Encuentran la primera ‘demo’ de David Bowie en una vieja cesta de pan

20MINUTOS.ES

  • El antiguo batería de The Konrads, primer grupo del artista, ha recuperado la cinta en una mudanza.
  • La grabación recoge al músico interpretando el tema 'I Never Dreamed'.

Un camaleón irreconocible

Un joven estudiante de música accedió, a sus 16 años, a grabar la voz para una demo en un pequeño estudio del sur de Londres. Pocos sabían por entonces que esa voz valdría millones en un futuro próximo, ya que sería la primera grabación que realizaría David Bowie en su carrera musical.

Ahora, dicha cinta ha sido recuperada de una vieja cesta de pan y está previsto que salga a subasta por una puja inicial de 10.000 dólares, según The Guardian.

En la grabación se puede escuchar a un Bowie adolescente interpretando I Never Dreamed junto a la que fue su primera banda, The Konrads. La cinta no llevó al grupo a alcanzar el éxito, formación que quien por entonces seguía haciéndose llamar David Jones abandonó alegando diferencias artísticas.

Esta primera prueba del talento de Bowie ha resurgido a la superficie gracias a David Hadfield, antiguo batería y mánager de The Konrads, quien la encontró en una mudanza. La cinta estaba escondida en una cesta de pan que pertenecía al padre de Hadfield, situada en el garaje.

Hadfield ha recordado que el por entonces agente de Konrads, Eric Easton, quien también estuvo al frente de la gestión de The Rolling Stones, quiso que el grupo grabase una demo. El antiguo batería de la formación organizó una cita para la que el propio Bowie escribió un par de temas.

"Yo mismo decidí que David era la mejor persona para cantar I Never Dreamed y darla la correcta interpretación. Así que esta cinta se convirtió hace 55 años en la primera grabación de David Jones cantando", ha declarado el propio Hadfield.

Los recuerdos del mánager, entre los que se encuentra dicha demo, serán vendidos por la casa de apuestas Omega en Liverpool (Reino Unido) en septiembre.

El FIB se prepara para su mayor baza de esta edición: The Killers (y la posible visita de Pedro Sánchez)

ROSABEL TAVERA / EFE

THE KILLERS

Tras una primera jornada en la que se facturaron actuaciones notabilísimas y una buena entrada de público, el Festival Internacional de Benicàssim (FIB) se prepara para acoger el show de su mayor baza en 2018, la banda de Las Vegas (EEUU) The Killers.

La vigésimo cuarta edición del FIB arrancó la noche del jueves con grandes actuaciones de Tune-Yards, Princess Nokia, Meridian Brothers, Two Door Cinema Club o Travis Scott y este viernes los asistentes asimilan la primera noche de fiesta entre las zonas de acampada, las playas de Benicàssim y cualquier sombra que el municipio brinde.

La jornada del viernes trae como mayor reclamo a The Killers, grupo formado en 2003 en Las Vegas que es el resultado del talento del cantante y teclista Brandon Flowers, el batería Ronnie Vanucci, el guitarrista Dave Keuning y el bajista Mark Stoermer.

La banda vuelve a Benicàssim desde su última visita en 2013 y lo hace con su quinto álbum de estudio Wonderful, Wonderful, publicado en septiembre de 2017 y con el que han llegado a las primeras posiciones en las listas de éxitos en Estados Unidos.

Se rumorea además que el presidente del Gobierno, Pedro Sánchez (que esta tarde tiene una reunión informal con el president de la Generalitat Valenciana, Ximo Puig, en Castellón) podría asistir al FIB para ver a The Killers, ya que además asistió al mismo en 2013 y confesó su predilección a través de las redes sociales por The Strokes, que actuaron en 2011, pero en su agenda oficial no se incluye esta visita.

También disfrutó del concierto de The Killers en 2013 la reina doña Letizia aunque su presencia pasó inadvertida.

Anna Calvi, The Vaccines y un fin de semana por delante

Además de The Killers el FIB espera este viernes otros grandes nombres como Anna Calvi, The Vaccines, Juanita Stein, Eric Prydz o Catfish and the Botlemen, que actuarán en el escenario principal.

Y muchas otras propuestas en los otros cuatro escenarios como Joana Serrat and the Great Canyoners, Tulsa, Sleaford Mods, The Charlatans, C.Tangana y Amable (todos ellos en el escenario Visa).

Pasarán por el escenario VW Driving Music FIB Club, Júlia, Rural Zombies, Cuchillo de Fuego, Dani Less DJ, La Plata, The Snuts, Perro, Buenavista y Siria.

Estarán en South Beach Dance Stage Radio 3 los artistas Desert, Bob Moses, Palmistry,Tommy Cash, Jackwasfaster y Pedro Vian.

Y completan la noche los pinchadiscos destinados a hacer bailar sin descanso a los asistentes en el South Beach Pool Party.

Muere Shinobu Hashimoto, guionista de ‘Los siete samuráis’ o ‘Rashomon’

20MINUTOS.ES

  • El cineasta, uno de los principales colaboradores de Akira Kurosawa, ha fallecido a los 100 años de edad.
  • Fue una de los escritores más influyentes del género 'chanbara', el cine de samuráis.

Los siete samuráis

El guionista Shinobu Hashimoto, conocido por sus colaboraciones con el director Akira Kurosawa en Los siete samuráis o Trono de sangre y por ser adalid del género chanbara (cine de samuráis), ha fallecido este jueves a los 100 años de edad.

Hashimoto nació en la prefectura de Hyogo en abril de 1818, pero no fue hasta 1950 cuando escribió la que sería su primera película, León de Oro en la Mostra de Venecia y el comienzo de su idilio cinematográfico con el afamado director nipón: Rashomon, donde la misma historia sobre un crimen se cuenta desde tres puntos de vista distintos.

En esta película también trabajaría con los actores a los que dio sus mejores papeles: Toshiro Mifune y Takashi Shimura. Precisamente este último protagonizó su siguiente cinta con Kurosawa, Vivir, en 1952.

Tras tabajar con Ishiro Honda en Taiheiyô no washi, volvió a colaborar en 1954 con Kurosawa, Mifune y Shimura en la película por la que siempre sería recordado, Los siete samuráis.

Su trama, en la que un pueblo, harto de ser acosado por bandidos, decide recurrir a la ayuda de un grupo de guerreros para que los libren de sus enemigos, ha sido objeto de múltiples remakes, como el wéstern Los siete magníficos, con Yul Brynner y Steve McQueen, o la cinta de animación de Pixar Bichos.

Hashimoto trabajaría en más ocasiones con Kurosawa, como adaptando el Macbeth de Shakespeare en Trono de sangre o escribiendo el guion de La fortaleza escondida, la película que, según George Lucas, más influencia tuvo en Star Wars.

Otras de sus películas más concoidas fueron Rebelión, de Masaki Kobayashi, en 1967 y de nuevo protagonizada por Toshiro Mifune; dos años después, Hitokiri, de Hideo Gosha; o El castillo de arena, en 1974, dirigida por Yoshitarô Nomura.


Zoé: «Siempre nos ha importado lo que sucede en México, pero no somos una banda protesta»

MARÍA TORO

  • La banda llega a España con su nuevo disco, 'Aztlán' (Universal, 2018).
  • "Hace mucho que no confiamos en nadie de fuera del grupo para que dirija nuestros vídeos".

Zoé

En un país con una cultura musical donde predominan los estilos urbanos, Zoé es una rareza que se mantiene en el tiempo. El grupo de rock mexicano lleva dos décadas en lo más alto de las listas de su país como una rara avis, la excepción que confirma la regla.

Ahora, el grupo aterriza en España con Aztlán (Universal, 2018), un disco que llega cinco años después de su anterior trabajo y en el que Zoé se ha atrevido a explotar su vena más mexicana y miran de frente a los problemas que acechan a su país.

