Yo a Sergio lo conocía ya como director de cine, porque aquel primer cortometraje suyo que vi me llamó mucho la atención, y cuando nos habló de la historia de El secreto de Marrowbone pensamos que era la oportunidad perfecta para debutar los dos, tanto él como director como yo como productor.

¿Qué diferencia ha notado entre dirigir un corto y dirigir un largo?
S.G.S.: Pues todo es mucho más fácil (risas). Digamos que en los cortos trabajas con amigos y familia.Los primero que yo hice eran muy, muy artesanales. Al lado de esto, en el largometraje he tenido un gran aparato de producción, todo un equipo que hacía que todo fuese muy fácil, y la verdad que lo disfruté muchísimo.

¿Guion o dirección?
S.G.S.: Disfruto mucho más la dirección. Escribir es un trabajo solitario que a mí se me hace casi siempre muy tortuoso hasta que llegas a tener el universo completo. Nunca me parece que esté bien del todo, siempre creo que hay algo que mejorar, y esta sensación de que hay un punto en el que tienes que abandonar, que luego retomas o reescribes en rodaje y luego una tercera vez en montaje… Para mí es mucho más placentero el trabajo en equipo que en solitario, con lo cual disfruto mucho más dirigiendo que escribiendo.

¿Cómo se crea la tensión en una película?
J.A.B.: No hay reglas a la hora de crear la tensión. Depende de la historia, que tiene que atraparte, engancharte. Tienes que sentir una empatía con los personajes protagonistas, sufrir con ellos. Es un trabajo difícil, porque realmente no hay una caja de herramientas a la que puedas recurrir, no es todo tan matemático.

El reparto es muy joven, ¿hay mucha diferencia respecto a trabajar con adultos?
S.G.S.: Yo creo que no depende de la edad, depende más de la entrega y del entusiasmo que tengan por la historia. Y ene ste caso, todos los actores de mi película venían en un momento precioso de sus carreras. Estaban empezando a trabajar y tenían muchísima ilusión por seguir creciendo y descubriendo cosas.

Fue muy bonito trabajar con todos ellos, hasta un punto en el que a veces me abrumaba porque todos tenían un nivel de exigencia altísimo y estaban muy impresionados de todo lo que teníamos dentro de la casa. La casa era ya tan creíble que querían que sus interpretaciones estuviesen a la altura. Y sobre todo lo más bonito es que ninguno de ellos estaba defendiendo su personaje individualmente o preocupados de su interpretación, todos estaban pensando en qué podían aportar para el global de la historia.

El rodaje fue en Asturias, pero se supone que transcurre en la América rural, ¿cómo se logra transmitir eso?
S.G.S.: Pues con mucho trabajo y con mucha planificación por parte de nuestro diseñador de producción. Yo quería rodar en una casa de verdad. Para mí era muy importante que la película respirase verdad todo el rato, poder moverme con la cámara dentro y fuera, utilizar luz natural. La historia es tan enrevesada que pensaba que necesitaba anclarlo en algo muy físico, muy real, tanto en las interpretaciones como en el set. Y bueno, básicamente encontramos una casa que era los suficientemnte grande para rodar y la forramos de madera y la decoramos, hicimos algunas reformas, hasta que ya tuvimos el Marrowbone que yo había soñado.

¿No temen que la campaña de marketing, que vende la película como si fuera de terror, confunda a los espectadores?
S.G.S.: Yo me he esforzado mucho en toda la prensa por explicar que es una película que sí que tiene componentes de terror y de suspense pero que transita por varios géneros. Empieza como una fábula, se convierte en un drama familiar, luego ya sí entra un elemento posiblemente sobrenatural… pero creo que uno de los atractivos de la película es precisamente la mezcla de géneros que lleva. Espero que eso sorprenda al público más que descolocarlo. Pero sí, efectivamente yo no pienso que sea una película de terror puro y duro.

