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El Contempopránea homenajeará a Lori Meyers por su 20 cumpleaños

EFE

  • El festival se celebrará los días 19, 20 y 21 de junio en Badajoz.
  • El grupo granadino cumple dos décadas y el viernes subirá al escenario.

LORI MEYERS

Un total de 23 bandas forman parte del cartel del Festival Contempopránea, de Alburquerque (Badajoz), un "marco delicatesen" para la música independiente que, en su vigésimo tercera edición, homenajeará a la banda granadina Lori Meyers, que este año celebra su 20 cumpleaños.

Al igual que ocurrió el año pasado, en el que se homenajeó a Los Planetas, en esta nueva edición, cada uno de los grupos que se suban a los escenarios del festival, versionarán una canción de la banda homenajeada.

Además, el festival, que se celebra los días 19, 20 y 21 de junio, ha organizado el concurso Alta Fidelidad, de versiones de Lori Meyers, en el que han participado 42 grupos de toda España y por el cual la banda ganadora, Arista Fiera, actuará el sábado en el escenario principal.

El primero de los tres días se celebrará la fiesta de bienvenida, en la que actuarán The Yellow Melodies, Nadie Canta, Man Pop DJ y los montijanos Subterráneos.

El viernes, en el escenario principal, será el turno de los homenajeados Lori Meyers, La Habitación Roja, Miranda! y Los Punsetes, mientras que el sábado será el turno para Izal, Dorian, Zoé, La Bien Querida, Varry Brava y los cacereños Fonal, entre otros.

Asimismo, tanto viernes como sábado, a las actuaciones del escenario principal se sumarán otras tres por día, en un escenario colocado en la piscina municipal y con entrada gratuita.

El director del festival, Agustín Fuentes, ha asegurado que, en esta nueva edición, se ha conseguido confeccionar una programación "muy atractiva", en la que se mezclan "dos grandes cabezas de cartel con las más destacadas formaciones de la escena independiente".

Así, ha dicho que esta mezcla hace del festival un "escenario idóneo para que las bandas sean vistas y crezcan" y, por ello, cuando estas formaciones se consolidan años después, "quieren volver a las laderas de Alburquerque en las que dieron sus primeros pasos".

También ha subrayado que, a pesar de que actualmente en España hay cientos de festivales, el de Alburquerque "sigue siendo uno de los cinco eventos españoles mejor valorados" y ha apuntado que el mismo es "un marco delicatesen, solo para 3.000 espectadores".

Eduardo Chapero-Jackson: «El cine ha cambiado el mundo por la empatía»

NOELIA MURILLO

Eduardo Chapero-Jackson

Eduardo Chapero- Jackson, cineasta español considerado de culto, será homenajeado este viernes con motivo de la 20ª edición de la Semana del Cortometraje de la Comunidad de Madrid (9-15 de abril), donde Rumanía es el país invitado de honor.

Para recordar sus trabajos, serán proyectados los cortometrajes que forman parte de su trilogía A Contraluz, uno de los últimos videoclips de De la Purissima. Además, el director estrenará tres minutos de su nuevo trabajo.

Entrevistamos al realizador para desgranar sus inquietudes sobre el cine y la historia de la gran pantalla.

Una vez pasado cierto tiempo, se espera con ansias que un director presente algún trabajo, algo que también ocurre en la música. ¿Cree que en cierta manera no se respetan los tiempos que requiere el cine?

Generalmente no se conocen las dificultades que tiene el cine. Por ejemplo, yo iba a rodar hace dos años y medio una película que ya tenía la subvención necesaria para llevarla adelante y a tres meses del rodaje, se cayó. Quebró una de las empresas que iba a financiar y eso generó un efecto dominó, que es lo que suele pasar en esta profesión.

¿Y qué va a pasar con ese proyecto? ¿Se quedará ahí estancado?

Veremos si podemos ponerlo en marcha, está en un limbo. Se llama El séptimo sueño y es una especie de ficción y documental sobre las grandes películas de la historia que nunca se llegaron a hacer. De hecho, llegué a cartearme con Bertolucci, que es un gran amante de la poesía de Antonio Machado. Es curioso cómo esta película tampoco se hizo, cómo comparte ese destino misterioso con las siete películas a la que iba dedicada. Demuestra una vez más cómo en la vida los sueños no se cumplen.

Uno de sus últimos trabajos fue el videoclip de 'José Alfredo', del grupo De La Purissima. ¿Cómo fue ponerle imágenes a esa fusión de jazz y cuplé?

Julia de Castro, vocalista del grupo, es amiga mía desde hace tiempo y me apetecía mucho hacerle un homenaje a La Movida, recuperando artistas que han tenido poco renombre en los últimos años, a pesar de haber sido clave en ese momento. Fue un momento muy escitante de nuestra cultura y creo que se puede mantener más vivo de lo que se está haciendo ahora. Trabajar con Bárbara Lennie fue una pasada y creo el maridaje de imágenes y sonidos dice muchas cosas. Hay dos versiones de ese trabajo. Tienes que ver la larga, la otra no dice todo lo que estoy contando ahora.

De tres minutos y medio a 20 hay un buen paso. ¿Se ha sentido limitado en alguna ocasión por el tiempo?

Hay festivales de cine que ponen una duración máxima y eso corta un poco pero, por ejemplo, el de Brest (Francia) festeja mucho el mediometraje, con piezas de 40 minutos que se quedan un poco en tierra de nadie. Reconozco que tuve una experiencia extraña con los límites del tiempo y con uno de mis tres cortos. Los dos primeros, Contracuerpo y Alumbramiento, son bastante estándar, de unos 15 minutos. Pero me arrepiento de no haber hecho un largo con The End. La historia surgió por un premio que me dieron en Almería, que había que rodar allí un wéstern, tenía en mente el tema del agua, era el año del agua en Zaragoza… fue un conjunto de cosas que me hizo pensar que podría haber sido mejor dejarlo en largo.

A pesar de que el dolor es una tema que se intenta evitar, profundiza mucho en los tres trabajos que forman 'A Contraluz'. ¿Qué le hizo pensar que estas ideas encajaban bien en cortometrajes?

Es curioso cómo en el largometraje, los directores entran en una preocupación de puntos de giro, o sea, rizar el rizo tanto que lo que hacen es justo lo contrario: empachan y saturan. Con eso se pierde cierta profundidad. lo bello del corto es esa libertad absoluta que te puede dar como herramienta para investigar cosas y el reto de la síntesis. No creo que mi primera película pudiera haber sido de alguien miréndose, hubiera sido muy difícil levantar eso. La gente no va a pagar para pasarlo mal siendo un primer director.

Está considerado como director de cine de culto. ¿Qué piensa sobre eso?

Para cualquier cineasta, es una palabra genial. Más que el éxito que puedan tener unos cortos, demuestra que años después también encajan, es decir, que envejecen bien o mal. Hay algunas frecuencias un poco indescifrables en el cine que ye hacen pensar que algo pueda ser visto en el futuro de igual manera que ahora. Mira La naranja mecánica de Kubrick, la ves y sigue siendo una modernidad abrumadora y se mantiene sólida. Por eso, como director, ver que tu trabajo envejece bien anima mucho.

Entonces, ¿no hay manera de saber qué películas son las que pueden entender y disfrutar generaciones enteras? ¿Esas por las que no pasan los años?

Depende de muchas cosas, entre ellas, el tempo. También se puede empujar con algunos elementos de efectismo para crear otras sensaciones y dan lugar a procesos. Hay capítulos que los llaman bottle episodes (episodios botella) que demuestran eso, como el de la mosca de Breaking Bado aquel de House Of Cards cuando están los dos en el kremlin, Robin Wright en la cárcel con un homosexual y Kevin Spacey con el presidente ruso. Solo son dos espacios y se estira el proceso del encuentro con el conflicto, algo que se refleja más en la vida. Son procesos que enganchan porque se entiende que se tarda ese tiempo en que ocurra algo. Creo que el "secreto" de que algo sea perpetuo está en las cargas de profundidad que van sosteniéndose entre los puntos de giro.

¿Se puede sentir el tiempo que necesita cada escena?

Eso es lo más importante y, a la vez, lo más difícil. Cada cosa se convierte en un viaje épico. Por ejemplo, en Contracuerpo, la protagonista (Macarena Gómez), que tiene problemas de alimentación, tarda un rato en comerse un trozo de filete. Hacer muy corta esa escena no tendría sentido porque no demuestra su resistencia y el duelo interno que experimenta antes de llevárselo a la boca. El espectador entiende cómo es esa sensación a través de su tempo. Estirar las tramas puede enganchar mucho más en algunas ocasiones. Hay trabajos que se han estropeado por intentar darle un ritmo frenético y como resultado queda algo vacuo, no está cargado de verdad.

