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Los últimos filmes de Jean-Luc Godard y Jafar Panahi se verán en el 66º Festival de San Sebastián

EFE

  • El Zinemaldia anuncia sus primeras confirmacions para sus secciones Perlas y Zabaltegi-Tabakalera.
  • Pawlikowski, Hamaguchique, Carri o Veiroj, otros de los directores que llevarán su cine a Donosti.

'Three Faces', de Jafar Panahi.

Películas premiadas en Cannes, entre ellas Three Faces, del iraní Jafar Panahi, y El libro de las imágenes, de Jean-Luc Godard, se podrán ver en el 66º Festival de Cine de San Sebastián, que proyectará títulos que pasaron por los certámenes de Berlín y Cannes en su secciones Perlas y Zabaltegi-Tabakalera.

El Zinemaldia, que se celebrará del 21 al 29 de septimebre, ha dado a conocer este jueves un avance de la programación de estos dos apartados, de las que ofrecerá una programación completa en las próximas semanas.

A Three Faces, premio al mejor guion ex aequo en Cannes junto a Lazzaro Felice, de la italiana Alice Rohrwacher, se sumará en Perlas el filme Cold War, una bella y trágica historia de amor con la que el polaco Pawel Pawlikowski obtuvo el premio a la mejor dirección en el certamen francés.

Para esta sección se han programado además Another Day of Life, del polaco Damian Nenow y el pamplonés Raúl de la Fuente, que participó fuera de concurso en Cannes, así como Asako I&II, del japonés Ryüsuke Hamaguchique, y Summer, del ruso Kirill Serebrennikov, que compitieron por la Palma de Oro.

La coproducción hispano-argentina El ángel, de Luis Ortega, que concursó en la sección Un Certain Regard de Cannes, es el otro título de Perlas, donde los filmes optan al Premio del Público.

Al galardón Zabaltegi-Tabakalera, que lleva el mismo nombre de la sección, la más abierta del festival, aspiran, entre otros, el último trabajo de Albertina Carri, Las hijas del fuego, mejor película argentina en el BAFICI, y An Elephant Sitting Still, del chino Hu Bo, mención especial del premio a la mejor película en Berlín y Premio Fipresci de Forum.

Del uruguayo Federico Veiroj, que ha pasado por el Zinemaldia en distintas ocasiones y por diferentes secciones, se proyectará Belmonte. También se incluye en este apartado Trote, del gallego Xacio Baño, largometraje de la primera edición del programa de residencias Ikusmira Berriak, organizado por el Festival, Tabakalera y la Escuela de Cine Elías Querejeta.

A ellos se unirá el El libro de las imágenes, con el que el autor de Al final de la escapada o Vivir su vida fue Palma de Oro Especial en Cannes.

María Magdalena, San Pablo o Juana de Arco, el cine que nos avanza la Semana Santa

CARLES RULL

  • Las próximas fiestas traen varias películas relacionadas con la vida de Jesucristo, el imperio romano o el "cine cristiano".

María Magdalena

Es una tradición que durante las fechas de Semana Santa las cadenas de televisión programen clásicos y superproducciones bíblicas. En los cines hace tiempo que las películas de temática similar, salvo alguna contada excepción, han dejado de atraer al público. Aún así, es el momento idóneo para dar salida a propuestas relacionadas con la vida de Jesucristo, el imperio romano o el llamado "cine cristiano".

Avanzándose a otras superproducciones, sin nada que ver con ello, caso de la ciencia-ficción de Ready Player One (28 de marzo) de Spielberg o la nueva entrega de Pacific Rim, Insurreción (día 23), llegan a la gran pantalla tres títulos para seguir con el hábito de películas religiosas históricas. Este mismo viernes 16 se estrenaron María Magdalena y Jeannette, la infancia de Juana de Arco, y el próximo 23 lo hará también Pablo, el apóstol de Cristo.

"Nunca nadie me ha preguntado cómo me siento" le dice Jesús a María Magdalena en la película que se centra en la vida de la mujer, rompiendo el tópico de que era una prostituta, y que se convirtió en la más devota seguidora del Mesías. Una visión femenina y reivindicativa de la figura de María Magdalena, y una frase que delata los sentimientos y la calidez del personaje que encarna Rooney Mara, la coprotagonista del drama lésbico Carol o la hacker Lisbeth Salander en la adaptación norteamericana de Millennium.