J.A.B.: Después de haber asistido a unos cuantos pases ya con el público realmente hemos visto que la gente se mete mucho en la historia y sufre mucho con los personajes protagonistas y sale muy satisfecho de la sala. Esa es la sensación que queda, y luego que la película no sea una película de terror al cien por cien o no sea un drama realista al cien por cien, creo que es parte de lo que la hace tan especial. Es algo que ya nos pasó con El orfanato.

¿Reconoce algún tipo de infuencia en su trabajo?
S.G.S.: Sí, muchas. De pequeño era fanático del cine de suspense. Desde muy pronto era un tipo de cine que me estaba prohibido y por lo tanto me interesaba muchísimo más. Pero más que cinematográficas hay influencias literarias, porque yo tenía más acceso a libros que a películas de pequeño, novelas como Otra vuelta de tuerca, los cuentos de Edgar Allan Poe, los cuentos y las novelas de Shirley Jackson…

En el caso de El secreto de Marrowbone siempre tuve mucho cuidado en que la película tuviera varias lecturas. Puedes acercarte a ella por primera vez como un misterio y seguir la trama y completar el puzle, pero cuando la ves por segunda vez se transforma en otra cosa, es un retrato psicológico y la historia de amor cobra más peso en esa versión.

¿A quién le recomendarían el filme?
S.G.S.: Yo creo que es bastante para todos los públicos en el sentido más amplio. Puede ser especialmente interesante para el espectador que disfruta de componer un puzle, que le guste estar viendo una película no como un elemento pasivo sino estar todo el rato intentando configurar dónde encaja cada cosa. A quien le guste el cine de suspense, a quien le guste el cine clásico…

J.A.B.: Yo creo que es una película perfecta para aquel público que esté dispuesto a ser retado. Es una película que, cuando acaba, el público se enzarza en un debate, intentando atar los cabos y saber exactamente cómo es ese secreto, cómo está elaborado, que realmente es muy brillante, porque Sergio es un guionista muy obsesivo. Cuando uno ve por segunda vez la película se da cuenta de que todo está perfectamente meditado y tiene sentido.

¿Cómo ha logrado escaparse?, ¿no debería estar terminando Jurassic World 2?
J.A.B.: La suerte es que estamos haciendo Jurassic World en Londres, que está cerquita. Me voy escapando de vez en cuando. Y evidentemente tenía que estar aquí para el estreno de Marrowbone.

¿Tendrá toque Bayona?, ¿es posible introducir algo de personalidad a una franquicia tan mastodóntica?
J.A.B.: Hombre, yo espero que sí. Bueno, para empezar, yo creo que eso lo tienen que decir los demás. Está muy feo que uno lo diga de uno mismo, pero la gente que ya ha visto la película –tenemos un primer montaje ya– sí que los primeros comentarios han sido para señalarme que se notaba el estilo respecto a otras películas que he hecho antes.

El secreto de Marrowbone sí que parece tener claramente su toque.
J.A.B.: La cuestión no es si tiene toque Bayona. Lo que mucha gente va a descubrir que las películas que he hecho yo antes tienen un toque de Sergio. Realmente, cuando uno vea esta película, verá cosas de El orfanato, pero son cosas que ya estaban en el primer trabajo como director de cortos de Sergio. Había un cortometraje que se llama 73 37 que era la semilla de aquella peli. Yo creo que eso es quizá la riqueza de Sergio como director, que habiendo hecho tan pocas películas uno ve Marrowbone y puede ver cosas que ya estaban en sus cortos, en El orfanato o incluso en Lo imposible.

Pregunta obligada por actualidad, ¿usted era consciente de la existencia de acoso sexual en Hollywood?
J.A.B.: Yo realmente, todo lo que ha sucedido con Harvey Weinstein, todo lo que tiene que ver con los abusos sexuales, es algo que desconocía pero en la industria siempre se han hablado muchas historias alrededor de este hombre, de la manera autoritaria con la que él dirigía los proyectos donde estaba involucrado. Son historias que tú oyes, no sabes cuáles son verdad y cuáles son mentira. Yo creo que solo me he reunido una vez en una entrevista con él, fue después de El orfanato y nunca llegamos a colaborar. No soy la persona a la que preguntar porque, primero, tampoco estoy tan en contacto con la industria de Hollywood y porque las historias que han salido en la prensa realmente me han pillado por sorpresa.