¿Es fácil empatizar con una historia?

Creo que una persona sana, a nivel mental, puede empatizar y creer en algo. El cine ha cambiado el mundo precisamente por eso. Antes, una persona de Oklahoma cono cía solo lo que se encontraba a 50 kilómetros a la redonda pero, cuando llegó el cine, empezó a entender la vida. El cine ha cambiado al humano por la empatía. Mucha gente se da cuenta de algo por una película.

Desde los inicios del cine, las historias han estado muy sesgadas, sobre todo en lo que corresponde a Hollywood vs el resto del mundo. En la actualidad, continúa esa diferencia. ¿Tiene algo que ver el legado del pasado?

El cine como base industrial siempre va a existir, y eso es bueno. Hay tantos problemas que me parece necesario y loable el hecho de disfrutar y sentirte como un crío en la sala de cine viendo una de superhéroes…. aunque creo que habría que exigirle un poco más a los guiones, claro. Lo triste es que constantemente se están cerrando salas de cine. Casi todas están enmarcadas en centros comerciales y eso hace que se polarice mucho el dine hacia trabajos más previsibles. No es nada fácil hacer películas artísticas o experimentales como hace décadas, todo eso se ha perdido mucho por detalles como ese. Todo está migrando a las series de televisión. Se está perdiendo la elipsis cinematográfica, ¡el largo se va a convertir en un corto!

Es un constante enfrentamiento entre series, cortometrajes…

La cosa está en entender qué le viene mejor a cada historia. Se tiende a estirar todo. Una serie sobre la guerra se puede estirar como un chicle y esa misma historia se puede sinstetizar en dos horas y media de película como hizo Coppola en Apocalypse Now. Eso no se puede perder. La gente alucina cuando redescubre eso, las nuevas generaciones están empezando a ver series de primeras. Inaudito.

Netflix no exhibirá sus películas en el Festival de Cannes

EFE

Todo preparado para Cannes

Netflix no exhibirá sus películas en la edición de este año del Festival de Cannes, anunció este miércoles el jefe de contenidos de la plataforma digital, Ted Sarandos, en una entrevista con el medio especializado Variety.

"Queremos que nuestras películas estén en igualdad de condiciones con cualquier otro. Hay un riesgo para nosotros en ir de esta manera y en tener nuestras películas y cineastas tratados de manera irrespetuosa en el festival. Ellos han marcado el tono. No creo que sea bueno para nosotros estar ahí", aseguró Sarandos.

Tras la polémica del año pasado acerca de la presencia en la competición por la Palma de Oro de Okja y The Meyerowitz Stories, dos filmes de Netflix estrenados directamente en la televisión, el certamen francés decidió incluir este año la obligación de que las películas que quieran participar se deban haber estrenado en salas de cine en Francia.

Así, en el 71 Festival de Cannes, que se celebrará el próximo mayo del 8 al 19, los filmes de plataformas audiovisuales como Netflix solo podrán estar presentes en los apartados de fuera de competición salvo que se exhiban primero en los cines, algo que por ahora no entra en sus planes.

Sarandos mostró su disconformidad con esta decisión de Cannes y apuntó directamente a su delegado general, Thierry Frémaux. "Thierry anunció el cambio en las reglas que requieren que una película tenga distribución en Francia, lo que va completamente en contra del espíritu de cualquier festival de cine en el mundo. Los festivales están para ayudar a que las películas sean descubiertas y para que así consigan distribución", argumentó.

El máximo responsable de Netflix también descartó la posibilidad de acudir a Cannes al margen de la lucha por los premios: "No creo que haya razón alguna para ir fuera de la competición. La regla se hizo de manera implícita por Netflix, y Thierry la hizo de manera explícita sobre Netflix cuando la anunció".

Por último, Sarandos confió en que Cannes dé marcha atrás y se "modernice".

"Continuaremos apoyando a todas las películas y a todos los cineastas. Animamos a Cannes a que vuelva a unirse a la comunidad cinematográfica mundial y a que le dé la bienvenida de nuevo", indicó.

Madrid celebra dos décadas de la Semana del Cortometraje, con títulos que suman 26 premios Goya

20MINUTOS.ES

  • Madrid vuelve a la esencia del género audiovisual con una semana de talleres y proyecciones en 68 municipios.
  • La Semana del Cortometraje termina el domingo 15 de abril.

Eduardo Chapero-Jackson

Un año más, la consejería de Cultura, Turismo y Deportes organiza la Semana del Cortometraje de la Comunidad de Madrid, que se celebra en 68 municipios hasta el domingo 15 de abril. El certamen, que cumple dos décadas de trayectoria, contará con actividades y eventos especiales que acercarán al público este formato audiovisual.
Bajo el título 20 años para celebrar 26 premios Goya, el festival presentará un recorrido por su historia proyectando en la sede del Complejo El Águila los trabajos que han participado en su sección oficial y que han sido galardonados con premios Goya entre 1999 y 2018.
Como ya es habitual, el eje de la semana será la sección competitiva. En esta edición, un total de 32 títulos rivalizarán por ser uno de los trabajos galardonados con alguno de los premios que concede el certamen. En esta ocasión Telemadrid / La Otra repartirá con sus distinciones un total de 26.000 euros y Madrid en Corto entregará ocho galardones.

A su vez, la escuela de cine ECAM concederá su propio premio, cuyo vencedor entrará directamente en el listado de preselección de los Goya y podrá utilizar las instalaciones de ese centro para su proyecto. Estas concesiones intentarán lograr los cortometrajes a concurso, muchos de ellos estrenos, que han sido producidos en 2017 y han contado con la subvención de la Comunidad.
La Semana del Cortometraje tiene como objetivo difundir el formato entre la audiencia y los profesionales, incluso a nivel internacional, por lo que en esta ocasión Rumanía será el país invitado de honor. Además, el viernes y el sábado el Foro Profesional del Cortometraje celebra su segunda edición con representantes del festival de Sundance, de la Berlinale y de Clermont-Ferrand. Este encuentro reunirá, una vez más, a profesionales del sector para facilitar la creación de nuevos proyectos y producciones en colaboración.

Homenajes y talleres

En su vigésima edición, el concurso rendirá homenaje al director y guionista Eduardo Chapero-Jackson. El Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes tiene preparado un programa que rendirá tributo al cineasta español. Creador de la trilogía de cortometrajes A Contraluz (compuesta por Contracuerpo, Alumbramiento y The End), ha sido premiado en 150 festivales de todo el mundo y recibió una nominación a los Goya en 2006. La saga completa se proyectará de seguido el viernes (22.00 h) y el director estrenará en exclusiva tres minutos de su nuevo trabajo durante la sesión.
Estudiantes, trabajadores del sector y público interesado podrán asistir a las charlas y talleres formativos que se imparten hasta el viernes en distintos puntos de la comunidad, así como al II Foro Profesional, que tendrá lugar el viernes y el sábado. Junto a la sede en El Águila, el Cine Bellas Artes y la Sala Alcalá 31 albergarán el resto de la programación del certamen, con talleres y charlas sobre las nuevas tecnologías, producción, guion, otros formatos «en corto», imagen, sonido y dirección.

Una oferta formativa para la que ya se ha abierto en su web oficial el proceso de inscripción a los talleres, todos ellos gratuitos.

Wim Wenders o cuando el cine nunca deja de ser algo personal

CARLES RULL

  • 'Inmersión', con Alicia Vikander y James McAvoy, es la nueva película de Wim Wenders.
  • El cineasta alemán es autor de títulos emblemáticos del cine de autor como 'París, Texas' o 'El cielo sobre Berlín'.

Wim Wenders

Wim Wenders sigue siendo uno de los cineastas de referencia del panorama del cine de autor. A sus 72 años mantiene el nivel de trabajo estrenando cada año nuevas obras, sean largometrajes de ficción, documentales o cortos. La más reciente es Inmersión (Submergence), protagonizada por Alicia Vikander y James McAvoy interpretando a dos personajes con profesiones de riesgo y rememorando su encuentro amoroso en un bucólico hotel de Normandía. Se estrena en nuestras pantallas este viernes 6 de abril.