Joaquin Phoenix asumió el rol de interpretar a Jesucristo, Chiwetel Ejiofor (12 años de esclavitud) a San Pedro y Tahar Rahim (Un profeta) a Judas Iscariote en una producción en la que ha participado buena parte del equipo de producción de la oscarizada El discurso del rey, y con Garth Davis (Lion) trás de las cámaras.

Reparto de nombres conocidos y una película fácilmente asimilable para todo tipo de audiencias. Todo lo contrario que Jeannette, la infancia de Juana de Arco del inconformista y radical director francés Bruno Dumont, realizador de La alta sociedad o la genial miniserie El pequeño Quinquin. Es un musical, casi teatro filmado, sustentado en actores y actrices amateurs y recrea dos etapas de la vida de quien fue la Doncella de Orleans, a los 8 y 13 años.

Lejos de ser una propuesta convencional, su banda sonora está compuesta por temas que van desde el hip hop al folk, pasando por la electrónica o los sonidos metaleros.

El regreso del Jim Caviezel al cine cristiano y Semana Santa malagueña

Pablo, el apóstol de Cristo vuelve a cauces más comunes. Un relato centrado en los últimos días de San Pablo, que pasó de ser uno de los más fieros perseguidores de los cristianos a uno de los más fervientes evangelizadores. Muestra la última etapa de su vida, encerrado esperando su ejecución, por orden del emperador romano Nerón, y bajo el estricto control del ambicioso prefecto romano Mauritius.

James Faulkner (Randyll Tarly en Juego de tronos) es Pablo, Olivier Martinez encarna a Mauritius y Jim Caviezel, el recordado protagonista de La pasión de Cristo, interpreta en esta ocasión a Lucas, el Evangelista. El director es Andrew Hyatt, con cuatro largometrajes en su haber, pero un especialista en el género con títulos como Llena de gracia (2016).

A ellas añadirle una cuarta propuesta, la comedia española Mi querida cofradía, debut en el largometraje de Marta Díaz, o las desventuras de un grupo de mujeres durante la Semana Santa malagueña. Sin embargo, deberá esperar a después de las fiestas.

Su estreno está previsto para el 4 de mayo y posiblemente sea uno de los títulos que se proyecten en el próximo Festival de Málaga, que tendrá lugar del 13 al 20 de abril, dedicado al cine español.

Pasión por las superproducciones

Entre los clásicos considerados modélicos en el tema bíblico, y aunque no fuera especialmente comercial, está El evangelio según San Mateo (1964) de Pier Paolo Passolini, una de las obras más realistas jamás hechas sobre el género.

Por su parte, el Hollywood dorado de antaño volcó sus mejores recursos, de presupuestos, medios, estrellas y directores, en superproducciones de películas religiosas o en las conocidas como "de romanos". Emblemáticas son Sansón y Dalila (1949), Quo vadis (1951), La túnica sagrada (1953), Los Diez Mandamientos (1956), Ben-Hur (1959) o Espartaco (1960).

En los sesenta siguió explotando el filón de las Sagradas escrituras, y siempre procurando no mostrar el rostro del actor que lo interpretaba o haciéndolo con reverencial respeto. Colosales, en cuanto a sus esfuerzos de producción, fueron Rey de Reyes (1961), La historia más grande jamás contada (1965) o La Biblia (1966).

Pero nunca llueve, o se interpreta o revisan las historias, al gusto de todos. Mucho más polémica fue La última tentación de Cristo (1988) de Scorsese que provocó airadas protestas de círculos católicos e incluso le valió una demanda por "ultraje a la religión" y "actos obscenos". Basándose en una novela del griego Nikos Kazantzakis, uno de los pasajes mostraba a Cristo escogiendo la opción terrenal, casado con María Magdalena y con un hijo.

Cristo a ritmo de rock, en la comedia o "cazando vampiros"

Un taquillazo descomunal fue, hace catorce años, La Pasión de Cristo (2004) dirigida por un Mel Gibson que no tuvo reparo alguno en exhibir toda la crueldad y sangre del juicio, martirio y crucifixión. Algunos críticos la tildaron incluso de recurrir a la "pornografía" de la violencia gráfica.