¿Saben si en España han sucedido o suceden cosas parecidas?
S.G.S.: Me sorprende. Sí que lo veo de repente en comentarios de gente que conozco, por ejemplo Leticia Dolera, que está muy concienciada con el feminismo. Yo intento rodearme en la medida de lo posible de cuantas más mujeres mejor. En mi película tenemos un caso creo que bastante raro y especial en el que el pilar básico son dos mujeres. Creo que hay algo siempre muy interesante de intentar equilibrar los equipos y tener siempre esos dos puntos de vista. En mis equipos ha habido tantas mujeres que no lo he notado, que no quiere decir que no exista.

J.A.B.: Es cierto que en nuestras películas hay muchas mujeres, pero también es verdad que es una anomalía. Cuando tú te sientas en reuniones de trabajo, lo que ves por ahí es que realmente el número de mujeres trabajando es muy inferior al de los hombres, y eso es una anomalía que ha de ser corregida. Espero que este tipo de cosas que están saliendo ahora a la luz sirvan para que todos nos concienciemos un poquito y que se produzca una igualdad que estamos todos esperando.

S.G.S.: Lo que sí siento como algo esperanzador es que, cuando yo iba a la escuela de cine, el ratio de chicas contra chicos en la clase era muy bestia, a lo mejor había una o dos chicas por cada diez chicos. Y ahora, cuando me toca ir a una escuela de cine, a impartir una clase o a presentar una película, creo que ya empieza a equilibrarse. Espero que esta tendencia se consolide y dentro de poco haya tantas mujeres directoras como chicos.

J.A.B.: Sobre todo hay que establecer modelos. Es muy difícil para una chica decir "quiero ser directora de cine" si no hay oportunidades para las mujeres para dirigir cine. Yo creo que la gente vaya a ver esta película y lea que la productora es una mujer, que la directora de producción, que es la que organiza todo el equipo, es una mujer… es algo positivo, que haya más modelos para que realmente las chicas que están interesadas en hacer cine puedan querer ser como esas personas.

¿Se imaginan rodando una película sobre lo que está pasando en Cataluña?
S.G.S.: Como no sé lo que va a pasar en Cataluña, creo que no lo sabe nadie, pues ya veremos. Como te contaba antes, yo me crie en Asturias, luego me mudé a EE UU, he vivido en muchos países, en muchos sitios distintos y ahora he tenido la oportunidad de rodar una película en Asturias con reparto británico y equipo mayoritariamente catalán. Creo que el cine no tiene banderas y a mí me gustaría poder seguir trabajando con gente de todo el mundo. Creo que siempre en la mezcla está la riqueza.

J.A.B.: (Resopla) Pues realmente es muy complicado responder ahora mismo sobre lo que está sucediendo en Cataluña. La opinión que pueda dar yo es la de un ciudadano que simplemente está cansado, agotado, que sigue las cosas con preocupación y con rabia, con tristeza, y puede ser muy parecida a la de mucha gente que realmente lo que está esperando es que haya un paso atrás o un paso adelante de alguna de las dos partes y se decidan a hablar, a dialogar, que hagan política, que es la razón por la que les estamos pagando, y que realmente intente solucionar algo. L que está haciendo es cierto que afecta mucho a las vidas de los ciudadanos y esperamos de ellos, que son los que nos han metido en este lío, nos saquen de él.

El Sonorama, premio a mejor festival de gran formato 2017

EFE

  • El rapero Kaseo y Franz Ferdinand han sido también galardonados.
  • La Mar de Música se ha llevado otro de los reconocimientos.