Basada en la novela de J.M. Ledgard, la protagonista de Tomb Raider o Ex Machina es una biomatemática, una estudiosa del mar que afronta el desafío de desentrañar los secretos de la vida en las profundidades de Groenlandia. Su compañero en esa idílica relación que mantuvieron en la costa francesa ejerce un cometido muy distinto, es un espía destinado a una peligrosa misión contra los yihadistas en África.

Los sentimientos y los vínculos del corazón, así como los personajes solitarios, o buscándose a sí mismos, son una de las constantes de Wenders, cineasta alemán pero apasionado del cine y la cultura norteamericana.

Su segunda y tercera película, a inicios de los setenta, El miedo del portero ante el penalty (1972) y una adaptación de La letra escarlata (1973) le dieron cierta fama internacional. Pero fueron tres títulos siguientes, Alicia en las ciudades (1974), En el curso del tiempo (1975) y El amigo americano (1977), las dos primeras rodadas en blanco y negro y recurriendo al formato de road movies para ilustrar historias de personajes desorientados, buscándose a sí mismos.

La tercera, en color, era una personal incursión en el universo literario de Patricia Highsmith a través del personaje de Tom Ripley (encarnado por Dennis Hopper). Pero los dos títulos que le harían más famoso llegarían en los 80, con París, Texas (1984) y El cielo sobre Berlín (1987). Con ellos dejó de ser un director minoritario y se consolidó en ese pedestal del cine de autor e independiente.

Al contrario que otros directores compatriotas suyos, como Wolfgang Petersen (director de El submarino, La historia interminable o Troya) y Roland Emmerich (el conocido realizador de títulos como Soldado universal, Stargate o Independence Day) nunca aceptaría pasarse a las superproducciones ni a un cine más comercial.

Hace tres años, en una entrevista a un periódico regional alemán (el Neue Osnabrucker Zeitung) se mantenía firme en sus postulados: "El cine se ha convertido más que nunca en un artículo de consumo y como tal lo que más le interesa es alejar a la gente de preguntas existenciales". Para Wenders, el cine actual solo busca ingresos rápidos, un montaje veloz y efectos especiales. "Se trata más bien de una técnica de asedio que narrativa".

Viajes, música y Polaroid

También es un apasionado de los viajes, la música y las fotografías captadas en cámaras Polaroid. Una exposición, Instant Stories, llegó a recoger 12.000 instantáneas tomadas con su Polaroid desde 1973 a 1983. De su obsesión por los viajes han dejado constancia la estructura de "películas de carretera" de muchas de sus películas.

Su fascinación por la música le ha hecho rodar varios documentales y cortos en vídeo, sobre todo con el grupo U2. En 2003 participó con The Soul of a Man en la serie de producciones para televisión de Scorsese dedicada a conmemorar el blues, y con Buena Vista Social Club (1999) dirigió su mirada a los músicos cubanos. De entre sus trabajos más recientes destaca precisamente el documental Pina, rodado en 3D, en torno a la coreógrafa Pina Bausch.

Ha sido premiado en los festivales internacionales de cine más importantes, Cannes, Berlín, Venecia y San Sebastián, y tres veces nominado en los Óscar, siempre por documentales (Pina, La sal de la tierra y Buena Vista Social Club). Sin embargo, sus últimas películas, como El hotel del millón de dólares (2000), Llamando a las puertas del cielo (2005) o Los hermosos días de Aranjuez (2015) ya no han contado con la recepción crítica o la influencia de sus mejores obras de los 70 y 80.

En 2008, con motivo del estreno de Palermo Shooting, su entrevistador en aquella ocasión, de la revista alemana Gala, le preguntó por la muerte y cómo le gustaría ser recordado. Su respuesta fue rotunda: "Me importa un bledo lo que digan después de mí. Lo que me importa es que haya gente que comente: esta película me ha aportado algo, ha cambiado mi vida. Eso sería para mí un legado satisfactorio".

Cuatro películas imprescindibles de Wenders

Alicia en las ciudades

Alicia en las ciudades (1974). Un fotógrafo alemán deberá hacerse cargo, de manera imprevista y durante unas semanas, de una niña de nueve años tanto en su estancia en Estados Unidos como de vuelta a Alemania. Rodada en blanco y negro, está considerada por Wenders como su película más personal. Junto con En el curso del tiempo (1975) es su mejor obra de los 70.

El amigo americano

El amigo americano (1977). Inspirándose en el maquiavélico personaje de Tom Ripley creado por la escritora Patrica Highsmith, fue otra de sus miradas al melodrama y al cine negro, con un hombre pacífico, normal y corriente, tentado para cometer un asesinato por dinero. Bruno Ganz y Dennis Hopper fueron sus protagonistas e incluyó, en papeles secundarios, la participación de grandes directores de clásicos del cine negro como Nicholas Ray y Samuel Fuller.

París, Texas

París, Texas (1984). Un hombre amnésico vagando por el desierto. Decidido a recuperar lo que dejó cuatro años atrás, emprenderá un viaje para encontrar a su esposa y a su hija pequeña. Itinerarios humanos y físicos, inolvidable fotografía (Robby Müller) y música (Ry Cooder). La protagonizaron Harry Dean Stanton y Nastassha Kinski. Sigue siendo su película más emblemática y reconocida.

El cielo sobre Berlín

El Cielo sobre Berlín (1987). Una fábula con ángeles habitando en el mundo de los mortales. Uno de ellos decide experimentar más sobre los sentimientos humanos, pero su acercamiento le llevará a enamorarse de una trapecista. Retomando el blanco y negro, con algunas pinceladas puntuales de color, la protagonizaron Bruno Ganz y Solveig Dommartin (que fue pareja sentimental de Wenders. Falleció en 2007).

La información sobre el nuevo contratiempo del Quijote de Gilliam es falsa, según los productores del filme

EFE

  • "Las noticias que ha lanzado el productor Paulo Branco, que abandonó la película antes de comenzarla, son falsas".
  • La película de Terry Gilliam "no está bloqueada de ninguna manera".

'El hombre que mató a Don Quijote'

El largometraje El hombre que mató a Don Quijote, de Terry Gilliam, puede "ser explotado sin limitaciones en todo el mundo", según señalaron en un comunicado sus productores españoles, Gerardo Herrero y Mariela Besuievsky, de Tornasol Films.

"El conflicto legal entre el productor Paulo Branco y el director Terry Gilliam, por los derechos de su anterior proyecto, no tiene nada que ver con la propiedad de los derechos de El hombre que mató a Don Quijote", rodado el pasado verano en España, se indica en el comunicado.

Ambos aseguraron que "las noticias que ha lanzado el productor (Branco, creador de la productora Alfama Films) que abandonó la película antes de comenzarla, por no encontrar la financiación, son totalmente falsas".

Los derechos de El hombre que mató a Don Quijote son de "los actuales productores" y "ningún tribunal ha dictaminado que esta producción no se pueda estrenar", agrega la nota.

La película de Terry Gilliam "no está bloqueada de ninguna manera" y "no existe una decisión judicial a este efecto", indican los productores españoles. Además, recuerdan que la disputa por "incumplimiento contractual de Paulo Branco con el señor Terry Gilliam será resuelta por el Tribunal de Apelaciones de París el 15 de junio".

Herrero y Besuievsky aseguran que "la campaña de prensa orquestada por Paulo Branco es un medio para tratar de extorsionar a los productores y parece coincidir con la presentación inminente de la película en festivales de prestigio, ejerciendo así una presión que favorezca dicha maniobra de intimidación".

Ambos agregan que lo que se debe celebrar ahora "es la calidad de la película, festejar que en breve el público podrá disfrutarla y que Don Quijote sigue vivo y cabalgando!!".

Una web francesa especializada en cine difundió el tráiler de El hombre que mató a don Quijote, proyecto cinematográfico que fue ideado hace 17 años por Guilliam, pero que acumuló contratiempos y retrasos, tanto por problemas de financiación como por enfermedad de alguno de sus protagonistas.

La cinta, "un clásico cuento de fantasía y aventuras inspirado en el legendario protagonista literario de Miguel de Cervantes", según los productores, está protagonizada por Jonathan Pryce en el papel de Don Quijote y cuenta, entre otros, con Adam Driver, Olga Kurylenko, Joana Ribeiro, Stellan Skarsgård, Rossy de Palma y Sergi López.

Arctic Monkeys lanzarán nuevo disco en mayo, ‘Tranquility Base Hotel & Casino’

EFE

  • Los británicos publicarán el día 11 el que será su sexto álbum de estudio tras su anterior 'AM' (2013).
  • Producido por el vocalista del grupo, Alex Turner, se embarcarán en una gira internacional que pasará por España.