El francés Jean-Luc Godard también causó un gran revuelo, en 1985, al trasladar el mito de la Virgen María al contexto actual con Je vous salue Marie; e igualmente poco ortodoxa fue Jesús de Montreal (1989) del canadiense Denys Arcand, trazando paralelismos entre el contexto histórico de Jesús y la sociedad moderna.

Tampoco especial gracia les hizo a algunos la hilarante La vida de Brian (1979) de los Monty Python. O innovador y provocador intentó ser la adaptación del musical, a ritmo de rock, Jesucristo Superstar (1973), partiendo de la teoría de que si Jesús volviera a la actualidad correría igual suerte.

Fuera de los circuitos más comerciales, recientemente la figura de Jesucristo ha sido plasmada en Últimos días en el desierto (2015) del colombiano Rodrigo García y protagonizada por Ewan McGregor, centrada en el periplo de Jesús en el desierto y tentado por el Diablo.

Aunque para versiones raras, y cutres, la que se lleva la palma es definitivamente Jesucristo, cazador de vampiros (2001), una producción de serie z con el Mesías combatiendo a vampiros que resisten la luz del día montado en vespino, y repartiendo golpes de kung-fu, ayudado por un justiciero enmascarado (inspirado en el luchador mexicano El Santo), curas punkies y un grupo de lesbianas.

La película perdida que profetizó el ascenso nazi se reestrena 94 años después

EFE

  • 'La ciudad sin judíos' desapareció en la década de los 30 hasta que fue hallada en 2015 en un mercadillo en París.

Película restaurada

La inflación y el paro están por las nubes pero los habitantes de una ciudad de habla alemana tras la Primera Guerra Mundial ya tienen un chivo expiatorio, la población judía, y una solución: expulsarla.

Esto que parece reflejar el antisemitismo del Tercer Reich es el profético argumento de la película muda La ciudad sin judíos, estrenada en 1924, cuando el partido nazi todavía estaba prohibido y Adolf Hitler escribía en la cárcel Mein Kampf.

Basada en una novela satírica del escritor judío Hugo Bettauer, el largometraje desapareció en la década de los años 30 hasta que un coleccionista encontró una copia completa en 2015 en un mercadillo de París.

Ahora, casi 94 años después, la cinta restaurada se reestrenará el próximo miércoles en el cine Metro de Viena.

"La ciudad sin judíos no es una película muda más, sino un muy temprano mensaje antinazi", y "la primera obra visual dedicada en exclusiva a criticar el antisemitismo", explica el director gerente de Filmarchiv Austria, Nikolaus Wostry.

"El Filmarchiv es casi la biblioteca nacional de las películas austríacas, por lo que tenemos un especial deber con esta obra por su mensaje de tolerancia", agrega.

La trama del filme muestra no solo las circunstancias económicas que llevaron al auge del antisemitismo, sino que también relata las consecuencias del éxodo de la población judía de Viena, llamada Utopía en la cinta.

La deportación de los judíos se celebra con fuegos artificiales, pero la economía, lejos de mejorar, se dirige a la ruina absoluta, el paro y la pobreza aumentan y la vida cultural decae. Al final, los judíos son bienvenidos por la misma multitud que festejó su partida.

Cuando la realidad supera la ficción

La realidad superó apenas 15 años después a la ficción, cuando los judíos fueron asesinados en masa en campos de exterminio nazis.

"En 1924 no se podía concebir que se pudiera asesinar a personas de forma industrial. Esas imágenes no se encuentran en esta película. En ese sentido no es una profecía de lo que sucedió, sino una llamada a la tolerancia", reflexiona Wostry.

La nueva copia ofrece novedades frente a la única versión incompleta conservada, hallada en 1991 en Amsterdam y que carecía de final porque faltaba el último rollo del filme.

En la versión restaurada se observa la virulencia del antisemitismo desde el primer momento, incluidos ataques físicos, y el final es una llamada a la tolerancia y la convivencia.

"Es una película muy inusual porque aborda el antisemitismo de forma explícita. Y en una película eso tiene más impacto que en una novela, es más visual", explica Wostry.

La ficción muestra un final feliz con la vuelta de la población judía, algo que contrasta con la realidad austríaca tras el Holocausto, destaca el director gerente de Filmarchiv.

Austria no sólo no ayudó a los supervivientes del Holocausto sino que, critica el experto, tardó décadas en reconocer su responsabilidad como Estado en el Holocausto.