Festival Sonorama

La IV edición de los Premios Fest ha galardonado en Bilbao al Sonorama Ribera como mejor festival de gran formato, mientras que el rapero Kase.O y el grupo indie Franz Ferdinand han conseguido los premios a mejor directo nacional e internacional, respectivamente.

Además del Sonorama de Aranda de Duero (Burgos), el Azkena Rock Festival de Vitoria ha conseguido el premio al mejor festival en mediano formato y La Mar de Músicas, de Cartagena, ha logrado el galardón al mejor festival de pequeño formato.

Los festivales de metal y punk Download Festival de Madrid, y Resurrection Fest de Viviero (Lugo) han sido galardonados como festival más sostenible y mejor zona de acampada, respectivamente.

Por su parte, los festivales bilbaínos BBK Live y BIME han conseguido los premios a mejor campaña de comunicación y a festival más tecnológico.

Liam Gallagher vuelve a España en febrero con conciertos en Madrid y Barcelona

20MINUTOS.ES

  • El cantante estará el 23 de febrero en La Riviera y el 24 en Razzmatazz.
  • Las entradas saldrán a la venta el viernes 20 de octubre.
  • El nuevo disco de Gallagher ha vendido más de 100.000 copias en el Reino Unido.

LIAM GALLAGHER

El excomponente de Oasis Liam Gallagher continúa con la gira de su último disco, As You Were, que ha publicado hace solo unos días. Su promotora ha confirmado este miércoles que el cantante volverá a nuestro país en febrero.

Gallagher estará el 23 de febrero en La Riviera de Madrid y el 24 de febrero en la sala Razzmatazz de Barcelona. Las entradas saldrán a la venta el viernes 20 de octubre a las 10.00 horas en www.livenation.es y www.ticketmaster.es.

La promotora destaca en el comunicado que el nuevo álbum del británico ha vendido más de 105.000 copias en el Reino Unido, además de ser el disco más reproducido en las plataformas de streaming.

Gallagher ya vino a España el pasado verano con dos conciertos en los festivales FIB y DCODE.

¡Ponte las gafas!, la nueva mirada del cine a través de la realidad virtual

CARLES RULL

  • El Festival de Sitges ha dedicado, por primera vez, una sección competitiva a los cortos en realidad virtual (VR).
  • En la Samsung Sitges Coocon se pueden ver piezas sobre 'It', 'El ministerio del tiempo,' 'Annabelle' o 'Campfire Creepers', la primera serie pensada para VR.

Campfire Creepers en realidad virtual

Películas en realidad virtual (VR), cine inmersivo, experiencias en 360 grados. Conceptos de los que cada vez se oye hablar más y que en el Festival de Sitges, al igual que recientemente en Venecia, están potenciando en su programación. Desde fuera, vemos a un espectador con unas aparatosas gafas en un sillón giratorio. Su cabeza gira hacia la derecha, a la izquierda, arriba y abajo, hacia atrás o un leve impulso hacia adelante. De vez en cuando su cuerpo se mueve dando toda una vuelta, o casi, mientras permanece sentado. A veces algún movimiento brusco, ¿de sorpresa? ¿de miedo?

Uno desea realmente llegar a ponerse esas gafas, unas Samsung Gear VR conectadas a un smartphone, y vivir esas sensaciones, experimentar de primera mano lo que se ve ante esa curiosa pantalla o artilugio. De momento las piezas son cortas, de 5, 10 o 15 minutos de duración. Te acomodas en el sillón, te colocas un antifaz higiénico, luego las gafas y después los auriculares. Mejor tener controlada ruedecilla por la que se puede graduar el enfoque de la imagen y el dispositivo que regula el volumen. Todo a punto. En la pantalla en negro aparece un panel con el play, la pausa, para dar marcha atrás o adelante. Dirigimos nuestra mirada hacia "play" y con el dedo índice de la mano derecha le damos a un botón. Empieza el espectáculo.