Arctic Monkeys

Arctic Monkeys publicará el próximo 11 de mayo su nuevo álbum, Tranquility Base Hotel & Casino, según ha anunciado este jueves en una nota de prensa la banda británica, que no lanzaba material nuevo desde 2013.

Grabado entre Los Angeles, París y Londres, el que será su sexto disco de estudio ha sido producido por James Ford y Alex Turner, líder y vocalista del grupo.

Once serán los cortes que integrarán este trabajo, los cuales llevarán por título Star Treatment, One Point Perspective, American Sports, Tranquility Base Hotel & Casino, Golden Trunks, Four Out Of Five, The World's First Ever Monster Truck Front Flip, Science Fiction, She Looks Like Fun, Batphone y The Ultracheese.

Autores de cinco álbumes de éxito que los han consolidado como una de las grandes bandas del rock alternativo británico actual, su discografía arrancó con Whatever People Say I Am, That's What I'm Not (2006) y alcanza de momento hasta AM (2013).

Junto con el lanzamiento de Tranquility Base Hotel & Casino, Arctic Monkeys se embarcarán el 22 de mayo en Hollywood (EEUU) en una gran gira internacional que recorrerá los principales recintos y festivales, como el Primavera Sound de Barcelona el 2 de junio y el Mad Cool Festival de Madrid el 13 de julio.

Cine por Mujeres: un festival pionero para visibilizar el papel de la mujer en el sector

ERLY QUIZHPE

  • Se proyectarán veintiocho películas realizadas por mujeres en los últimos tres años.
  • Entre ellas, españolas como la premiada Verano 1993.

Carlota Álvarez en la presentación del festival 'Cine por mujeres'

El primer Festival Internacional de Cine Hecho por Mujeres se inaugura este martes en Madrid con el objetivo de dar a conocer el trabajo cinematográfico de directoras, productoras y otras profesionales que han participado en todo el proceso de creación de una película en los últimos tres años.

Cine por Mujeres quiere crear un espacio anual en donde se debata la problemática existente en el sector y donde se exponga el papel de la mujer en el cine. Por ello, hasta el próximo domingo, se proyectarán películas y documentales de países como Polonia, Irlanda o Argentina.

“Lo que pretendemos con este festival es poner en valor el talento de las mujeres", ha afirmado Carlota Álvarez, codirectora del festival, quien asegura que unos de los objetivos es "dar visibilidad a ese talento. Nosotros queremos poner el acento en eso, saber cuáles son nuestras mujeres de cine".

“El problema es que consigan, no solamente crear, sino ganarse la vida creando", ha manifestado Inés París, presidenta de la SGAE. También ha querido resaltar que "las mujeres queremos estar en estos festivales, al igual que queremos estar en San Sebastián, en Berlín o en Venecia".

Se proyectarán veintiocho películas

El festival, que contará con 28 películas, se abrirá con Westwood: Punk, Icon, Activist de Lorna Tucker (Reino Unido), un documental que narra la historia de Vivienne Westwood, diseñadora británica de moda con un papel importante en el activismo y la industria de la moda.
También podrá verse Euphoria de Lisa Langseth (Suecia), producida por Alicia Vikander; The Breadwinner, de Nora Twomey (Irlanda), producida por Angelina Jolie y nominada a los Óscar y a los Globos de Oro 2018, que relata la historia de una niña afgana de once años que debe vestirse como un chico bajo el régimen talibán; o películas españolas como Júlia ist y Verano 1993.

El festival contará con la presencia de la directora Laura Mora de Chile, la directora estadounidense Debra Zimmerman, Katja Wik de Suecia o la española Chus Gutiérrez.

La finalidad de este proyecto es alcanzar la igualdad en el sector ya que "el futuro de la industria del cine pasa por promover la igualdad de oportunidades entre hombres y mujeres", ha resaltado el consejero de Cultura, Turismo y Deportes, Jaime de los Santos.

‘Cine por mujeres’: un festival pionero para visibilizar el papel de la mujer en el sector

ERLY QUIZHPE

  • Se proyectarán veintiocho películas realizadas por mujeres en los últimos tres años.

Carlota Álvarez en la presentación del festival 'Cine por mujeres'

El primer "festival internacional de cine hecho por mujeres" en España se inaugura este martes en Madrid con el objetivo de dar a conocer el trabajo cinematográfico de directoras, productoras y otras profesionales que han participado en todo el proceso de creación en los últimos tres años.

'Cine por mujeres' quiere crear un espacio anual en donde se debata la problemática existente en el sector y donde se exponga el papel de la mujer en el cine. Por ello, hasta el próximo domingo, se proyectarán películas y documentales de diferentes países como Polonia, Irlanda o Argentina.

“Lo que pretendemos con este festival es poner en valor el talento de las mujeres", ha afirmado Carlota Álvarez, co- directora del festival, quien asegura que unos de los objetivos es "dar visibilidad a ese talento. Nosotros queremos poner el acento en eso, saber cuáles son nuestras mujeres de cine".

“El problema es que consigan, no solamente crear, sino ganarse la vida creando", ha manifestado Inés París, presidenta de la SGAE. También ha querido resaltar que "las mujeres queremos estar en estos festivales, al igual que queremos estar en San Sebastián, en Berlín o en Venecia".

Se proyectarán veintiocho películas

El festival abrirá con Westwood: Punk, Icon, Activist de Lorna Tucker (Reino Unido), un documental que narra la historia de Vivienne Westwood, diseñadora británica de moda con un papel importante en el activismo y la industria de la moda.
También podrá verse Euphoria de Lisa Langseth (Suecia), producida por Alicia Vikander, The Breadwinner de Nora Twomey (Irlanda), producida por Angelina Jolie y nominada a los Oscar y a los Globos de Oro 2018, que relata la historia de una niña afgana de once años que debe vestirse como un chico bajo el régimen talibán, o películas españolas como Júlia ist y Verano 1993.

El festival contará con la presencia de la directora Laura Mora de Chile, la directora estadounidense Debra Zimmerman, Katja Wik de Suecia o la española Chus Gutiérrez.

La finalidad de este proyecto es alcanzar la igualdad en el sector ya que "el futuro de la industria del cine pasa por promover la igualdad de oportunidades entre hombres y mujeres", ha resaltado el consejero de Cultura, Turismo y Deportes, Jaime de los Santos.

Melendi, el artista que más público reunió en España con su gira en 2017

MARÍA TORO

Melendi en concierto

El sector de la música en vivo facturó en 2017 un 20,6% más que el año anterior, coincidiendo con la bajada del IVA. Así lo recoge el IX Anuario de la Música en Vivo, un informe publicado por la Asociación de Promotores Musicales (APM) que recoge datos de la industria en España. Con este aumento, 2017 se convierte en el cuarto año consecutivo en el que el sector experimenta una subida, recaudando 269,2 millones de euros frente a los 223,2 de 2016.

La asociación achaca este incremento a la bajada del IVA a los espectáculos en vivo, que se produjo a finales de junio de 2017, una cifra que pasó de un 21% a un 10%. Otro de los motivos, apuntan, es la consolidación de España como un destino para las grandes giras internacionales, en grandes recintos y con miles de entradas agotadas, como la visita de U2 y The Rolling Stones.

Entre las giras internacionales, Ricky Martin fue el artista que más público congregó, con un total de 115.806 personas en sus 13 conciertos. Una asistencia menor de la que obtuvo Bruce Springsteen en 2016, con 160.000 espectadores. En 2017 le siguen la pista al artista latino los incombustibles Guns N' Roses, Maluma, The Rolling Stones y Aerosmith.

El tour Quítate las gafas de Melendi copa el listado de asistencia entre los músicos nacionales, con 208.972 espectadores en 37 conciertos. El año pasado este puesto fue para Manuel Carrasco, con 282.000 asistentes en 48 conciertos. Sabina, David Bisbal y Vanesa Martín continúan el listado.

En resumen, 2017 ha albergado menos conciertos que 2016 y aún así se ha logrado una mayor recaudación. Sin embargo, la asociación -que se apoya en la reducción del IVA para explicar la subida- no ha dado el número de asistentes totales ni confirma si aumentó el precio medio de la entrada.

Al igual que sucedió el año anterior, Barcelona, Madrid y Sevilla son las provincias que mayor recaudación obtuvieron en eventos musicales. El litoral mediterráneo, por su parte, reina entre los festivales con Arenal Sound, Rototom Sunsplash (ambos en la Comunidad Valenciana) y el Primavera Sound (Barcelona) reuniendo el mayor número de asistentes.