La imagen que han escogido para la portada de Aztlán (Universal, 2018) es muy abstracta.
León Larregui: Está muy relacionado con el disco y el concepto del mismo, de lo que contamos en el álbum. Es la peregrinación de los tribus buscando su tierra prometido y termina siendo Tenochtitlán, que termina siendo México.

¿Qué significa "Aztlán"?
L. L: Aztlán se supone que es el lugar de donde provenían todas las tribus nahuatlacas, que eran un total de siete, y una de ellas es una de los mexicas, que llegan a la ciudad y Aztlán significa el lugar de la blancura o de las garzas, se dice que podría haber sido su isla… Hay muchas teorías acerca de dónde podría estar ese lugar, es un concepto que sigue viviendo en el mundo de lo mítico y la leyenda, hay gente que dice que está en el norte de México, otros en el sur, que era la Atlántida…

Sergio Acosta: Es parte de la cultura mexicana, aunque no conocíamos la historia en tanta profundidad, así que tuvimos que indagar un poco más.

Han pasado cinco años desde su disco anterior, ¿qué ha estado haciendo Zoé todo este tiempo?
L. L: Hemos estado trabajando todos en nuestros propios proyectos por nuestro lado. Sergio estaba produciendo a bandas con nuestro sello…

S. A: En realidad no son cinco años, ¿no?

Rodrigo Guardiola: Son cuatro entre disco y disco, pero solo los primeros dos fueron de gira del disco anterior, en el tercer año León sacó un disco solista y el resto hizo distintos proyectos, y en el cuarto año nos llevó todo 2017 para grabar este disco.

S. A: No hemos parado de hacer cosas.

R. G: Es un poco vieja escuela que pase tanto tiempo, pero nos viene bien porque damos un salto conceptual mucho más largo y de mayor calidad. La separación entre disco y disco te lleva a inyectarle cosas más nuevas; a lo mejo si sacar uno nuevo cada año o dos empezaríamos a repetir fórmulas y con el paso del tiempo te inspira más el momento de ir al estudio y sumergirte durante meses a ver qué descubres. Nos viene bien ese espacio de tiempo y la gente así lo recibe, con mucha hambre, en México la gente lo recibe con muchas ganas. Cuando sacamos Azul debutó muy alto en las listas y la gente empezó a devorar el álbum por completo, que en realidad es una tradición bastante olvidada, porque la gente ahora consume las canciones sueltas de distintos géneros como el urbano, que no son tanto de disco como tal. Sacar un álbum obliga a la gente a ir a la disciplina de escucharlo al completo y descubrir sus temas favoritos, eso nos inyecta energía para salir a tocarlo en directo.

El pasado 19 de abril dieron un concierto sorpresa en La Glorieta de los Insurgentes (México) del que avisaron solo por redes sociales y al que acabaron yendo unos 5.000 asistentes. ¿Ese apoyo es el que les anima a seguir adelante con su proyecto?
L. L: Teníamos ganas de hacer algo diferente para promocionar el disco, pero no esperábamos esa acogida. Quisimos hacerlo en el metro para ser muy insurgentes, lo bueno es que nos ahorramos muchas entrevistas [risas]. Fue como si una banda española hubiera tomado la salida del metro de Sol.

El vídeo del tema Azul tiene un aura muy Blade Runner, ¿qué efecto quería logar, León, cuando dirigió el videoclip?
L. L: La ciencia-ficción es mi género favorito en la cinematografía y Azul me daba flojera representarlo de forma literal, porque es una ruptura, así que había que darle la vuelta y fue el pretexcto perfecto para llevar a otro lugar la historia y hacer lo que más me gusta.

¿No estaban asustados por lo que León pudiera hacer con la canción?
S. A: [risas] No, porque no es la primera vez que nos dirige y estábamos convencidos de que nos iba a convencer.

L. L: El de Hielo, que lo hizo un amigo muy querido, ha quedado muy bien.

Ángel Mosqueda: Hace mucho que no confiamos en nadie de fuera del grupo para que dirija nuestros vídeos, pero esta vez lo hicimos y salió bien.

L. L: Antes confiábamos en gente y hacía cosas horribles, así que una vez decidimos que pasábamos de volver a intentarlo.

Han tenido muchos desencuentros con los sellos discográficos a lo largo de su trayectoria y ahora tienen el suyo propio, Panoram. ¿Se sienten cómodos con el proyecto?
S. A: El sello es una parte de algo que está más relacionado con el amor al arte que otra cosa. Se trata de transformar el entusiasmo que nos genera la música y la posibilidad de trabajar en proyectos nuevos, sobre todo es un sello muy de propuesta y de apostar por la gente que nunca ha grabado nada, no ha estado en un estudio… Es una forma de devolver el apoyo que tuvimos cuando empezamos. Nos permite editar absolutamente todo y es un proyecto con ganas de generar música de calidad en un sentido estético muy ecléctico.

Cuando empezaron, ¿les hubiera ayudado más contar por entonces con un sello así?
L. L: Sí, sí.

Á. M: Es parte de la idea también, ayudar a las pequeñas bandas que necesitan espacios donde ensayar, tocar… es regresarle al universo lo que nos dio en nuestros comienzos.

S. A: cuando empezamos no existían las redes sociales ni el acceso a internet como ahora mismo, así que para hacer un disco profesional tenías que meterte en unos estudios enormes y lo hacíamos con casetes. Es otro momento ahora y las bandas jóvenes tienen mucho acceso a tecnología que nosotros no tuvimos, que facilita su carrera.

Á. M: Hace 20 años tenías que salir en las radios más importantes para que la gente te conociera, porque si no, nadie te escuchaba, nadie.

S. A: También repartíamos casetes.

Al principio fueron criticados por no implicarse políticamente en su música, pero en Aztlán parece que se han atrevido a explorar esa vía.
L. L: Siempre nos han importado las cosas que suceden en nuestro país, pero no somos una banda protesta ni nos gusta involucrarnos en la política. En este disco hay cosas que metafóricamente pueden hacer referencia a estas cosas que suceden en el país, pero tampoco hay nada muy político.

R. G: En vez de protesta es más bien optimismo.

S. A: Cuando empezamos, tocábamos en los festivales de la Universidad de México con el boom del zapatismo. Estábamos fuera de contexto porque eran las típicas bandas más folclóricas y nosotros desencajábamos un poco, pero ahí estábamos.

Incluso llegaron a llamar a sus seguidores la Generación Zoé, aludiendo a los jóvenes despreocupados de la realidad social que les rodeaba.
L. L: Justo el año en el que salió ese artículo, todos esos niños a quienes les gustaba Zoé comenzaron a afiliarse al Movimiento YoSoy132 (un movimiento ciudadano conformado por estudiantes de educación superior que buscaba la democratización de los medios y el rechazo a Enrique Peña Nieto), que atacaba precisamente a quien tuvimos como presidente, Enrique Peña Nieto. Ese artículo lo hizo alguien que no estaba bien informado.

¿Les molestó?
R. G: Intentamos una defensa en redes y luego la gente se echó encima de una forma muy dura contra el periodista que hizo el artículo, fue justo cuando comenzaron a efervescer ese tipo de ataques en las redes.

Á. M: Es muy fácil destruir una banda, es muy fácil destruir una obra. No falta quien se encargue de destruir, pero si vieran todo el trabajo que hay detrás, tendrían muchísimo más respeto.

Con Aztlán han regresado también a sus raíces mexicanas.
L. L: No con referencias étnicas, pero más como del diálogo: hablamos de la migración, pero metafóricamente hablando de Aztlán, ni siquiera de Estados Unidos; de que no hay mal que dure 100 años, haciendo referencia al partido político que casi tuvimos por un siglo y fue casi una dictadura… Sí que hay referencias a México, a lo que ocurre en nuestro país.

Á. M: Esas situaciones no están tan reflejadas en el disco, es un álbum muy relajado, con todas las facilidades porque lo hicimos durante un año con todo el cariño y musicalmente creo que es de nuestros mejores trabajos. No es una apuesta política. La temática es muy sutil.