"La población judía austríaca hizo una enorme contribución a la cultura y la ciencia de este país. Posiblemente no hay ningún otro país en Europa que deba tanto a su población judía", recuerda.

"Existe una contradicción en la historia de Austria", expone Wostry, y afirma que su país suele identificarse con artistas y científicos judíos, como Sigmund Freud, el "padre del psicoanálisis", o el escritor y dramaturgo Arthur Schnitzler, pero afrontó de mala gana su historial antisemita.

Restauración gracias al micromecenazgo

La cinta se ha podido restaurar gracias a una campaña de micromecenazgo que logró reunir en 2016 más de 75.000 euros.

Wostry no oculta su decepción porque no hubiera fondos públicos para restaurar una película tan importante, pero se muestra muy orgulloso de la gran respuesta de la sociedad civil.

La restauración es también importante por su actualidad, resalta, ya que la película habla de las desastrosas consecuencias de demonizar a una minoría y eso se aplica tanto entonces como ahora, cuando crecen las tendencias nacionalistas en Europa.

El estreno en 1924 de La ciudad sin judíos causó protestas de simpatizantes nazis y hubo incluso agresiones contra quienes iban a ver la película.

La cinta marcó la vida de muchos de los que tuvieron que ver con ella: Bettauer, el autor de la novela que la inspiró, fue asesinado por un nazi meses después del estreno.

El director y guionista, Hans Karl Breslauer, no volvió a dirigir y murió en la pobreza en 1965. La coguionista Ida Jenbach fue deportada al gueto de Minsk y murió allí en 1941.

Y en un cruce de destinos, el actor que interpretó al protagonista judío de la película, Johannes Riemann, se afilió al partido nazi y en 1944 llegó a actuar para las SS en Auschwitz.

Por el contrario, Hans Moser, que encarnó a un furibundo antisemita, se negó durante el régimen nazi a divorciarse de su esposa judía.

Clint Eastwood apuesta por la naturalidad de héroes reales en ’15:17 Tren a París’

EFE

  • La última película del director se estrena en EE UU y España el 9 de febrero.
  • Cuenta la historia real de dos personas que detuvieron a un terrorista en 2015.
  • "Vivimos en un mundo en el que nunca sabes qué te puede ocurrir", asegura Eastwood.

15:17 Tren A Paris

El cineasta estadounidense Clint Eastwood presentó el domingo su nueva película, 15:17 Tren a París , una historia para la que se decantó por el realismo y la naturalidad de los héroes reales que, en agosto de 2015, detuvieron a un terrorista y evitaron una posible masacre en el interior de un tren.

"Me pareció una historia fascinante cuando la leí en los periódicos y me pareció fascinante conocerlos en persona hace dos años. ¿Qué lleva a alguien a actuar de forma heroica, de forma tonta, o, tal vez, de ambas formas a la vez en una situación así?", se preguntó el célebre realizador en conferencia de prensa.

En agosto de 2015, los jóvenes estadounidenses Anthony Sadler, Alek Skarlatos y Spencer Stone evitaron la tragedia en un tren de alta velocidad Thalys que iba de Amsterdam a París. El terrorista, el marroquí Ayoub El Khazzani, subió a ese tren en Bruselas con un kalashnikov, nueve cargadores, una pistola automática y un cúter, e hirió a dos personas antes de ser reducido por esos tres pasajeros y posteriormente arrestado.

La cinta, que se estrena en EE UU y España el 9 de febrero, se basa en el libro The 15:17 To Paris: The True Story Of A Terrorist, A Train, And Three American Heroes, escrito por los propios héroes con ayuda del periodista Jeffrey E. Stern, que ilustra cómo la amistad y el pasado de esos jóvenes -dos de ellos exmilitares- influyó decisivamente en lo ocurrido.

"No sé lo que convierte a alguien en héroe. De eso trata esta historia. Vivimos en un mundo y una sociedad en la que nunca sabes qué te puede ocurrir. Te topas con alguien extraño en la calle e igual te matan", explicó Eastwood, quien mencionó que el ataque terrorista de Barcelona del pasado mes de agosto ocurrió mientras rodaban.

"En ese tren viajaban centenares de personas y el terrorista llevaba munición para provocar unos 200 muertos, pero nadie murió. Fue una gesta", sostuvo.