Este 2018 la APM se enfrenta a la reventa de entradas, un reto para el que se han unido a la entidad European Live Music Association (ELMA) en busca de soluciones conjuntas. Además, según anunciaron ayer, están elaborando una propuesta de Ley de la Música impulsada desde el sector.

Festimad alcanza su 25.º edición con SFDK, Coronas, Viva Suecia y Bad Gyal

EFE

  • El festival contará con 120 artistas repartidos en 38 espacios de la región de Madrid.
  • SFDK, Los Coronas, Viva Suecia, Vega, Soleá Morente, Cycle y Bad Gyal son los protagonistas de este año.

Bad Gyal

Festimad alcanza su edición número 25 con una oferta que, según se ha desvelado este miércoles en su presentación, incluirá diversas actuaciones con SFDK, Los Coronas, Viva Suecia, Vega, Soleá Morente, Cycle y Bad Gyal como grandes protagonistas.

En total serán 120 artistas repartidos por 38 espacios de la región de muy diverso formato, del pequeño aforo de la mítica cuna de cantautores que es Libertad 8 al espacio multitudinario del WiZink Center, que albergará el 2 de mayo un festival de rock andaluz con Raimundo Amador, Triana y Medina Azahara.

Por segundo año, además, Festimad perpetúa con un concurso de bandas locales su sede en la localidad de Móstoles, donde vivió sus tiempos más gloriosos como gran cita nacional de la música underground hasta que la crisis obligó a sus organizadores a buscar una nueva fórmula fuera de la ciudad.

"Hemos pasado por muchas vicisitudes, algunas gloriosas, porque hubo un Festimad muy grande cuando no existían este tipo de festivales", ha recordado Julio Muñoz, promotor de la cita, quien ha calificado de "sueño cumplido haber llegado hasta aquí, algo que no hubiésemos imaginado cuando empezamos modestamente y así seguimos, modestamente", ha añadido.

Biodiversidad musical y 'underground'

Manteniendo el espíritu de sus inicios, de apuesta por "la biodiversidad musical y por sacar a la luz algo que no existía entonces, toda la escena underground de Madrid", la edición número 25 ha preparado 66 conciertos en total que arrancarán el 18 de abril y se extenderán hasta el 6 de mayo.

Cabe destacar la actuación el 23 de abril en el Teatro Nuevo Alcalá del israelí Asaf Avidan, del que The New York Times dijo: "Compone como Leonard Cohen, canta como Robert Plant y tiene el carisma de los artistas más grandes de cabaret".

Eddie & The Hot Rods, estandartes del pub rock y entre las 100 bandas más influyentes de la historia, harán parada en Festimad dentro de su gira de despedida, concretamente el 2 de mayo en la sala Sol.

Del ámbito nacional sobresalen los ya citados SFDK, decanos del hip hop peninsular, que presentarán su recién publicado Redención el 5 de mayo en La Riviera, igual que harán Cycle con Electrik el 4 de mayo en Ochoymedio Club.

Soleá Morente, acompañada de Napoleón Solo y Lorena Álvarez, mostrará sus nuevas canciones el 18 de abril en el Teatro Lara; la cantautora cordobesa Vega estrenará La reina pez el 26 de abril en Ochoymedio Club, lugar que también recibirá a la rapera Bad Gyal el 5 de mayo.

Por su parte, los veteranos del surf rock Los Coronas actuarán el 20 de abril en el Teatro Barceló y los murcianos Viva Suecia seguirán con su progresión ascendente en el Auditorio UC3M de Leganés el 4 de mayo, dentro del festival Generador, donde pasarán el testigo a Texxcoco.

'Mezcla Woman Metal Fest'

Como parte de los numerosos ciclos integrados en Festimad, cabe destacar Mezcla Woman Metal Fest, con tres sesiones de "ferocidad roquera" a cargo de mujeres, como las locales Armántica (21 de abril, Silikona) y Azote (4 de mayo, sala Live), las alicantinas Oblivion's Gardens (5 de mayo, El Limite Live!) o las belgas The Guardian (4 de mayo, sala Live!), entre muchas otras.

Asimismo, como parte de Americaña, concebido por Manolo Fernández, director del mítico Toma 1 de Radio 3, actuará la canadiense Whitney Rose (21 de mayo, The Secret Social Club), mientras que "Mariskal Rock", ciclo ideado por Vicente Romero, contará con Ñu (4 de mayo, Teatro Casablanca de Arganda).

Más allá de los grandes titulares, Festimad seguirá dando cabida a otros valores, como el exCanteca de Macao Chiky Lora (20 de abril, El Violín Café de Getafe), Molina Molina (20 de abril, Café La Palma), Cintia Lund (26 de abril, Ochoymedio Club) y Bambikina (28 de abril, Copérnico).

Y el Óscar es para… Estos son los favoritos en la edición de este 2018

CARLES RULL

  • 'La forma del agua' con 13 nominaciones y 'Tres anuncios en las afueras' con 7 parten como favoritas.
  • La gala tendrá lugar la madrugada del domingo 4 al lunes 5 de marzo, a las 02:00 h. en horario español.
  • Especial: Todo sobre los premios Óscar

Nominadas Óscar 2018

Nueve títulos candidatos a mejor película en esta edición de los premios Óscar, la número 90, aunque la pugna ha quedado reducida a dos. Uno de género fantástico, La forma del agua de Guillermo del Toro con 13 nominaciones, el otro es el thriller Tres anuncios en las afueras del londinense Martin McDonagh con 7.

Un thriller que juguetea con la comedia, la tragedia y el cine negro, al más puro estilo de los Coen o Tarantino. Tres anuncios en las afueras, con una madre indignada con la ineficacia de la policía local para resolver la violación y asesinato de su hija, le ha tomado ventaja, al haber ganado en los Globos de Oro y los premios BAFTA de la academia británica, al relato de amor entre una mujer de la limpieza muda y una extraña criatura acuática, enmarcada en los años 60.

Dos directores no norteamericanos, inglés y mexicano, pero enmarcando sus obras en Estados Unidos, y ambos con historias en las que destacan los personajes femeninos.

Sin embargo, la ausencia de Martin McDonagh entre los nominados a mejor dirección ha dejado a Guillermo del Toro vía libre para convertirse en el próximo poseedor de la estatuilla en esta categoría. Si se cumpliera el pronóstico, sería el tercer cineasta mexicano en obtenerlo en los últimos años después de que Alfonso Cuarón lo lograra por Gravity (2013) y Alejandro González-Iñárritu por dos veces consecutivas con Birdman (2014) y El renacido (2015). No hay muros, de momento, que separen a los directores mexicanos de los premios más importantes de la industria de Hollywood.

Entre los directores nominados, otro británico, Christopher Nolan por Dunkerque; el californiano Paul Thomas Anderson por El hilo invisible; el afroamericano Jordan Peele por su debut en Déjame salir y la director nacida en Sacramento Greta Gerwig por su mirada a la adolescencia en Lady Bird. Los Óscar han cumplido este año con su cuota de variedad de género y etnias.

Además de las seis citadas, las otras tres películas incluidas en la lista de mejores producciones del pasado 2017 son Los archivos del Pentágono de Steven Spielberg, recodando el auténtico periodismo que se hacia en los 70; Call Me by Your Name de Luca Guadagnino, una historia de amor homosexual; y El instante más oscuro de Joe Wright, centrada en la figura del exprimer ministro británico Winston Churchill durante la II Guerra Mundial.

Precisamente Gary Oldman encarnando a Churchill es el claro favorito como mejor actor protagonista. Todos los premios de peso han distinguido hasta ahora al veterano actor. Es su segunda nominación (la primera fue con El topo, hace seis años). Y sobresale entre los ya oscarizados, por tres veces, Daniel Day-Lewis con El hilo invisible, y Denzel Washington (Óscar por Día de entrenamiento) con su intepretación de un abogado idealista en Roman J. Israel, Esq. Tres veteranos frente a dos revelaciones, la de los jóvenes Timothé Chalamet por Call Me by Your Name y Daniel Kaluuya por Déjame salir.

El grupo de cinco nominadas a mejor actriz principal, a un gran nivel han brillado Saoirse Ronan en Lady Bird, Margot Robbie en Yo, Tonya y la omnipresente Meryl Streep en Los archivos del Pentágono. Pero el sobre de los Óscar, si no hay errores este año, contendrá el nombre de Frances McDormand por Tres anuncios en las afueras, en la que sería su segunda estatuilla. La primera fue por Fargo (1996) de los Coen. También es ella la que ha ido recogiendo los premios más destacados de la temporada, pese a la extraordinaria interpretación de Sally Hawkins en La forma del agua, la quinta nominada.