L. L: Está relacionado con el amor, la familia, hay una canción que habla del temblor (el terremeto de 7,1 en la Escala Richter en México el 19 de septiembre de 2017); otra de esos jóvenes que no se interesaban por su contexto social sino que vivían, simplemente, el día a día; de retomar nuestras raíces, de las elecciones de este año… Está todo lo que nos ha ocurrido en estos últimos años. Recuerdo que en medio del temblor estaba grabando las voces de Aztlán y tuve que continuar mientras la ciudad de México estaba toda destruida, por los suelos, fue muy duro. Musicalmente, y creo que en todo el trabajo hay mucha luz, es un disco muy positivo.

En su gira por España les venden como "Los Vetusta Morla mexicanos", ¿les halaga?
S. A: Creo que tiene que ver también con que somos dos bandas muy parecidas, surgimos de una independencia, somos análogos en ese sentido.

L. L: Las dos bandas hemos crecido paralelamente y de forma independiente y se conjuga ese parecido, más allá de lo musical. Pero sí, nos halaga.

José del Tomate: «El flamenco es de un público selecto y minoritario»

PAULA ARENAS

  • "Ser 'hijo de' es un peso y es una ayuda: las dos cosas".

José del Tomate

José del Tomate, hijo de El Tomatito y biznieto de Miguel Fernández Cortés El Tomate, está a punto de presentar el disco Plaza Vieja (Universal) en el Teatro Real. Será el 30 de julio.

A una guitarra pegado, que le regaló su padre, desde los tres años, a los once sabía que quería ser guitarrista. Y desde entonces no ha parado. Este guitarrista, al que algunos lo sitúan ya en las cotas más altas del flamenco, adora a su padre, su maestro.

¿Cómo está de orgulloso?
Mucho, estoy muy contento de cómo ha quedado el disco y de cómo lo está aceptando la gente. Y de la presentación el 30 en el Teatro Real.

Vaya escenario, el más alto…
Sí, estoy muy nervioso, pero intentaré hacerlo lo mejor posible. Usaré los nervios a favor, a ver si me sale. Daré lo mejor de mí y espero que les guste.

¿Se lo va a dedicar a alguien?
Pues como es el primero, mejor no, por si sale mal…

Ser hijo de ¿peso o ayuda?
Las dos cosas a la vez.

¿De qué canción está más orgulloso?
La que le dedico a mi padre, a Camarón… Todas.

Si pudiera cambiar el Teatro Real por un escenario más pequeño, ¿lo haría?
Lo cambiaría por casa.

¿El flamenco sigue estando lejos de la gente joven?
Es cuestión de gustos. Y el flamenco o te atrapa o no, y no hay manera de convencerlos si no es de su agrado.

¿Una canción para los jóvenes?
La joya, que es una soléa, algo que ya casi nadie hace, porque es como antiguo.

¿Qué quiere transmitir?
Emociones, porque si no se siente, algo falla. La música en general debe hacerlo.

¿Le molesta que haya poco espacio para el flamenco en televisión?
No me molesta. El flamenco es de un público selecto y minoritario. Y está llegando muy lejos.

¿Está de acuerdo en que las mujeres gitanas fueron las primeras feministas?
Hay que llegar a un término medio.

¿Una canción para las mujeres?
De ti me enamoré, una balada que es para todas ellas. Y es un homenaje a Manzanita.

Crítica de ‘Mamma Mía! Una y otra vez’: una secuela precuela no tan loca como el musical al que homenajea

DANIEL G. APARICIO

'Mamma Mía! Una y otra vez'

Hace exactamente diez años, Meryl Streep y Amanda Seyfried llevaron el célebre musical Mamma Mía! a la gran pantalla. Aunque estaba lejos de ser una de las mejores películas musicales de la historia, lo cierto es que tenía algo especial. Para empezar, la banda sonora era un maravilloso recital compuesto por la mayoría de los temazos de ABBA. Al margen de eso, la chispa radicaba en su falta absoluta de complejos. Llena de situaciones inverosímiles, con escenas y números más forzados que el acento de Javier Bardem en Mar adentro y la vena kitsch fuera de madre, por momentos parecía una parodia involuntaria del género.

Y es en ese desparrame en el que ¡Mamma Mia! La película rebasaba la línea de lo malo y se volvía una deliciosa y desvergonzada bacanal hortera de baile, humor y color. Eso es exactamente lo que esperaba encontrar en esta continuación, pero las expectativas se han cumplido solo a medias.

Mamma Mia! Una y otra vez es al mismo tiempo una precuela y una secuela. Los flashbacks, que abarcan la mayor parte del metraje, cuentan cómo la joven Donna conoció a los que acabarían siendo los tres padres de su hija Sophie. El problema aquí es que no se cuenta nada que el espectador no sepa ya, así que el mayor interés pasa por descubrir qué actores y actrices se han escogido para dar vida a las versiones rejuvenecidas de Pierce Brosnan, Colin Firth, Stellan Skarsgård y compañía.

Las mejores vuelven a ser Rosie y Tanya, las amigas de Donna, tanto en sus versiones adolescentes (Alexa Davies y Jessica Keenan Wynn) como en sus encarnaciones adultas, de nuevo interpretadas por Julie Walters y Christine Baranski, quienes hacen acto de presencia en la otra mitad del filme, la que funciona como continuación.

En este caso la gracia es ver junto a todo el reparto original una década después. Sin embargo, no hay ningún gran conflicto ni demasiadas líneas argumentales de las que tirar, así que en realidad todo se reduce a una especie de reencuentro de esos que se han puesto tan de moda en los últimos años.

El resultado es que tanto pasado como presente aportan pocas sorpresas. Y la que podría haber sido la mayor de todas, la aparición de Cher, ya ha sido más que destripada por la campaña promocional.

Por otro lado, como en la primera película se utilizaron las canciones más populares de ABBA, la banda sonora de esta segunda parte está formada en su mayor parte por temas poco conocidos del grupo y varios de la discografía posterior de Benny Andersson y Bjorn Ulvaeus. Sí se ha optado por repetir algunas canciones, como Dancing Queen, Super Trouper y, por supuesto, Mamma Mía.

La buena noticia es que los dos hits que quedaron fuera de la primera parte sí están aquí y protagonizan además dos de los mejores momentos del filme. El primero es Waterloo, loco, original, ingeniosamente justificado y divertido como ningún otro. El segundo es Fernando, ya en los compases finales. Está introducido de una forma tan inesperada y arbitraria que resulta hilarante. Una genialidad.

Pero estos destellos de disparate sin pudor son escasos. Cuanto más centrada y lógica pretende ser la película, menos gracia tiene respecto a aquella a la que obviamente homenajea. ¿Por qué los aldeanos griegos son ahora extras normales y corrientes y no aquella especie de Umpa Lumpas traviesos que ponían caras raras, se escondían y reían sin motivo aparente? Se les echa de menos. Aunque a quien más se echa en falta es a Meryl Streep, porque no, ella no es la protagonista esta vez.

Paris Jackson interpretará a una cantante en la película ‘Un espacio entre nosotros’

EFE

Paris Jackson

Paris Jackson, la hija del 'rey del pop' Michael Jackson, interpretará a una cantante en la película independiente Un espacio entre nosotros, según ha informado el medio especializado Deadline.

Paris Jackson (Los Ángeles, 1998) estará acompañada en el reparto de esta cinta por Jackson White, que ha aparecido en las series The Middle y SEAL Team, y por Kelsey Grammer, el famoso protagonista de Frasier.

Rachel Winter, que fue nominada al Óscar a la mejor película por su labor como productora en Dallas Buyers Club (2013), se estrenará como realizadora con este largometraje ambientado en el mundo de la música.

Un espacio entre nosotros se centra en Charlie Porter (White), un joven que trata de abrirse camino en la industria musical de Los Ángeles y al que le encargan lidiar con el contrato de Micky Adams (Grammer), una vieja gloria del rock.

Paris Jackson se ocupará de dar vida a Cory, una cantante que sueña con triunfar sobre los escenarios.