Gary Oldman como Churchill y otras interpretaciones que han hecho «historia»

CARLES RULL

El instante más oscuro

Con el Globo de Oro al mejor actor dramático y esperando su nominación a los Óscar, el próximo martes 23 de enero. Así se nos presenta Gary Oldman en El instante más oscuro (Darkest Hour) caracterizado como el enérgico exprimer ministro británico Winston Churchill y ante una de las decisiones más trascendentales de su mandato, a pocos días de haber sido elegido: enfrentarse al avance de los alemanes durante la II Guerra Mundial o aceptar pactar con ellos.

Oldman, de 59 años, ingresa con esta película dirigida por Joe Wright en el selecto club de actores que han interpretado de manera memorable a personajes históricos. La opción final de Churchill implicó en su momento, y según avanzó en su célebre discurso de mayo de 1940, "sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor". Para el actor londinense más de 200 horas de maquillaje a lo largo del rodaje y la que puede suponer su segunda nominación en los premios de la Academia (la primera fue por El topo).

No ha sido el primero ni será el último en encarnar la figura del famoso estadista británico. El pasado año se estrenó Churchill, con un Brian Cox igualmente convincente en el papel y en otro momento histórico de la época, a la espera de si el Desembarco de Normandía había sido o no un éxito. Entre otras, en 1972 El joven Winston, protagonizado por Simon Ward, era un recorrido que partía desde su infancia hasta su ascensión como político.

A los premios de Hollywood les gusta recompensar este tipo de actuaciones en las que se valora más la similitud con el personaje que la creación. Daniel Day-Lewis fue un Abraham Lincoln increíble en la película de Spielberg estrenada en 2012, la estadounidense Meryl Streep, la influyente ex primera ministra británica Margaret Thatcher, en La dama de hierro en 2011; Colin Firth, el rey Jorge VI en El discurso del rey en 2010; y Helen Mirren, la monarca Isabel II en La reina (2006). Tres personajes británicos y uno norteamericano (y los cuatro intérpretes) con otro nexo en común: todos ganaron el Óscar.

Sin su estatuilla pero extraordinarios fueron el actor suizo Bruno Ganz mimetizando a Adolf Hitler, en sus últimos días, en la producción alemana El hundimiento (2004) aunque solo obtuvo una nominación, como mejor película de habla no inglesa; o Anthony Hopkins y Frank Langella recreando al expresidente Richard Nixon. El primero en la película de Oliver Stone de 1995, titulada Nixon, y Langella en El desafío: Frost contra Nixon (2008). Natalie Portman fue la exprimera dama Jacqueline Kennedy en Jackie (2016) y Cate Blanchet Isabel I en Elizabeth (1998) y Elizabeth: La edad de oro (2007).

Cleopatra, Napoleón, Iván el terrible y Franco

Enmarcándonos en el siglo XIX, la reina Victoria ha sido encarnada en las pantallas por más de 40 actrices, como secundarias o protagonistas. Las más recientes, Emily Blunt en La reina Victoria (2009) o de nuevo Judi Dench en La reina Victoria y Abdul (2017) que también puede conseguir una nominación a los Óscar por su papel. Muy recordada es también la reina francesa María Antonieta a la que Kirsten Dunst dio vida en la película de Sofia Coppola estrenada en 2006.

Mirando a los clásicos, Henry Fonda realizó una gran interpretación en El joven Lincoln (1939) de John Ford, centrada en los primeros años del que se convertiría en el 16º presidente de Estados Unidos. Sin abandonar el blanco y el negro, Nikolay Cherkasov fue el zar Iván el terrible en el díptico dirigido por Sergei M. Eisenstein, la primera obra estrenada en 1945 y la segunda, La conjura de los boyardos, en 1958.

Aunque a Napoleón lo han interpretado actores muy diversos, entre ellos Marlon Brando o Rod Steiger, es Albert Dieudonné el que se lleva la palma por la monumental Napoleón (1927), una ambiciosa película muda del francés Abel Gance. Ya a todo color, Ben Kingsley fue un oscarizado Gandhi en 1982, y Elizabeth Taylor la última, y más mítica, reina de Egipto en la colosal Cleopatra (1963) —también Claudette Colbert en el filme de 1934 de Cecil B. De Mille—.