Secundarios con mucho peso

En la categoría de mejor actriz de reparto, la que tiene más a favor para llevárselo es Allison Janney por Yo, Tonya, actriz relegada a papeles más secundarios en el cine, pero de relevancia en series como El ala oeste de la Casa Blanca o Masters of Sex. Su principal rival es Laurie Metcalf, una veterana sobre todo también en el género televisivo, por su interpretación de madre de la protagonista en Lady Bird. Completan la lista, Octavia Spencer por La forma del agua, Mary J. Blige por Mudbound y Leslie Manville por El hilo invisible.

Difícil elegir entre los cinco nominados a mejor actor de reparto, si no fuera porque Sam Rockwell, el policía racista y violento de Tres anuncios en las afueras, ha ido acumulando también algunos de los premios más importantes, como el Globo de Oro, el BAFTA o el de su propio gremio, el del Sindicato de Actores.

Más desbancados han quedado su compañero Woody Harrelson en Tres anuncios en las afueras o Willem Dafoe por The Florida Project, el gran favorito antes de la época oficial de premios. Los otros dos candidatos son intérpretes tan curtidos como legendarios: Christopher Plummer por Todo el dinero del mundo y Richard Jenkins por La forma del agua.

En el apartado de mejor largometraje de animación es la producción de Pixar y Disney Coco , estrenada las pasadas navidades, la principal candidata a hacerse con la estatuilla.

Sin nominados españoles

En cuanto al óscar a la mejor película de habla no inglesa, The Square del sueco Ruben Óslund se ha ido perfilando como la favorita. Empezó ganando la Palma de Oro del pasado Festival de Cannes, en un jurado que presidió Pedro Almodóvar, y arrasó en los premios del cine europeo.

También han gustado mucho, a su paso por festivales y a la crítica, la rusa Sin amor, la húngara En cuerpo y alma (ganadora del Oso de Oro de la Berlinale el pasado año) o la chilena Una mujer fantástica, con una no menos extraordinaria interpretación de la cantante y actriz transexual Daniela Vega. La sorpresa ha sido la inclusión de la producción libanesa El insulto.

Fuera de las cinco nominadas a mejor película extranjera se quedó Verano 1993, ópera prima de la barcelonesa Carla Simón, en una edición sin películas ni cortos de cineastas españoles nominados, tampoco en las categorías técnicas.

Fecha, hora de una gala marcada por el #MeToo

La ceremonia de entrega de premios volverá a ser presentada por Jimmy Kimmel. Recordando el histórico error, el pasado año, al leer la tarjeta del ganador a mejor película (el de La La Land primero en lugar de la vencedora Moonlight), el cómico declaró con humor: "Si piensas que estropeamos el final de este año, ¡espera a ver lo que hemos planeado para el show del 90º aniversario!".

Se prevé que sea una gala marcada por las protestas de los escándalos sexuales destapados en Hollywood a raíz del caso Harvey Weinstein, el hashtag #MeToo o la alfombra y los vestidos negros. Entre los damnificados, el actor Casey Affleck, también denunciado por "comportamiento inadecuado" durante el rodaje del documental I'm Still Here en 2010, ha renunciado a entregar el Óscar a la mejor actriz como le correspondería al haber sido el ganador, como mejor actor, el pasado año por Manchester frente al mar.

La cita será este 4 de marzo a partir de las 17:00 h. en el Dolby Theater de Los Angeles. En horario de España, con la diferencia de nueve horas, se corresponderán con las 02:00 de la madrugada del domingo al lunes 5.

Joaquin Phoenix brilla en la Berlinale en el nuevo filme de Gus Van Sant

GEMMA CASADEVALL / EFE

  • El actor interpreta en 'Don't worry, he won't get far on foot' a un kamikaze en silla de ruedas adicto al alcohol.
  • Junto a esta historia de redención, se han proyectado 'La Prière' de Cédric Kahn y la última película de Lav Diaz.

Joaquin Phoenix, Gus Van Sant, Udo Kier

El actor Joaquin Phoenix brilló este martes en la Berlinale con Don't worry, he won't get far on foot, un filme dirigido por la mano maestra de Gus Van Sant y centrado en la rehabilitación de un kamikaze en silla de ruedas, adicto al alcohol y otros abismos.

"Nos ceñimos en lo posible al personaje real, desde al accidente que le deja paralítico a su superación personal", explicó el director estadounidense sobre su película, basado en la biografía de John Callahan, quien a los 21 años quedó en silla de ruedas y al que su cáustico sentido del humor redimió como exitoso dibujante.

Van Sant, de regreso en la Berlinale tras haber estado en la sección oficial de ese festival con El indomable Will Hunting (1998), Descubriendo a Forrester (2003) y Tierra prometida, en 2013, sitúa al espectador en los primeros veinte minutos bajo la tensión de un joven Callahan en su últimos día de "vida andante".

La tragedia le acecha en cualquier esquina desde el momento en que sale a comprar la primera botella del día, recién salido de la ducha, hasta que muchas horas y botellas después se topa con alguien tan sediento como él (Jack Black), en busca de la mejor fiesta.

De ahí salta al momento en que un médico le da el diagnóstico y sentencia (parálisis de por vida), para empezar el largo camino de terapias y recaídas, entre litúrgicas sesiones de alcohólicos anónimos y lecciones sobre lo que a partir de entonces va a ser su sexualidad.

Van Sant administra su perfil del santo bebedor con sabias dosis de momentos agridulces o directamente amargos, brisas de aire fresco con su rehabilitadora-azafata (Rooney Mara) y con un genial terapeuta (Jonah Hill) que nació nadando en oro y acrecienta esa riqueza innata con sesiones para exalcohólicos ricos.

"No tengo buenas respuestas"

Fue difícil, en la presentación a los medios, arrancarle alguna frase a Phoenix, que parecía interesado en demostrar que no le gustan los festivales ni hablar de sus caracterizaciones, ni la actual, ni otras anteriores, como la de Johnny Cash en En la cuerda floja (2005).

"No tengo buenas respuestas a preguntas cool (geniales)", dijo, interrogado sobre sus silencios interpretativos, mientras el veterano Udo Kier, uno de los secundarios en la película de Van Sant, compensaba un poco su parquedad con alguna anécdota.

Don't worry, he won't get far on foot era el reencuentro de la Berlinale no solo con Van Sant, sino también entre este y Kier, intérprete del filme con el que el director estadounidense debutó en Berlín con Mala Noche (1986), entonces fuera de concurso.

Es asimismo un nuevo trabajo conjunto entre Van Sant y Phoenix, tras Todo por un sueño (1995), pero tampoco a este respecto se explayó mucho su protagonista, más allá de expresar su satisfacción.

Para Phoenix, lo que hay que contar está expresado suficientemente en el filme, uno de esos productos de corte made in USA sobre la capacidad de superación personal cuando todo falla, pero se sigue pudiendo usar correctamente la cabeza.

La biografía del Callahan rehabilitado es la segunda redención de un adicto en competición en esta Berlinale, tras la proyección el pasado domingo de La Prière, dirigida por el francés Cédric Kahn y centrada en la rehabilitación, por la vía del rezo, en una estricta comunidad católica de los Alpes franceses.

El filme de Kahn se apuntalaba en otro genial actor, el joven Anthony Bajon. Se trata de dos películas de corte y recursos distintos, unidas por la mano maestra de sus respectivos directores y sus impecables actores.

Lav Diaz

Completó la competición este martes la película del filipino Lav Diaz Ang Panahon Ng Halimaw (Season of the Devil), una muestra más del sentido del espacio y el tiempo de este realizador, especializado en películas hechas de planos fijos y mucha épica, que no bajan de las cuatro horas.

Si el año pasado compitió en la Berlinale con Hele sa Hiwagang Hapis (A Lullaby to the Sorrowful Mystery), de ocho horas de duración y centrada en la lucha contra la opresión colonial, ahora invierte 234 minutos en relatar el horror impuesto por el control militar sobre una población del archipiélago en los años 70.

Obviamente excesiva, como la anterior, pero al mismo tiempo maravillosa, dejó en la Berlinale una muestra de la pasión de Diaz por el estricto blanco y negro, dulcificado por poética musical.