Tras debutar el año pasado como actriz participando en varios capítulos de la serie Star, Paris Jackson consiguió recientemente un pequeño papel en Gringo (2018), una comedia negra protagonizada por Charlize Theron, David Oyelowo y Joel Edgerton.

Gloria Estefan recibirá el lunes la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes

EUROPA PRESS

  • Hará entrega de la Medalla el Ministro de Cultura y Deporte, José Guirao, en el Teatro Real.
  • La cantante, compositora y actriz es considerada como 'la madre del pop latino'.

Gloria Estefan en los premios Kennedy Center Honors

El ministro de Cultura y Deporte, José Guirao, entregará la Medalla de Oro del Mérito de las Bellas Artes, el próximo lunes 23 de julio a las 12.00 horas, a la cantante, compositora y actriz, Gloria Estefan en el Teatro Real, según informa el Ministerio de Cultura y Deporte.

Con esta entrega "se cumple un deseo expreso de la galardonada", que por causas de fuerza mayor no pudo recibir su Medalla en la ceremonia del pasado mes de febrero que presidieron los reyes en el Museo Pompidou de Málaga.

En esta ocasión, aprovechando una visita a Madrid de la cantante y su marido, Emilio Estefan, el ministro le hará entrega de este galardón, con el que el Ministerio de Cultura distingue a las personas y entidades que hayan destacado en el campo de la creación artística y cultural.

Considerada como la 'madre del pop latino', Gloria Estefan ha ganado, entre otros, siete premios Grammy, posee una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y el presidente de Estados Unidos le entregó en 2015 la Medalla de la Libertad del país. De igual manera, es una de las artistas musicales con mayores ventas, con más de 100 millones de discos vendidos en todo el mundo.

Arranca La Mar de Músicas con una mirada a los ritmos clásicos y otra a Dinamarca

EFE

  • Este viernes da comienzo, con el concierto de Rubén Blades, la 24º edición del festival, que tiene al país nórdico como invitado.
  • Texas, Gregory Porter, Songhoy Blues, Cécile McLorin Salvant, La M.O.D.A o The Human League, algunos de los artistas que pasarán por Cartagena.

El músico Rubén Blades.

La Mar de Músicas 2018 arranca este viernes con el concierto inaugural del panameño Rubén Blades acompañado de Roberto Delgado Salsa Big Band, que dará el pistoletazo de salida a una edición del festival con Dinamarca como país invitado sin dejar de mirar a las bandas y solistas procedentes de África y América Latina.

Texas, Gregory Porter, Songhoy Blues, Cécile McLorin Salvant, La M.O.D.A o The Human League son algunos de los cantantes y grupos de la vigésima cuarta edición de este festival, que se celebrará del 20 al 28 de julio con un especial protagonismo para Dinamarca, que protagonizará una decena de conciertos, entre ellos Whomadewho, Eivor, The Savage Rose, Bisse o Den Sorte Skole.

El grupo escocés Texas, una de las bandas más referenciales del britpop y con más de 35 millones de discos vendidos en su carrera, presentará su último álbum Jum on board, el domingo 22 de julio. Ese mismo día actuará la banda maliense de rock africano Songhoy Blues.

El lunes, como ya es habitual en las últimas ediciones, la organización entregará el premio La Mar de Músicas, que este año ha recaído en la cantante colombiana Totó La Momposina, que sucede al cubano Pablo Milanés y que traerá los ritmos del Caribe de Colombia en el concierto posterior a la recepción del galardón, que tendrá lugar en el Auditorio El Batel.

El jazz también tendrá un hueco en el festival con dos de los mejores cantantes del momento en este género: Cécile Mclorin Salvant, ganadora del premio al Mejor Álbum de Jazz Vocal en la reciente gala de los Premios Grammy; y Gregory Porter, uno de los vocalistas de jazz y soul más cotizados y carismáticos, que traerá a Cartagena el 24 de julio su último disco dedicado a Nat King Cole.

Representando la música latinoamericana estará la nueva banda Trending Topics. Este grupo está compuesto por la mente musical de Calle 13, Eduardo Cabra (Visitante) y el cantautor dominicano Vicente García.

El grupo burgalés La M.O.D.A., siglas de La Maravillosa Orquesta Del Alcohol, presentará el 27 de julio en la ciudad portuaria su tercer álbum recién salido al mercado, Salvavida (de las balas perdidas).

Ese mismo día estará en Cartagena la maliense Fatoumata Diawara. La cantante se ha convertido en los últimos años en una de las voces femeninas más relevantes de la nueva generación artística africana.

Para finalizar, el mítico grupo británico The Human League será el encargado de clausurar el festival con su concierto del sábado 28 de julio, en el que tocarán tanto temas de antaño como los de su último disco, Credo.

Bomba Estéreo: «Colombia tiene un gobierno de extrema derecha, tocará hacer resistencia con nuestra música»

MARÍA TORO

  • El dúo llega a Noches del Botánico (Madrid) con su último disco, 'Ayo' (Sony, 2017), y su mezcla de estilos y baile.
  • "En esta era global, el lugar de donde vienes es lo que te hace diferente al resto".
  • "La música no es un camino hacia la fama, es un instrumento de transformación".

Bomba Estéreo

Son colombianos, cinco trabajos discográficos a su espalda les consolidan como los anfitriones del baile con unos directos llenos de color: Bomba Estéreo viene dispuesto a arrasar la noche de este jueves Noches del Botánico en Madrid con los temas de su último disco, Ayo (Sony, 2017).

La voz de Li Samuet, junto a la magia sobre los instrumentos de Francisco Pacho Carnaval, crean una mezlca en sus temas de reivindicación social con un punto optimista y, ante todo, la máxima de pasarlo bien. Su mezcla de estilos, desde el rock hasta el rap, pasando por el reggae y la electrónica, les han llevado a la mismísima Casa Blanca (Obama confesó ser fan de su trabajo) y a hacer un dúo con Will Smith.

Antes de su directo, 20minutos habla por teléfono con Francisco, quien se encuentra en Colombia, país que les ha inspirado para este último álbum.

Su último disco se títula Ayo, ¿qué significa?
Ahora mismo estamos en una segunda, fase, porque lo sacamos el año anterior y este es el último en el que salimos de gira, en 2019 tocará crear uno nuevo.

La palabra "Ayo" tiene un significado abierto, pero está muy relacionada con que el disco lo hicimos en un lugar muy especial en Colombia, en la Sierra Nevada de Santa Mar, es un lugar en la costa del Caribe muy poderoso porque está poblado por comunidades indígenas. Es un sitio muy poderoso y espiritual porque es el lugar del mundo donde la nieve está más cerca del mar Caribe. "Ayo" es una palabra muy importante para estas culturas, porque la hoja de coca se considera sagrada, es un árbol sagrado, y los indígenas la mastican desde hace años; "Hayo" es el nombre con el que ellos bautizaron a esta hoja. Bautizamos así el disco como un homenaje a esta comunidad. En el diccionario tiene varios significados, aparte de este, y nos pareció lindo que fuera algo que cada persona puediera darle su propia interpretación.

¿Y para Bomba Estéreo?
Para nosotros es un homenaje a ese lugar y a esa cultura que nos han inspirado para grabar el disco. Hicimos un ritual de iniciación antes de crear el disco con ellos, para pedir permiso para poder trabajar y hacer música en ese lugar y que los indígenas nos abrieran las puertas de su hogar. Todo esto se ve en el documental que hicimos sobre la experiencia, que está colgado en nuestro canal de Youtube.

En Ayo (Sony, 2017) realizan una búsqueda de las raíces, regresan a su país natal, ¿por qué es tan importante no olvidar de dónde venimos?
Porque esta era que nos ha tocado vivir, en plena globalización, donde las redes sociales son tan fuertes, lo que marca la diferencia y lo que te hace único y diferente al resto es precisamente el lugar de donde vienes. A nivel artístico, a la hora de expresarnos, es lo que marca la diferencia. Bomba Estéreo hace música electrónica, pero tenemos nuestras raíces y una música que viene de ese lugar y ese es el punto distinto con el resto de bandas. Provenimos de Latinoamérica, donde hay una mezcla muy amplia de culturas tan híbridas… volviendo a las raíces más profundas descubrimos realmente cómo somos.