Muy probablemente nunca olvidaremos, por el carácter pionero de la experiencia, la primera escena que visualicemos. Puede ser una habitación a oscuras, puede que nos encontremos en medio de un bosque o dentro de un tabique a punto de ser derribado por unos albañiles. Este tercero sería, por ejemplo, el caso de Talismán, el corto de diez minutos que ha realizado Carlos Theron (Es por tu bien) entorno a la maldición que se oculta entre las cuatro paredes de una habitación. "Quería rodar una historia para aquel espectador que se acercara por primera vez a ver una obra en realidad virtual", explicaba el director en Sitges.

Berto Romero es uno de los protagonistas. "Se trata de una interpretación más parecida a la del teatro, con la acción rodada seguida y sin cortes. Requiere de muchos ensayos. Y el director tiene que ser como un mago, intentando captar tu mirada hacia el punto de atención principal". Puede ser un ruido, una nueva fuente de luz, una voz, dejando objetos delante mismo de tus narices; sin embargo es siempre el espectador quien tiene la libertad de elegir hacia donde mirar.

"El cine deja de ser frontal. Suceden cosas por todas partes, y a mí ya se me están ocurriendo un montón de ideas", comentaba el director Jaume Balagueró, uno de los integrantes del jurado Samsung Sitges Cocoon dedicado a las piezas, más de veinte, en competición en esta edición de Sitges. Una sección propia y exclusiva, como ya se hizo recientemente en Venecia. El cine VR empieza a tomarse en serio en los certámenes cinematográficos.

Los cortos galardonados en Sitges fueron Knives, de Adam Cosco, como mejor película; una mención para Ray, de Rafael Pavón; y Alteration, de Jérôme Blanquet logró el premio del público. Además, el director francés Alexandre Aja presentó el primer episodio de lo que será una serie , la primera realizada en VR, Campfire Creepers.

'Campfire Creepers': pesadillas en primera persona

"Cada episodio será independiente y empezará con unos niños alrededor de una hoguera en un bosque, cada uno contando una historia de terror", nos avanzaba el mismo director. Alexandre Aja ya probó en 2011 las más innovadoras técnicas en 3D con una sangrienta secuela de Piraña. "Para mí el cine siempre había sido en cinemascope. Tenerlo todo en 360º es algo como más personal. La posición de la cámara, los planos, es como un juego". Para este primer episodio, Campfire Creepers: The Skull of Sam, utilizó 10 pequeñas cámaras, instaladas juntas, en círculo y para grabar todo el espacio. El protagonista es Robert Englund, el inolvidable Freddy Krueger y que en esta ocasión encarna a un despiadado coleccionista de calaveras humanas. El estreno está previsto para este próximo Halloween.

El espectador va adquiriendo distintos puntos de vista, como mero espectador o desde la perspectiva de una de las indefensas víctimas o con Englund hablándote fijamente. "Robert no será el protagonista de todos los episodios, pero sí que estamos pensando la manera en que su personaje regrese en algún otro", nos responde Aja. La fuente de inspiración son series de relatos cortos también de terror y fantasía como Creepshow o Historias desde la cripta (Tales from the Crypt).

El cine en realidad virtual acaba de dar sus primeros pasos. Aún queda por mejorar, la nitidez de la imagen o la calidad del sonido. Es una experiencia similar a la de las antiguas linternas mágicas con secuencias de imágenes que al moverlas, de manera circular o continua, creaban la sensación de movimiento. Una atracción tal vez aún de barraca de feria, pero que sin duda irá ganando terreno. Quizá tampoco llegue a ser realmente cine, sino otro tipo de arte o entretenimiento. También encontrará una gran aplicación en los videojuegos, por no hablar de los que ya piensan en sus posibilidades en el campo de los eventos deportivos o… en el porno. Todo en 3D, inmersivo y en 360 grados. De momento disponible solo en festivales, en algún centro comercial o en las pocas salas especializadas que empiezan a abrirse.