Adrián Martín, el niño cantante con hidrocefalia, ingresado de nuevo

20 MINUTOS

  • Este martes el pequeño empezó a sentir graves dolores de cabeza por lo que se lo llevaron de urgencias.
  • Su estancia hospitalaria de momento es indefinida y no está previsto que le den el alta.
  • La enfermedad que padece Adrián se conocía antiguamente como 'agua en el cerebro'.

Adrián Martín

Adrián Martín, el niño malagueño que padece hidrocefalia y malformación congénita en los brazos, está otra vez ingresado en el hospital Materno Infantil de la capital, según recoge ABC.

Adrián tuvo a finales de enero tres operaciones. Dos de ellas de urgencia por el mal funcionamiento de un catéter y la tercera para sustituirle las válvulas que tenía desde que era pequeño por otras más acordes a su edad. La hidrocefalia es un trastorno que tiene como principal característica la acumulación excesiva de líquido cefalorraquídeo en el cerebro, lo que provoca que este se inflame. La enfermedad se conocía antiguamente como 'agua en el cerebro'.

El pequeño fue a revisión este martes para que le ajustaran las válvulas que le habían colocado en la cabeza dos semanas antes. Sin embargo, a raíz de la última operación el pequeño empezó a sentir graves dolores de cabeza, que se agudizaron a lo largo del martes con vomitos. Al día siguiente sus padres decidieron llevarle a urgencias al centro sanitario malagueño, donde creen que es un problema de ajuste en el drenaje del líquido excesivo que su cerebro genera.

Desde este miércoles, los doctores tratan de encontrar la presión adecuada para la expulsión de ese líquido. Las válvulas tienen que estar bien reguladas pues, si drenan más de la cuenta, se contraen los ventrículos del cerebro y, si la presión es baja, se acumula demasiado líquido.

Mientras tanto, Adrián lleva todo este tiempo tendido en la cama con calmantes para soportar el dolor. La estancia hospitalaria de momento es indefinida y no está previsto que le den el alta.

Un vídeo casero le llevó a la fama

Adrián Martín saltó a la fama con 9 años cuando colgó un vídeo en YouTube en el que cantaba, junto a su hermana, la canción de Rosario Flores Qué bonito. El vídeo superó los tres millones de visualizaciones y el joven malagueño consiguió a través de Internet la repercusión que le hacía tanta ilusión.

El pequeño ha participado en programas televisivos, ha actuado ante millones de personas en festivales benéficos en México o Chile y en abril de 2016 vio cumplido su sueño lanzando su disco de debut Lleno de vida, con el que estuvo nominado a los Grammy Latino.

Salvador Sobral, tras su trasplante de corazón: «Mi problema ya está resuelto, ahora vamos a comenzar a tocar»

EFE

  • Salvador Sobral ha concedido su primera entrevista tras el trasplante de corazón.
  • Asegura que los medicamente que debe tomar hacen que su voz sea más frágil, pero está convencido de que no tardará mucho en recuperarse.
  • De momento no desee averiguar la identidad del donante.

Salvador Sobral

El cantante portugués Salvador Sobral, vencedor de la última edición de Eurovisión, dijo este jueves que tras su reciente trasplante de corazón, que ve de una forma "práctica", su problema "ya está resuelto" y puede volver a cantar próximamente.

Sobral ha hablado de su regreso a los escenarios en su primera entrevista en televisión tras la intervención, que tuvo lugar a principios de diciembre y por la que ha pasado en total cuatro meses ingresado, según explicó el artista, de 28 años.

El cantante aseguró en la cadena lusa RTP que no sintió "nada" al despertar de la operación, que considera "una experiencia como cualquier otra".

"Creo que el ser humano es súper adaptable y adapté esa situación a mi realidad", explicó Sobral durante la entrevista, en la que insistió en la visión "práctica" que tiene de su intervención. "Prefiero no ser supermetafísico sobre estas cosas y ser práctico: tenía esta problema, ya está resuelto, listo, vamos a comenzar a tocar, que es lo que me gusta", agregó.

Además, aseguró que esta visión pragmática es la que explica que, "por el momento", no desee averiguar la identidad del donante. "Puede ser que mañana diga: '¿De dónde viene? ¡Vamos a investigar!'. Pero por ahora no tengo esa voluntad de buscar", dijo.

Sobre las secuelas de la operación, el portugués explicó que le ha influenciado "de una manera física" porque, por ejemplo, los medicamentos que debe tomar "hacen que mi voz sea frágil en este momento". "Pero creo que va a volver a lo que era", comentó con una sonrisa.

Su primera aparición en televisión estuvo marcada por el habitual tono distendido de Sobral, que aseguró no sentir ninguna responsabilidad por causar una eventual influencia en otras personas que le admiren: "¡Odio la responsabilidad!".

Sobral, que comenzará a partir del próximo 27 de junio una gira por "varios festivales de verano" de España, según la RTP, remarcó que aún no ha cantado, apenas ha realizado ensayos, y que su "renacimiento" será en escenarios de los archipiélagos lusos de Madeira y Azores, en fechas que no precisó.

Su sueño inmediato ahora, dijo, es "viajar por el mundo y descubrir culturas tocando". "El mejor modo de descubrir culturas es tocar. Ir a Bogotá, Caracas…", comentó el luso, considerado un héroe en su país por conseguir la primera victoria de Portugal en Eurovisión, que celebrará su próxima edición el 12 de mayo en Lisboa.

Franz Ferdinand: «En este disco nos sentimos liberados de las viejas reglas»

JAVIER HERRERO / EFE

  • El grupo lanza 'Always Ascending', su nuevo álbum "mezcla de futurismo y naturalidad".
  • "Necesitábamos un tiempo de recreo frente a las expectativas del 'qué vendrá'", declara Alex Kapranos, líder de la banda.

Franz Ferdinand

Con Always Ascending, su nuevo álbum, Franz Ferdinand se internan en "una nueva década" llena de cambios, tanto en su alineación como en el sonido, con teclados y ordenadores imponiéndose a las guitarras. "Nos sentíamos libres de las viejas reglas", reconocen en una charla.

Todo arranca en 2015 con el disco previo que lanzaron como FFS con el veterano grupo del glam rock Sparks. "Aquello nos resultó muy refrescante, porque necesitábamos un tiempo de recreo tras Right thoughts, right words, right action (2013) y frente a las expectativas del 'qué vendrá después'", explican Bob Hardy y Alex Kapranos.

A finales de ese año, acabada la gira conjunta, el vocalista y guitarrista principal de Franz Ferdinand se compró un piano. "Es un instrumento increíble, la cosa más cara que me he comprado nunca, y disfruté mucho tocándolo, más que la guitarra", cuenta Kapranos, quien además descubrió los ordenadores como elemento de composición, no solo como una herramienta para procesar sonidos.

Tiempo después, en julio de 2016, Nick McCarthy anunció que se tomaba un descanso de la banda y así perdieron a su hasta entonces guitarra rítmica. En su lugar, entraron dos miembros más: Dino Bardot y Julian Corrie. "Junto a ellos todo era nuevo otra vez", coinciden.

A la suma de variantes hay que añadir otro nombre más, el del francés Philippe Zdar, la mitad del dúo de pop con sintetizadores Cassius y colaborador habitual de grupos como Phoenix.

"Es un tipo muy emocional, muy humano, y sus producciones también lo son. Todo lo que hace suena muy poderoso, porque es capaz de hacerte sentir que tu corazón se rompe en mil pedazos y a la vez elevarte. Eso es lo que estábamos intentando conseguir con nuestra música", subraya Kapranos.

Futurismo y naturalidad

Frente a grabaciones previas, convivieron nada menos que durante 14 meses con sus nuevas canciones haciéndolas crecer con cada ensayo hasta que entraron al estudio hace casi un año y las dejaron registradas en tan solo seis días.

El resultado es "una mezcla homogénea de futurismo y naturalidad", reza la nota de prensa que desde hace meses anticipa este Always Ascending (Domino Records) que por fin está disponible desde hoy en tiendas y plataformas digitales.

"Más que un renacimiento, para nosotros marca el comienzo de una nueva década. Por eso escogimos ese título para el álbum. Fue muy divertido hacerlo. Nos sentíamos muy osados y liberados de las reglas o de seguir la vieja senda", destacan.

Sus nuevas canciones, algunas de las cuales ya sonaron el pasado verano en diferentes festivales españoles, se vestirán de largo para un nuevo contacto con el público de aquí, ya que formarán parte del cartel del festival VIDA 2018 de Vilanova i La Geltrú (Barcelona) y contarán con cita doble en Madrid, en julio en Mad Cool y el 17 de marzo en La Riviera, en un formato singularmente íntimo.