¿Qué han aprendido de esta experiencia como grupo?
Que la música no es un camino hacia la fama, ni hacia el reconocimiento, sino que es un instrumento de transformación y es capaz de cambiar tanto a uno mismo, como al resto de personas. No creemos que nadie esté por encima de su público, sino que compartimos una energía transformadora y debemos ser responsable con ello y con nuestro éxito. La música es el arte que más toca a las personas, de una manera muy bonita y muy libre, tenemos que ser conscientes de eso y saberlo manejar. Hay que liberar mensajes con nuestra obra para que la gente cambie y sea un poco mejor, porque la música puede cambiar la realidad.

Sus canciones están plagadas de mensajes reivindicativos: en Flower Power elevan el pder femenino, Internacionales aboga por la eliminación de las fronteras, Soy Yo es un himno antibullying… ¿Es Bomba Estéreo una banda reivindicativa?
Sí, hemos descubierto que uno llega a reivindicarse con uno mismo. Al ser humano le falta mirarse hacia dentro, porque siempre mira hacia afuera, siempre queremos ser más de lo que somos y desconectamos de nosotros mismos. Nosotros creemos que tenemos que mirarnos hacia adentro, porque es donde vamos a encontrar todas las respuestas, qué es lo que uno quiere ser; es un camino hacia la felicidad. Nuestra música apunta hacia eso y combinándola con el baile ya es una bomba, porque con la danza nos encontramos conmigo mismos y encontramos respuestas.

Puede sorprender que usen el baile para la reivindicación social.
Venimos de una cultura de baile, somos colombianos, es una culutra tropical y crecimos bailando, es parte de nuestro ADN. El baile es un ritual para conectarse con lo espiritual, así que poder hacer las dos cosas a la vez una bendición. Cargamos nuestras canciones de denuncia aunque sin volvernos discursivos, no queremos hacer canciones protesta. Queremos que con el baile el mensaje llegue más hondo y la gente pueda expresarse e identificarse mejor con nuestras letras.

Su baile se ha expandido por todo el mundo, incluso a llegado al mismo Obama, ¿por qué creen que un grupo como el suyo ha gustado tanto?
La gente necesita mucho el baile para salirse de la cotidianidad, de la rutina, y la música de colombia es muy poderosa en ese sentido, invade al mundo en todos los ámbitos. La música aquí siempre ha sido muy fresca, somos multiculturales, tenemos muchas influencias, somos una raza híbrida y eso hace que nuestros sonidos sean más interesantes y frescos. A la gente le gusta eso, le gusta escuchar cosas nuevas y Colombia tiene mucho de eso. Todo el mundo quiere bailar y pasarlo bien.

Trasladan esa energía al escenario con una impresionante puesta en escena…
Nos gusta mucho explorar eso, el tema visual es muy importante para nosotros y tenemos una influencia muy fuerte del Carnaval de Barranquilla. Es importante trasladar nuestro mensaje al escenario con elementos que hablen de lo mismo, que transmitan nuestras canciones, es una manera muy interesante de hacer un concierto. Siempre experimentamos, ahora llevamos una dinámica de la jungla, con muchos colores.

También tienen un fuerte compromiso con el medioambiente, son embajadores de la Gran Alianza Contra la Deforestación.
Gracias a nuestra experiencia grabando este disco nos hemos conectado mucho con la naturaleza y el medioambiente en Colombia, que es un país verde y natural y, a la vez, está muy amenazado. Quisimos formar parte de esta alianza para crear conciencia sobre el tema, tenemos un proyecto en el principal río de Colombia para salvarlo también…

Y se han implicado mucho por redes sociales con las pasadas elecciones colombianas, llamaban a votar a todo el mundo.
El tema político en Colombia está fatal, al igual que en el resto del mundo, Colombia no es una excepción. Acabamos de entrar en un gobierno de extrema derecha, así que tocará hacer resistencia con nuestra música y tratar de que este Gobierno no se trague lo último que nos queda de naturaleza. Tenemos nuevo presidente (Iván Duque, del Partido Centro Democrático) y vamos a entrar en una era desconocida, no sabemos qué va a pasar, pero la situación está complicada. Tenemos miedo por el Gobierno, pero sobre todo incertidumbre, el país está muy dividido. Por nuestra parte, tenemos que seguir reivindicando con nuestra música y alentar a la gente a que el cambio llega desde nuestro lado, depende de nosotros. Queremos cambiar esa conciencia y darle las herramientas a la gente para que todo cambie.

En una entrevista dijeron: "Queremos ser una banda mainstream". ¿Siguen pensándolo?
[risas] Lo importante es llegar al máximo de gente posible y creo que lo hemos logrado. No somos una banda súper mainstream, pero nuestro público ha ido creciendo y de forma fiel a nuestro sonido y ojalá consigamos mantener eso con trabajo duro.

‘The Paco de Lucía Project’, un disco que mantiene vivo el legado del maestro

EFE

  • El grupo de músicos que acompañó al guitarrista los últimos 10 años recopila en un álbum las enseñanzas de este.
  • "No estamos copiando su concepto, sino que estamos aportando algo más", asegura Antonio Serrano.

Paco De Lucía

La banda de músicos creada por el maestro Paco de Lucía continúa unida para mantener vivo el legado del artista y su visión del arte con The Paco de Lucía Project, un álbum grabado en directo en una de su giras internacionales, que han presentado este miércoles en la sede madrileña de la SGAE.

La guitarra de Antonio Sánchez, el peso rítmico de Piraña, la voz de David de Jacoba, la melodía de Antonio Serrano, los sabores cubanos de Alain Pérez y el baile galáctico de Farru conforman la banda diseñada por el maestro Paco de Lucía, que estuvo de gira con el legendario guitarrista flamenco durante los últimos 10 años de su carrera.

"Con el disco Cositas buenas Paco fue elaborando un sonido de banda concreto con estos chavales y eso generó una sensación de grupo que no es muy habitual en el flamenco", ha explicado el productor del disco, Javier Limón, que considera que la banda, "guiada por Paco", ha creado "un sonido reconocible y muy característico".

El productor ha asegurado que el álbum es un proyecto de la banda, que vieron que "se podía hacer la música de Paco repartiéndose las responsabilidades que él ejercía en el escenario", aunque surgió de forma improvisada ya que tras varios intentos fracasados, "alguien decidió darle al botón del rec -grabar-" en un concierto que realizaron el año pasado en Miami, con el que quedaron "encantados".

Antonio Serrano ha apuntado que siempre se han "apoyado" en la música de Paco pero que su gira por Estados Unidos les dio "confianza" para poder sentirse realmente como un grupo y así fueron incorporando al repertorio cosas de cada uno de ellos, de forma que han "descentralizado" el protagonismo de la guitarra y se han acercado un poco más al jazz, que, según Serrano, "es más democrático".

"Podemos defender y presentar el disco porque a pesar de apoyarnos en el repertorio del maestro, no estamos copiando su concepto, no estamos reproduciendo su música sino que estamos aportando algo más", asegura el músico, que ve además un "valor añadido" al disco y es su "verdad", ya que está grabado en directo "desde la primera nota hasta la última".

Farru ha subrayado la "gran responsabilidad" que supone acercar la música del "maestro" al público porque, según afirma, "tocar la música de Paco como Paco es imposible" pero él les enseño a dar "el 100% de la personalidad de cada uno", de forma que en su trabajo muestran "su legado canalizado por distintas personalidades".

El grupo ha hecho ya una gira de más de 25 conciertos por todo Estados Unidos y asistirán próximamente al Festival de Jazz de Londres, aunque ahora continúan realizando conciertos por España, con una cita en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el próximo 16 de noviembre.