En cuanto a la historia de España, Franco ha tenido su presencia también en el cine, en la comedia Espérame en el cielo (1988) interpretado por el argentino Pepe Soriano que hacía de caudillo y de su doble exacto; o Juan Diego en Dragon Rapide (1986). Ha habido al menos una decena más, Juan Echanove en Madregilda (1993), Juan Viadas en Balada triste de trompeta (2010) o incluso el londinense Peter Hughes en la adaptación del musical Evita (1996) que protagonizaron Madonna y Antonio Banderas en 1996.

Próximamente en sus pantallas

El cine biográfico con famosos políticos o mandamases no descansa. El italiano Paolo Sorrentino tiene previsto estrenar este año Loro con su actor fetiche, Toni Servillo, interpretando al controvertido ex primer ministro italiano Silvio Berlusconi. Teniendo en cuenta el cine de Sorrentino, autor de La gran belleza, Il divo o la serie The Young Pope, será un biopic del que puede esperarse de todo, menos que sea convencional.

Un memorable duelo de actrices promete Mary, Queen of Scots, y que podría estrenarse a inicios de noviembre. Nada menos que Margot Robbie y Saoirse Ronan —y ambas serán seguramente candidatas a los Oscar este año por Yo, Tonya y Lady Bird respectivamente—, en una nueva versión del histórico enfrentamiento entre Isabel I, reina de Inglaterra, y María Estuardo, reina de Escocia, durante el siglo XVI.

Aún es un proyecto, pero llevar a la gran pantalla la biografía del que fuera el 32º presidente de Estados Unidos (1901-1909), Franklin Delano Roosevelt, está en la mente del director Martin Scorsese —actualmente enfrascado en la película de gangsters The Irishman—. Además, podría significar su sexta colaboración con Leonardo DiCaprio.

Lost Frequencies, Dorian, La Raíz y La M.O.D.A, entre las nuevas confirmaciones de Arenal Sound

EUROPA PRESS

  • Entre las doce nuevas incorporaciones también se encuentran Bad Bunny, Dimitri Vegas & Like Mike, La Casa Azul, Swan Fyahbwoy y Mueveloreina, entre otros.
  • El festival Arenal Sound se celebra en Burriana (Castellón) del 31 de julio al 5 de agosto de 2018.

Arenal Sound 2013

Lost Frequencies, Dorian, La Raíz y La M.O.D.A son algunas de las doce nuevas incorporaciones de la próxima edición del Arenal Sound, que tendrá lugar del 31 de julio al 5 de agosto en la playa de Burriana (Castellón), y que se suman a los ya anunciados Bad Bunny y Dimitri Vegas & Like Mike, según ha informado la organización del festival en un comunicado.

Felix De Laet, conocido como Lost Frequencies, es la nueva incorporación de electrónica. Se trata de la entrada más fuerte dentro del Top 100 de la revista DJ Mag, llegando al número 26 a nivel internacional. Por su parte, Dorian llegarán a Burriana para presentar su nuevo y esperado disco del que ya se pudo escuchar un adelanto Hasta que caiga el sol.

La Raíz llega de presentar por todo el territorio nacional su último disco Entre poetas y presos y lo ha hecho con un "rotundo éxito" que les llevará de nuevo al escenario principal de Arenal Sound. Otros que están "arrasando" con su nuevo material son La M.O.D.A, llegando a llenar durante tres noches seguidas La Riviera de Madrid.

Para Swan Fyahbwoy será su primera vez en Arenal. El 'chico de fuego' presentará sus últimas canciones ante miles de sounders. Por otra parte, la "fiebre" de Bad Gyal llegará hasta Burriana el próximo verano; mientras que el cantautor El Kanka no ha dejado de crecer y su éxito parece no tocar techo.

Otros que se estrenan en el festival son La Casa Azul, con su nuevo disco El Columpio Asesino; Nikone es una de las sensaciones del hip hop con más de 100 millones de reproducciones en YouTube y miles de seguidores, y su nuevo disco, Onirikone, llegará hasta las playas de Burriana. Uno de los descubrimientos más prometedores son Mueveloreina, su último single Voy ha sido la banda sonora de una conocida empresa en todas las televisiones nacionales.

Bryan Ferry y Franco Battiato actuarán en el Festival Castell de Peralada en julio

EFE

  • A falta de conocer la programación musical completa, el Festival de Peralada ha anunciado a dos cabezas de cartel.
  • Se trata de Bryan Ferry (Roxy Music) y el italiano Franco Battiato.
  • Actuarán el 21 y 22 de julio, respectivamente.