"Tenemos una gran conexión no solo con España, sino también con el resto de países que hablan español, principalmente porque no sois personas cohibidas, o quizás porque os gusta deshaceros de esa timidez para disfrutar del momento, que es lo que a nosotros nos gusta como banda: una catarsis o una gran fiesta", proclaman.

Sobre lo que pasan de puntillas es sobre si la marcha de McCarthy es ya definitiva o se sigue considerando temporal. "Solo puedo decir que tocar con Julian y Dino es maravilloso", responde Kapranos.

El cine de temática homosexual deja de ser invisible

CARLES RULL

  • Títulos como 'Carol', 'Mi nombre es Harvey Milk', 'Brokeback Mountain' o 'Moonlight' no solo han acaparado elogios y premios, también éxito en las taquillas.
  • 'Call Me By Your Name', con cuatro nominaciones a los Óscar, entre ellas a la de mejor película, es el más reciente ejemplo.
  • Fassbinder, Almodóvar, Visconti o Stephen Frears figuran entre los grandes cineastas que han intentado normalizar a los personajes y temáticas LGTBI.

Call Me By Your Name

Call Me By Your Name se proyectó en diversos festivales especializados y su paso se saldó con la aclamación unánime de la crítica. Es una sensible historia de amor, de un primer amor y de verano, entre dos hombres enmarcada en parajes italianos durante los años 80. La acogida ha culminado con cuatro nominaciones en los Óscar, entre ellos a la mejor película y a uno de sus actores protagonistas, Timothée Chalamet. Incluso su director, el italiano Luca Guadagnino, ya piensa en hacer una pentalogía.

Serían cinco películas en total, y a lo largo del tiempo, siguiendo a su personaje central. Un proyecto que solo cuenta con el antecedente de François Truffaut y el personaje de Antoine Doinel que empezó su trayectoria, cuando era niño, en el clásico Los 400 golpes (1959). Call Me By Your Name llegó a nuestros cines el pasado 26 de enero, y aunque lo tiene difícil para repetir el logro que consiguió Moonlight, alzándose con la estatuilla a mejor película, allí está para ayudar a romper tópicos y prejuicios.

Uno de sus guionistas es el director James Ivory (el guion adaptado, junto con la de mejor canción original son sus otras dos nominaciones). El realizador de Una habitación con vistas (1985) o Regreso a Howards End (1992) también realizó una cuidada historia de amor homosexual en 1987, Maurice. Romances secretos en la Inglaterra de principios del siglo XX.

Call Me By Your Name coincide con otro galardonado largometraje en cartelera, la francesa 120 pulsaciones por minuto, sobre el SIDA y situada a inicios de los 90. Está nominada a 13 premios César, los que otorga el cine francés. Y el pasado noviembre también se estrenó la británica Tierra de Dios situando su argumento en un entorno rural y solitario.

El cine de temática LGTBI deja de limitarse a los circuitos de salas y festivales especializados. Las orientaciones sexuales entre el mismo género eran una asignatura pendiente sobre todo en el cine mainstream. En los años dorados del cine clásico de Hollywood era omitida o, como mucho, sugerida, y lo era también por razones comerciales. No todo es Brokeback Mountain (2005), la película de "vaqueros enamorados" con Jake Gyllenhaal y Heath Ledger, que fue uno de los títulos estrella de la primera década de este siglo.

En los años 40, el director Michael Curtiz dirigió el biopic de uno de los más admirados compositores y letristas de los años veinte, Cole Porter, en Noche y día (1946). En la vida real era Cole Porter era gay, aunque tuvo un matrimonio para guardar las apariencias con Linda Lee Thomas, una acaudalada viuda. En la gran pantalla lo encarnó Gary Grant, pero en el guion había desaparecido cualquier referencia a su homosexualidad.

"Ostras o caracoles"

Célebre es la escena en la superproducción de romanos Espartaco (1960) en la que el noble Craso, interpretado por Laurence Olivier, le pregunta a su joven y bello lacayo Antonino (Tony Curtis) si le gustan más "las ostras o los caracoles". La escena fue eliminada en el montaje de su estreno.

También comentadísima ha sido la atracción, más allá de la amistad, entre Ben-Hur (Charlton Heston) y Messala (Stephen Boyd) en la oscarizada superproducción de 1959. Insinuaciones lésbicas presentaba Rebeca (1940), de Hitchcock, y Óscar también a la mejor película, con la inquietante ama de llaves (Judith Anderson) supuestamente enamorada de la anterior y fallecida Señora de Winter.

En los últimos años, con premios y también éxito en taquilla, han abierto miradas y ocultado inhibiciones, liberándose de la etiqueta de cine marginal, títulos como la surcoreana La doncella (2016), la norteamericana Carol (2015), las francesas La vida de Adèle (2013) y El desconocido del lago (ambas de 2013), la chilena Una mujer fantástica (2017) o San Junípero, uno de los mejores episodios de la televisiva Black Mirror.

Clásicos y maestros

Antes, Tom Hanks se llevó el Óscar por Philadelphia (1993), interpretando a un abogado despedido por su bufete y enfermo de SIDA; al igual que Sean Penn por Mi nombre es Harvey Milk (2008) como el primer político norteamericano que se declaró abiertamente homosexual.

Jared Leto recibió la estatuilla al mejor secundario gracias a su caracterización de transexual en Dallas Buyers Club (2013), y Javier Bardem estuvo nominado como protagonista por Antes que anochezca (2000), en la piel del poeta cubano Reinaldo Arenas. Además, enorme controversia causó en su momento A la caza (1980), con Al Pacino como un detective investigando asesinatos y debiendo infiltrarse en los guetos más sórdidos de Nueva York.

Maestros en el género han sido el alemán Rainer Werner Fassbinder con Las amargas lágrimas de Petra Von Kant (1973), La ley del más fuerte (1975) o Querelle (1982); el británico Stephen Frears en los 80 con Mi hermosa lavandería (1985) y Ábrete de orejas (1987), o el italiano Luchino Visconti con otro clásico, el de Muerte en Venecia (1971).

Entre los cineastas españoles, Pedro Almodóvar y La ley del deseo (1987) como una de sus películas más celebradas, o Eloy de la Iglesia, convulsionando la España de los 70 con El diputado (1978). No fue hasta los años 60 cuando empezaron a incluirse, tímidamente, personajes gays. Una de las primeras fue el drama musical Diferente (1961), dirigida por Luis María Delgado, y protagonizado por un joven procedente de una familia bien y acomodada. Sorprendentemente, incluso pasó el corte de la censura franquista.

La versión en chino de ‘Despacito’ arrasa en las redes sociales de Oriente

EFE

  • Se trata de una interpretación más conservadora y menos sensual que la original.
  • El propio Luis Fonsi canta una parte en chino.

El cantante puertorriqueño Luis Fonsi en Moscú

La versión en chino de Despacito, una colaboración entre el cantante de Singapur afincado en Taiwán JJ Lin y Luis Fonsi, está arrasando en las redes sociales de Oriente, pese a que se trata de una interpretación más conservadora y menos sensual que la original en español.

En cuatro días, el vídeo colgado por el cantante puertorriqueño en VEVO ha recibido 2,1 millones de visitas, y la canción ha sido difundida en numerosos lugares de internet, recibiendo también cientos de miles de visitas.

Aunque el rotativo taiwanés Taiwan News aseguró que el lanzamiento en mandarín es una estrategia "muy inteligente" por parte de Fonsi, que incluso canta una parte en chino y se dirige así a un enorme mercado de consumidores, algunos consideran que esta versión llega tarde.

"Ya se ha difundido la canción, al menos en Taiwán, y se han registrado versiones por parte de cantantes en chino. Fonsi debería haberla sacado antes", dijo a Efe Lucía Lin, una estudiante de español en la Universidad Tamkang (Taiwán).

La letra de la versión en mandarín, compuesta por Harry Chang, es "más conservadora y menos sensual que la original en español, quizá para adaptarse al mercado de China continental", comentó a Efe el profesor de español en Taiwán Rigel Pérez.

El proyecto recuerda al de Fonsi con el cantante canadiense Justin Bieber en abril de 2017, que catapultó la canción al escenario mundial, y cuenta con la gran fama de JJ Lin en el mundo de habla china.

JJ Lin es uno de los cantantes en chino más galardonado en festivales y su último álbum, titulado en inglés Message In a Bottle (Mensaje en una botella), salió en noviembre de 2017 y, en un solo mes, vendió casi medio millón de copias en formato digital.