El ‘biopic’ de Nico (Velvet Underground) llega a España

20MINUTOS.ES / TOMÁS ANDÚJAR (EFE)

  • 'Nico 1988' repasa la vida de la actriz, modelo y cantante alemana Christa Päffgen.
  • El filme podrá verse en Movistar Xtra en exclusiva un día antes de su estreno en la gran pantalla.

Christa Päffgen Velvet Underground biopic pelicula

El 18 de julio de 1988 murió en Ibiza de un derrame cerebral Christa Päffgen, que con el sobrenombre de Nico ha pasado a la historia del pop por cantar y firmar junto al grupo el primer disco de The Velvet Underground, uno de los álbumes clave de la historia de la música popular del siglo pasado.

Los tres temas del "disco del plátano" que canta Nico son la cumbre de la vida artística de esta alemana que además de cantante fue modelo y que destacó sobre todo por relacionarse, con intensidad variada, con algunos de los más famosos creadores de su época, como Andy Wharhol, Lou Reed, Federico Fellini, Jim Morrison, Brian Jones y Alain Delon.

Nico, nacida en Colonia en 1938, frecuentaba Ibiza desde mediados de los 60. El 17 de julio de 1988 circulaba por una carretera de la isla en bicicleta junto a su hijo cuando se cayó y se golpeó la cabeza.

La llevaron al hospital, donde tardó en ser atendida y, al parecer, no fue diagnosticada con precisión. Al día siguiente falleció y la autopsia determinó que la muerte fue fruto de un derrame cerebral que, de acuerdo a la información facilitada entonces, propiciaron el intenso calor y el esfuerzo.

Desde la isla pitiusa se enviaron sus restos a Berlín, tras sendas escalas en Palma y Fráncfort, y en la hoy capital alemana descansan sus cenizas junto a las de su madre, Margaret Päfggen, viuda de un ferroviario que, según la biografía de la artista, murió en un campo de concentración nazi durante la Guerra Mundial.

Hasta llegar a Nueva York e involucrarse, ya casi con 30 años, en el círculo de Andy Warhol, que desde su Factory intentaba marcar el ritmo de la vanguardia de la ciudad, Christa trabajó como modista en el Berlín occidental y después como modelo y actriz.

Más allá de pequeñas producciones, Nico será recordada también por una fugaz aparición en 1959 en La Dolce Vita de Fellini, aunque en el imaginario español de los 60 su prototípica belleza nórdica quedó fijada con los anuncios en prensa de la campaña del brandy Centenario de Terry. "Terry me va. Usted sí que sabe", decía el lema.

Tras protagonizar en París una película de escaso impacto (Strip-Tease, 1963), la artista tuvo en Nueva York la oportunidad de iniciar una carrera como cantante gracias a que Warhol quiso apostar por su voz de contralto y, seguramente en mayor medida, por su atractivo físico para dar brillo al proyecto de rock de vanguardia que había decidido apadrinar: The Velvet Underground.

Así llegó a firmar junto al grupo The Velvet Underground & Nico, el disco que convirtió a la banda de Lou Reed, John Cale, Maureen Tucker y Sterling Morrison en referente de todo el pop experimental hecho desde entonces y a ella en musa del underground a partir de las tres canciones en las que tiene protagonismo.

Quiso despegar pronto, y ese mismo 1967 editó Chelsea Girl, un disco aclamado hoy por la crítica que contiene canciones de sus compañeros de la Velvet y de un entonces desconocido Jackson Browne.

Después, al hilo de la veta vanguardista del disco por el que pasará a la historia, la alemana lanzó una serie de álbumes en los que profundizó en esa línea ayudada por su peculiar voz grave, pero su carrera nunca superó los círculos minoritarios, algo a lo que contribuyó también una vida personal lastrada por las adicciones.

Esa última etapa de su biografía, en la que sus problemas con la heroína agudizaron su aura de ángel oscuro, la ha retratado la directora italiana Susanna Nicchiarelli en una película estrenada el año pasado en el Festival de Venecia, Nico, 1988.

'Nico, 1988' en los cines

El filme de Nicchiarelli llega el 3 de agosto a las pantallas españolas, aunque se estrenará previamente y de forma exclusiva en Movistar.

Movistar Xtra (dial 32) ofrecerá el filme en un pase único el próximo 2 de agosto (22.00 h), justo un día antes de su estreno en la gran pantalla.

Las salas españolas proyectarán esta premiada biografía sobre la vida de la inimitable artista alemana gracias a un acuerdo entre Movistar + y Versus Entertainment.

El nuevo adelanto de ‘Bohemian Rhapsody’ presenta a Freddie Mercury al ritmo de los temazos de Queen

20MINUTOS.ES

  • 'Bohemian Rhapsody' sigue las vicisitudes de Queen en su ininterrumpida creación de éxitos.
  • La película se estrenará el próximo 31 de octubre.

'Bohemian Rhapsody'

La película de FOX Bohemian Rhapsody contará la historia de cómo Freddie Mercury y sus compañeros de grupo Brian May, Roger Taylor y John Deacon, crearon Queen, uno de los conjuntos de rock más emblemáticos de todos los tiempos.

La película sigue las vicisitudes de Queen en su ininterrumpida creación de éxitos, alcanzando el primer puesto de todas las listas mientras su sonido evolucionaba constantemente. A través de canciones como Killer Queen, Bohemian Rhapsody, We Are the Champions, We Will Rock You e innumerables otras, muchas de las cuales suenan en este segundo tráiler, el grupo alcanza un éxito sin paralelo y Freddie se convierte en uno de los artistas más idolatrados del planeta.

Además del meteórico ascenso al olimpo de la música, el filme también mostrará su crisis cuando el estilo de vida de Mercury estuvo fuera de control, y su triunfal reunión en la víspera del Live Aid, en la que Mercury, ya gravemente enfermo, lidera a la banda en uno de los conciertos de rock más grandes de la historia.

"Esta película ha tardado 8 años en realizarse pero creo sinceramente que lo vale, porque estoy orgullosísimo de lo que hemos logrado. La película es un verdadero canto a la música de Queen y un homenaje a uno de los más grandes solistas de todos los tiempos: Freddie Mercury. Rompiendo estereotipos y expectativas, Freddie se atrevió a cambiar todo, creyendo en sí mismo y en su música", ha dicho Graham King, productor de Bohemian Rhapsody.

La película llegará a los cines el próximo 31 de octubre.

El verdadero reto de las chicas de ‘Ocean’s 8’ y otras versiones en femenino

CARLES RULL

  • 'Ocean's 8' es una versión femenina, de 'Ocean's Eleven', que está obteniendo buena acogida de público y crítica.
  • Menos suerte tuvieron las Cazafantasmas o comedias recientes como '#Sexpact' o 'Una noche fuera de control'.

Ocean's 8

Pequeños o grandes, el cine hace algún tiempo está haciendo sus pasos para romper con las etiquetas y roles de género. Los mismos estudios Disney decidieron otorgar el papel principal de la nueva trilogía de Star Wars a Rey (Daisy Ridley) e incluso sus princesas de animación han dejado de ser sumisas o un bello objeto al que adorar en Brave, Frozen o Vaiana.

Ellas pueden ser guerreras, mujeres con poder o atracadoras sin nada que envidiar a sus colegas masculinos. Ese era el reto de Ocean's 8, estrenada recientemente en nuestras pantallas. En este caso fue otra major como Warner Bros la que decidió que, diecisiete años y dos secuelas después de la película original de 2001, Ocean's Eleven de Steven Soderbergh, era el momento para realizar la versión femenina.

Sin Los juegos del hambre, Ocean's 8 no hubiera existido. "Me encantó mostrar a Jennifer (Lawrence) en ese papel y empoderada de un modo en el que chicos y chicas estuvieran en un plano de igualdad", aseguró Gary Ross, el director y también el principal impulsor del proyecto, en unas declaraciones a Entertainment Weekly.