En el Festival de Cine Europeo de Sevilla se verán 200 películas

EFE

  • El festival se celebrará del 3 al 11 de noviembre en Sevilla.
  • En él participan 200 películas españolas y europeas.
  • Acogerá la presentación mundial de Oro, de Agustín Díaz Yanes.

Cartel del XIV Festival de CIne Europea de Sevilla

El Festival de Cine Europeo de Sevilla, que se celebrará del 3 al 11 de noviembre, mostrará más de 200 títulos, 20 estrenos mundiales y 185 nacionales en más de 400 proyecciones, una apuesta por "consolidar" el cine de autor europeo que acogerá el estreno mundial de Oro, de Agustín Díaz Yanes.

La XIV edición cuenta con un presupuesto de algo más de un millón de euros, el mismo que hace cinco años, y "se consolida" como punto de encuentro del cine europeo de autor con la presencia de 32 países y casi un centenar de directores, según José Luis Cienfuegos, director del festival. "Hay una destacada presencia de producciones reconocidas en festivales de todo el mundo y muchas obras españolas del carácter más heterodoxo", ha subrayado.

Otro de los atractivos de la cita será, el martes 7 de noviembre, la presentación mundial de Oro, de Agustín Díaz Yanes, un relato breve de Arturo Pérez Reverte que cuenta en esta superproducción española la aventura de hombres como Lope de Aguirre o Núñez de Balboa en busca de fortuna por la selva amazónica.

Al estreno asistirá su equipo artístico compuesto por actores como José Coronado, Raúl Arévalo, Bárbara Lennie, Óscar Jaenada y Antonio Dechen, que pasarán por la alfombra roja del Teatro Lope de Vega de Sevilla.

Películas a concurso

En la sección oficial a concurso, 16 películas competirán por el Giraldillo de Oro, entre ellas A Ciambra, de Jonas Carpignano, que cuenta con Martin Scorsese como productor ejecutivo, o A Violet Life, segunda película de Thierry de Peretti, que analiza el movimiento independentista de Córcega.

A esta se suman Little Crusader, del checo Václav Kadrnka; Ramiro, del portugués Manual Mozos; Winter Brother, la ópera prima del islandés Hlynur Palmason; El mar nos mira de lejos, de Manuel Muñoz Rivas; Tierra de Dios, de Francis Lee; o Tierra firme, de Carlos Marqués-Marcet, que inaugura el festival.

Los cineastas acompañarán y presentarán sus propias obras en la muestra, para lo que hay previstos 160 encuentros con el público en coloquios, presentaciones, clases magistrales o seminarios, ha explicado Cienfuegos.

Repetir las cifras de espectadores

El objetivo de este año es repetir las cifras de participación de la edición anterior (unos 75.000 espectadores y unos 100.000 participantes en distintos eventos o seminarios) y acogerá la visita de intérpretes como Geraldine y Oona Chaplin, Karol Roden, Berto Romero, Mario Casas, Juan Diego y Ruth Díaz.

En esta edición, según la organización, está previsto un homenaje a la actriz Kiti Manver y la concesión de dos Giraldillos de Honor a personas del séptimo arte cuyos nombres no han sido desvelados. En la apuesta por un cine que propone nuevos lenguajes, 19 películas integran la sección Nuevas Olas, una de las señas de identidad del festival, mientras la de Nuevas Olas no ficción ofrecerá nueve títulos de estreno.

Unos 10.000 jóvenes han solicitado, por otra parte, participar en la sección Europa Júnior y Cinéfilos del Futuro, centrada en las audiencias más jóvenes, que acogerá el estreno de El malvado Zorro Feroz, un éxito de animación de los creadores de Ernest y Celestine, nominada al Óscar como Mejor Película de Animación y Premio César.