El excantante de Roxy Music, Bryan Ferry, y el artista italiano Franco Battiato actuarán en el Festival Castell de Peralada, que se celebrará el próximo mes de julio en el Auditorio Parque del Castillo, según han informado los organizadores.

El festival, que ya ha dado a conocer una parte de su programación de lírica y danza, ha avanzado dos de los nombres del Verano Musical, a la espera de presentar toda la programación de la próxima edición del festival a principios del mes de abril.

Bryan Ferry, que debutará en el Festival Castillo de Peralada la noche del 21 de julio, fue el cantante de Roxy Music, banda de culto y autora de temas como More than this o Avalon.

Además tiene una trayectoria en solitario, durante la que ha puesto voz a los estándares de la Great American Songbook y del jazz, ha versionado los clásicos de Bob Dylan, ha colaborado con los productores de música electrónica Dj Hell o Todd Terje, y ha recreado sus propias composiciones.

En Peralada, el artista británico hará un repaso a los éxitos de su dilatada carrera, donde no faltarán temas como Slave to love, Don't stop the dance o Let's stick together.

Una noche con Franco Battiato

La noche del 22 de julio, el protagonista será el cantautor, músico, letrista, compositor, cineasta, pintor e intelectual Franco Battiato. Autor de éxitos como Voglio vederti danzare, Propiedad prohibida, Bandiera bianca o Centro di gravità permanente, actuará en Peralada junto a un cuarteto de cuerda y piano.

Los nombres de Ferry y Battiato se suman al cartel de la próxima edición del Festival de Peralada, que ya ha presentado el ballet de La bella y la bestia, con el Malandain Ballet Biarritz y música en directo de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa (28 de julio), la ópera Madama Butterfly, de Puccini, con dirección escénica de Joan Anton Rechi (7 y 9 de agosto), y los recitales líricos de la soprano rusa Julia Lezhneva (5 de agosto) y del tenor norteamericano Gregory Kunde (6 de agosto).

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La música de NIKO gratis desde Internet

El Artista independiente Niko Papasideris, ha optado por renunciar al modelo tradicional de negocio de la música, el rechazo de un acuerdo con discográficas y optando en su lugar por regalar su música online de forma gratuita.

Conocido simplemente como «Niko», el artista griego y residente en Nashville ha publicado 20 de los temas más populares de sus cuatro lanzamientos en www.NikoOnline.com para descarga gratuita.

«Mi visión siempre ha sido hacer una diferencia positiva en el mundo a través de la música», dice Niko. «He decidido eliminar el mayor obstáculo que mantenía con el mundo de la audición de mi canciones – dinero».

El cantante internacional ha desarrollado una impresionante publicidad en las redes sociales,   sobre todo en el extranjero en Europa y Asia. Su promedio de la página de MySpace cerca de 5.000 desempeña un día www.myspace.com / NikoOnline, en gran parte como resultado de marketing viral y la palabra de la exposición oral. La respuesta a sus iniciativas en línea ha sido tan alentador que él rechazó recientemente un importante contrato de grabación discográfica de Warner Bros. en Grecia.

«Estamos honrados de recibir una oferta de una misma etiqueta de prestigio, pero en última instancia, creemos que el viejo modelo de negocio de la música no se presta a un nuevo milenio como artista Niko», dice el gerente de Niko, John Walker. «Gran parte de su visión se centra en romper las barreras entre artistas y aficionados, y trabajar para desarrollar un nuevo paradigma».

El prolífico artista se encuentra actualmente grabando su quinto álbum, una colección que, aún sin título de «newgrass» remixes de nuevo y publicado previamente el material Niko. El proyecto cuenta con una gran variedad de músicos veteranos de Nashville: Andy Leftwich y Cody Kilby (Ricky Skaggs), Rob Ickes (Blue Highway, Alison Krauss) y Byron House (Sam Bush), entre otros. Algunos de los temas nuevos se realizarán un comunicado de principios de verano, seguido de una gira europea.

Niko centra actualmente sus esfuerzos de comercialización en el extranjero en países como Francia, España, Grecia, el Reino Unido y China, aunque ha conseguido un número de canciones en anuncios de televisión locales y nacionales. Su actual  hit es “The Sun the Moon the Stars”.

Para obtener más información y para descargar gratis de 20 canciones Niko, www.NikoOnline.com



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