La idea es la misma, un thriller cool y original, que atrape al espectador, y no un simple desfile de estrellas. Si el objetivo original de ellos era apoderarse del dinero de unos casinos, ellas se han decantado por un espectacular y valioso collar de diamantes, tasado en nada menos de 150 millones de dólares. Una joya tan especial que incluso tiene nombre, The Toussaint.

La líder de la banda de atracadoras es Debbie Ocean, la hermana menor de Danny que interpretó George Clooney, y Frank Sinatra en la película original de los años 60. Si en su precedente Clooney estaba lustrosamente acompañado de Brad Pitt o Matt Damon, entre otros; aquí es Sandra Bullock la que se rodea de nombres como Anne Hathaway, Cate Blanchett o la cantante Rihanna.

Y los planes han salido bien, al menos cinematográficamente, para Debbie Ocean y su pandilla. Alejándose del recuerdo de la odiada y vilipendiada versión femenina de los Cazafantasmas,Ocean's 8 se ha ganado el beneplácito general de la crítica, aprobada con nota, y también el de la taquilla.

De momento lleva más de 250 millones de dólares recaudados, de ellos 130 en Estados Unidos. Su presupuesto fue de 70. En los cines españoles un millón y medio de euros en diez días.

Los antecedentes, en cuanto a versiones femeninas, no auguraban un éxito fácil. Este mismo mayo llegaba a nuestras pantallas la comedia #Sexpact, considerada la versión no oficial pero con chicas de American Pie; y hace un año Una noche fuera de control protagonizada por Scarlett Johansson, una especie de Resacón en Las Vegas con féminas. Dos propuestas que tampoco se libraron de ser completamente ignoradas por el público.

Casos similares al de la secuela de 1994 El nuevo Kárate Kid con una joven Hilary Swank (que luego ganaría dos Óscar a la mejor actriz, por Boy'sn Don't Cry y Million Dollar Baby) intentando ser el recambio perfecto para el personaje que encarnó Ralph Macchio. Pero que pasó con más pena que gloria por los cines, quizá porque en el fondo el argumento y la fórmula era repetida.

El nuevo Kárate Kid (1994)

En los últimos años también se ha venido anunciando un proyecto que no termina de arrancar. Se trata del spin-off en femenino de Los mercenarios (The Expendables) de Stallone, y que en inglés se conoce ya como The ExpendaBelles. Se han ido barajando nombres como Angelina Jolie, Cameron Diaz, Milla Jovovich e incluso Meryl Streep.

Y un buen revuelo levantó hace unos meses el anuncio de los directores Scott McGehee y David Siegel (¿Qué hacemos con Maisie?) asegurando que querían realizar una versión con chicas del clásico de la literatura El señor de las moscas de William Golding, publicado en 1954 y que ya dio lugar a una notable película en 1963 y otra de 1990.

Entre otras voces críticas, algunas feministas consideraron que las situaciones que recrea la novela, de relaciones de dominio y sumisión, o para contrastar barbarie y civilización, no eran extrapolables al mismo caso si en su lugar lo protagonizaran unas muchachas. Sin embargo, sí que existe una novela considerada como la versión femenina de la obra de Golding: Beauty Queens de 2001 y escrita por Libba Bray.

De los superpoderes a una agente Bond o Indiana Jones

Los superhéroes de Marvel puede que pronto tengan película en solitario a la Viuda Negra (Scarlett Johansson), o al menos ya hay directora, Cate Shortland; y la que está en marcha es la dedicada a Carol Danvers, alias la Capitana Marvel. El estreno está previsto para marzo del año que viene protagonizada por Brie Larson, ganadora del Óscar por La habitación.

Los mutantes de X-Men tendrán aventura en exclusiva para su Fénix Oscura, en febrero de 2019 e interpretada por Sophie Turner (Sansa Stark en Juego de tronos), aún de la mano de la productora Fox; y los superhéroes de DC Comics vivieron el pasado verano el taquillazo de Wonder Woman con Gal Gadot. Ya está en marcha la secuela, también para noviembre del año que viene, titulada Wonder Woman 1984.

Wonder Woman 1984

En los últimos tiempos se ha venido reivindicando una Bond mujer. De momento, Angelina Jolie en el thriller de espionaje Salt (2010) ha sido la propuesta más parecida a un filme tipo agente 007. En cuanto a Indiana Jones y su anunciada quinta entrega, el mismo Spielberg aseguró que no le importaría que la protagonista fuera una mujer. Precisamente Angelina Jolie como Lara Croft en Tomb Raider, o este mismo año Alicia Vikander en la piel de la famosa heroína de los videojuegos, ha sido lo más cercano a una Indy femenina.

Pero en este intercambio de roles ninguno como el de Hamlet. La inmortal obra de Shakespeare tuvo a la actriz sueca Asta Nielsen recitando el "Ser o no ser" en una película muda de 1921. Aunque para realizarla tuvo que ser ella misma quien la produjera.

Un viaje por las dos décadas de Lori Meyers

MARÍA TORO

Lori Meyers

Desde que un grupo de adolescentes granadinos se reuniera en un garaje de Loja, su pueblo natal, para tocar los temas de sus grupos favoritos hasta que se consagraron como uno de los grupos españoles de referencia de la escena indie, ya han pasado 20 años.

Un tiempo tras el que Lori Meyers continúan al pie del cañón gracias al trío que hoy forman Antonio López (Noni), Alejandro Méndez y Alfredo Núñez.

En un ejercicio de reflexión, el grupo ha desempolvado sus cajas de recuerdos y ha abierto el disco duro que recoge sus dos décadas de historia para plasmarlas en 20 años, 21 canciones: un recopilatorio de dos cedés en el que se incluyen fotografías y material inéditos. "En realidad, sacamos ahora el disco porque nos quedan pocos días de vida", bromea Noni, voz de la formación, en conversación con 20minutos.

A falta de saber qué les depara el futuro, su marca en la escena musical nacional es innegable. Prueba de ello son los 21 testimonios de amigos y figuras del mundo de la cultura que ha seleccionado las canciones del primer disco de este trabajo: "Empezamos a llamar a gente y al final reunimos a 21 personas. Quisimos contar con quien tenía relación con el grupo o era nuestro seguidor", aclara Alejandro.

En la lista, nombres como el de la cantante Annie B. Sweet; los periodistas Virginia Díaz y Jon Sistiaga; y los humoristas Dani Rovira y El Monaguillo, que han seleccionado sus temas favoritos y firman en el libreto un recorrido muy personal por la carrera de Lori Meyers.

Para Alejandro, resumir su historia ha sido "superfácil", ya que su padre, Paco, "tenía todas nuestras imágenes guardadas y etiquetadas". El progenitor del guitarrista del grupo y de Julián Méndez, antiguo bajista (que abandonó el grupo en 2006), es su mayor fan. En sus inicios, Paco les llevaba en su furgoneta y los acompañaba a sus conciertos. Como primer fan del grupo, aporta su granito de arena en este disco escribiendo sobre sus comienzos.

"Siempre hemos compuesto más de lo que podíamos publicar", se sincera Noni. Por eso, temas como 70, "destinado a entrar en Impronta (Universal, 2013)", se incluyen en el segundo disco de este recopilatorio, que reúne material exclusivo. Canciones inéditas como De mi lado se mezclan con versiones de Antonio Vega y Nada Surf, más las maquetas de himnos como Mi realidad, Planilandia y Luces de neón.

Banda sonora de una generación

Aunque celebren veinte años en la música, Lori Meyers comenzaron su andadura con Viaje de estudios (Houston Party, 2004), coincidiendo con el ascenso de la escena indie en España. Hoy, con otros cinco discos de estudio a la espalda, Alejandro confiesa que tiene "un cariño especial" por Hostal Pimodan (Odds Studio, 2006), un álbum "un poco maldito" y el que "menos cariño recibió".

Tras el bache, los granadinos firmaron con Universal y, después de dos años girando, regresaron con Cronolánea (2008), viajaron a Los Ángeles para crear Cuando el destino nos alcance (2010) y se encerraron en su ciudad natal para contar el periplo de una ruptura en Impronta (2013). Cuatro años más tarde, el grupo publicaba En la espiral (2017), su disco más maduro y oscuro.