Josele Santiago: «Mi discurso nunca había sido tan apocalíptico»

DIEGO G. MORENO

  • El líder de Los Enemigos presenta nuevo disco, 'Transilvania'.
  • "El planeta se va a la mierda y a nadie parece importarle", denuncia.
  • "¿Cómo va a salir adelante una banda joven si pagan por dar un concierto?", apunta.

Josele Santiago

Con media vida dedicada a la música, Josele Santiago (Madrid, 1965) continúa su carrera en solitario –una vez pasada la reunión con su exbanda Los Enemigos– con nuevo disco, Transilvania (Altafonte), un álbum cargado de cinismo en el que habla sobre los males de la sociedad actual.

Han pasado 6 años desde su último disco…
Para mí es un trabajo muy esperado, no sé si para la gente, aunque tampoco ha pasado tanto tiempo por el disco que hicimos Los Enemigos en 2014. Cuando decidimos que íbamos a grabar ese álbum, me pilló componiendo uno en solitario, así que utilicé los temas con la banda. Por eso después tuve que escribir desde cero más canciones para Transilvania.

¿Desecha muchas canciones cuando compone?
Claro, pero no tanto canciones terminadas, sino caminos en los que al principio ves potencial pero luego te das cuenta de que no lo tienen. He llenado muchas papeleras de bocetos.

El ambiente que rodea este álbum es muy pesimista.¿Ve con ese sentimiento a la sociedad?
Sí, personalmente estoy en un momento muy bueno, pero lo que veo muy chungo es lo que me rodea. El planeta, de hecho, se está yendo a la mierda y a nadie parece importarle. Mi discurso nunca ha sido para tirar cohetes, pero no había sido tan apocalíptico ninguna vez.

¿Qué es lo que ve que no le gusta?
Es un problema global. La desigualdad es cada vez mayor, la naturaleza… Y luego encima dicen que nunca hemos estado mejor. Yo alucino. En el disco aparecen temas como la pederastia o el problema ecológico. De ahí el nombre de Transilvania, el mal está muy presente actualmente.

Está bien que haya música para olvidar los problemas, pero yo siempre he sido más puñetero, de poner el dedo en la llaga. Los letristas que me han influido eran así.

¿Poner el dedo en la llaga le ha granjeado muchas enemistades?
Que yo sepa no, de momento, pero sí que es verdad que el tipo de letras que hago no son mucho de festivales, igual por eso no me llaman… No tengo ni idea. Una de mis principales influencias es el punk, esa música es puñetera y la mía me gusta que sea así. Quiero cuestionar la realidad que nos ofrecen la publicidad y los medios. Todos deberíamos hacerlo.

¿Qué supuso el reencuentro con Los Enemigos para usted?
Fundamentalmente la reunión me sirvió como guitarrista, ese papel lo tenía un poco abandonado, para rockear más. Tenía muchas ganas porque en mis primeros discos estaba obsesionado con los sonidos naturales, el directo riguroso… Ahora ya no tanto. Creo que me pasé un poco de purista en esa época.

¿Cómo ha visto el cambio en el panorama musical en los últimos años?
Me preocupa bastante. Una cosa es que las instituciones pongan trabas a la música, pero ahora incluso las salas te cobran por tocar, es el colmo. ¿Cómo va a salir adelante una banda joven si pagan por dar un concierto? Es imposible. Es muchísimo más difícil que cuando empecé.

¿Las bandas tenían más oportunidades con las casas de discos?
Claro, de hecho en multinacionales ya no estamos casi nadie, tenemos que estar al margen porque las discográficas, salvo excepciones, han perdido el norte.

La 62ª Seminci mostrará en Spanish Cinema a una nueva generación de directores

EFE

  • El festival de cine de Valladolid presentará algunas película estrenadas este año, como 'Verano 1993'.
  • En esta 62ª edición participarán 13 filmes.
  • La semana del evento se celebra entre el 21 y el 28 de octubre.

Verano 1993

La sección Spanish Cinema del festival de cine de Valladolid, no competitiva y compuesta de películas estrenadas en el último año, mostrará los primeros y segundos trabajos de algunos miembros de la nueva generación de directores, entre ellos Verano 1993, que representará a España en los Óscar.