"Nos sentimos la banda sonora de una generación compartida con muchos compañeros", aclara Noni sobre su relevancia en la escena nacional; un viaje del que se despedirán hasta 2020 con un concierto en Madrid (29 de diciembre, WiZink Center). Incansables, aprovecharán el parón para grabar su próximo disco.

Con "vértigo" por si se acaba la vida que llevan desde los 17 años, lanzan un mensaje tranquilizador: "Mientras nos haga ilusión y estemos juntos, seguiremos con Lori Meyers".

Facua exige explicaciones a los organizadores por el caos en el Mad Cool

EFE

Mad Cool Festival 2018

La organización de consumidores Facua ha exigido explicaciones a los organizadores por el "caos" en el festival de música Mad Cool y ha instado a los afectados a reclamar que se les compense por los posibles daños.

En un comunicado y a través de la cuenta oficial en redes sociales, la organización de consumidores se ha referido a las colas por problemas técnicos y de transporte del jueves, primera jornada del festival.

El Mad Cool se vio afectado, además, por la cancelación de una de las bandas programada para la noche del viernes, Massive Attack, que alegó problemas de sonido derivados de la cercanía entre su escenario y aquel en el que actuaba la banda Franz Ferdinand.

Además, Facua ha recordado que ha denunciado a la promotora del Mad Cool en los últimos dos años ante la Dirección General de Comercio y Consumo de la Comunidad de Madrid y ante el Área de Gobierno de Cultura y Deportes del Ayuntamiento de la capital por no permitir la entrada con comida y bebida al recinto.

El portavoz de Facua, Rubén Sánchez, se ha preguntado en su perfil de redes sociales si Ayuntamiento o Comunidad de Madrid van a multar a los organizadores "o se van a limitar a pasarse la pelota sobre quién tiene que controlar las irregularidades en eventos como éste".

Gorillaz y Noel Gallagher cierran con luces y sombras el Bilbao BBK Live

BEA LANGREO

  • En la vertiente nacional, Las Odio y Bejo convencieron a un público abierto a las nuevas tendencias.
  • También fue el turno sobre el escenario de Benjamin Clementine, Jungle y James, entre otros.

Gorillaz en el BBK

El escenario Arenal Heineken es equiparable al vermú de los domingos: relajado, despreocupado e informal. Lo fue durante el viernes, música de Neuman mediante, y volvió a ejercer el papel este sábado gracias a Joe Crepúsculo. El ambiente festivo patrocinado por el barcelonés se hizo sentir en un lado del río; en el otro, justo después, al Bereziak -especial en euskera- se subían Izaro, una mezcla de calma y voz dulce en representación de las nuevas generaciones musicales a nivel local.

Y de nuevo, Kobetamendi. Un inicio de tarde marcado por el indie español -con nombres como Joe la Reina y Triángulo de Amor Bizarro– sirvió para calentar motores; Las Odio, aunque en escenario pequeño, se reafirmaron como las abanderadas del movimiento riot girl español más fresco gracias a temas como Yo lo vi primero o Puede ser divertido.

Tras un picoteo digno de recuerdo, marcado también por un resolutivo Benjamin Clementine, llegó el primer plato fuerte de la jornada. Noel Gallagher y sus High Flying Birds, acompañados por una bandera del Manchester City como protagonista de su escenografía, se desplegaron en el escenario para repasar temas de su discografía como Holy Mountain o Keep on Reaching. No llegaron a la masa que les observaba como sí lo hicieron temas de Oasis como Wonderwall -que sorprendió en el comienzo de la segunda mitad- o Don't Look Back in Anger, algo que confirmó la eterna cruz con la que cargan tanto Liam como Noel: la mayoría del público anhela los temas, convertidos ya en clásicos, que crearon juntos.

Fuera de esa sensación, High Flying Birds consiguen un directo creíble, con vientos bien ejecutados y buenas voces a los coros. Mención aparte merece el cierre, con la archiconocida All You Need is Love de sus vecinos de Liverpool. Funcionó, pero la emoción creada entre el público no tiene tanto mérito cuando se tiende al recurso fácil.

Un virtual difuso

Gallagher puso el punto y final animando a todos a asistir al directo de Gorillaz. "Son asombrosos", aseguró. Y nosotros le creímos. El último cabeza de cartel atrajo las mayores expectativas del BBK Live. Damon Albarn salió al escenario, acompañado de su banda, y el público enloqueció. Su trabajo tiene mérito, desde luego, y no solo por su manejo de voz, guitarras y distintos teclados; también por haber dado vida a la banda virtual más famosa del mundo.

Sin embargo, la esencia estaba diluida. El concepto de Gorillaz como realidad palpable cojea cuando el apoyo visual se limita a una proyección de los videoclips ya existentes y, de no darse el caso, de una animación pobre o una imagen prácticamente estática. Es una pena; Humanz se presentó con un vídeo musical potente como pocos en su día gracias al formato 360, y no estar a la altura en directo resta puntos en su resultado global.

En el lado bueno, una hora y media de concierto da para mucho, aunque todo es poco con una discografía tan extensa. Albarn dio un repaso a su recién estrenado -y poco difundido- The Now Now, con canciones como Tranz o Lake Zurich, y prestó menos atención de la merecida a Humanz, su esperada vuelta en forma de elepé lanzado el pasado año. Sonaron también gran parte de sus exitazos: la preciosa Melancholy Hill, Stylo, Feel Good Inc. o Clint Eastwood, que sirvió como broche.

El ex Blur y los suyos funcionan a nivel musical, en parte gracias al poderío de las voces que le acompañan, pero en la mezcla faltó la interacción -no necesariamente en holograma- de 2-D, Murdoc, Noodle y Russel. Se sintió también la ausencia de colaboraciones: aunque Benjamin Clementine conquistó gracias a sus toques de góspel en Hallelujah Money, se echó en falta la entrada de Noel Gallagher, que no acompañó a su ahora colega con ese We Got the Power presentado en el penúltimo disco.

El cantante de Queens of the Stone Age llama a la rebelión en pleno Mad Cool: «¡Saltad la maldita valla!»

20Minutos

El cantante Josh Homme durante la actuación de esta madrugada

El festival de música Mad Cool ya es conocido por sus polémicas y episodios inverosímiles, y esta edición no se ha quedado atrás. Si ayer el foco se puso sobre el grupo Massive Atack y su negativa a tocar por, según ellos, molestias con el sonido del escenario contiguo, la madrugada de este domingo ha estado marcada por la banda Queens of Stone Age y su líder, Josh Homme, que en mitad del concierto arengó al público a que asaltasen la zona VIP delimitada por unas vallas.

De repente el cantante decidió exigir a la seguridad que abriese las puertas de la zona reservada delante del escenario que, como de costumbre, está más vacía de lo que a cualquier artista le gustaría. "¡Dejadlos entrar! Trabajáis para mí esta noche", comenzó a gritar y, sin obtener la respuesta deseada, comenzó a alentar a los espectadores: "¡Saltad la maldita valla!".

Queens of the Stone Age VIP Invasion #qotsa #MadCool2018 pic.twitter.com/S6aIEGb7HN

— bury420_ (@bury420_) 15 de julio de 2018

No son pocos los que llevados por la excitación se animaron, en efecto, a saltarla provocando una situación de descontrol que seguramente sea más bonita desde arriba del escenario que desde abajo, donde se vive tensión entre asistentes y trabajadores. Teniendo en cuenta el historial del Mad Cool, esto podría haber derivado en cualquier cosa, pero por suerte se solventó sin tener que lamentar grandes daños.

Algunos saltaron y lo consiguieron, otros fueron devueltos a su sitio y en medio de ese ambiente de tenso desconcierto la música prosiguió. Hora y media de rock mayúsculo desde el desierto californiano hasta el secarral madrileño, que algo tendrá, pues el propio Homme llegó a decir que el anochecer allí era precioso.