Los organizadores de la 62ª Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci), que se celebrará del 21 al 28 de octubre, han elegido trece largometrajes para esa sección, de ellos seis óperas primas.

Son los casos de Elena Martín (Julia Ist), Kurro González (La madriguera), David Macián (La mano invisible), Lino Escalera (No sé decir adiós), Eduardo Casanova (Pieles) y Carla Simón (Verano 1993).

Todos ellos compartirán sección con las segundas películas de Chico Pereira (Donkeyote), Giovanna Ribes (La familia) y Óliver Laxe (Mimosas), y los terceros de Pedro Aguilera (Demonios tus ojos), Víctor García León (Selfie).

Los dos filmes restantes corresponde a los últimos títulos de tres realizadores veteranos como son Agustí Villaronga (Incierta Gloria) y Albert Serra (La muerte de Luis XIV).

Entre los criterios de selección han figurado el impacto de las películas dentro de la crítica, su reflejo en taquilla y su recorrido en festivales nacionales e internacionales, según fuentes de la organización.

Russian Red suspende su gira en España prevista para finales de este año

EUROPA PRESS

  • El Gobierno de Cantabria ha informado de la cancelación por el concierto del 17 de noviembre en el Palacio de Festivales de Santander.
  • Se desconocen por ahora las causas de la suspensión de la gira.
  • El recinto devolverá el importe de las entradas.

Russian Red

Russian Red ha suspendido la gira que iba realizar por distintas capitales españolas en los próximos meses, según ha informado el Gobierno de Cantabria.

Dicha suspensión afecta a la actuación prevista para el próximo viernes día 17 de noviembre dentro de la nueva programación del Palacio de Festivales de Santander. Los poseedores de las localidades para este concierto podrán recuperar el importe de las mismas a partir de mañana miércoles 27.

El Palacio de Festivales solamente devolverá el importe de las localidades adquiridas en su taquilla de venta anticipada en el horario de martes a sábado, de 11.00 a 13.00 y de 17.00 a 20.00 horas.

El Palacio de Festivales quiere expresar sus disculpas por los problemas que hubiera causado esta cancelación, totalmente ajena a su organización.

Bely Basarte presenta nueva canción y videoclip: ‘No te quiero ver llorar’

20MINUTOS.ES

  • Su nuevo 'single' ya está disponible en las principales plataformas digitales.
  • La joven cantante acumula más de 50 millones de visitas en todos sus vídeos y más de 400.000 seguidores en su canal de YouTube.

'No te quiero ver llorar', el nuevo tema de Bely Basarte.

La cantante Bely Basarte continúa su línea natural y se atreve esta vez con un ritmo pop cercano al r&b con su nuevo tema No te quiero ver llorar, ya disponible en las principales plataformas digitales.

"La cadencia de su ritmo y su letra nos transportan a ese viaje que todos quisiéramos realizar cuando sentimos que nuestra vida cambia de ciclo, cuando queremos gritarle al mundo que ansiamos nuevas experiencias", así describe Universal Music lo último de esta joven madrileña.

La cantante se dio a conocer a través de su propio canal de YouTube, que ya cuenta con más de 400.000 suscriptores y en el que publica cada viernes a las 15.00 horas algún vídeo con covers, vlogs y temas propios que ya han reunido más de 50 millones de visitas entre todos.

En 2015 lanzó su primer trabajo con el EP Si quieres, pierdes, top ventas en las listas el mismo día de su lanzamiento. Justo después fue el turno de Diciembre y no estás, con el que se abrió al público de México, EE UU y Argentina.

Este año fue elegida para ponerle voz al personaje de Bella en la exitosa película La Bella y la Bestia -con Emma Watson-. Tras esto, se sucedieron las actuaciones en festivales como Arenal Music Festival y Universal Music Festival o los escenarios de Casa Corona.